Depósitio Sonoro

Rock

20 años del ‘Fever To Tell’, disco que comenzó el incendio sonoro de los Yeah Yeah Yeahs

A dos décadas del lanzamiento de su primer álbum de estudio, el trío neoyorkino recoge sonidos del garage rock, indie y punk, creando un sonido sucio, estridente y contagioso que marcó el inicio de su carrera y del nuevo milenio. Tenía 16 años cuando el ‘Fever To Tell‘, de los Yeah Yeah Yeahs, entró en mis oídos, tras haber sido lanzado al ruedo de una industria musical que había puesto al pop en la cima de las listas de popularidad. Sin embargo, entre ese enramado de boy bands y solistas creados para el mainstream, la vocalista Karen O, el guitarrista Nick Zinner y el baterista Brian Chase consiguieron despegarse de esa directriz, haciendo del garage rock y el punk las bases sonoras que definirían el estilo de sus primeros tres discos y que serían la materia prima de su álbum debut que este 29 de abril de 2023 cumple 20 años. Había pasado más de año y medio del atentado a las Torres Gemelas en Nueva York. La sociedad estadounidense estaba temerosa y dolida, pero también furiosa y harta, sensaciones que alcanzaron a la tercia fundada en 2002 y que, en cierto modo, están presentes en las 12 canciones que componen su primer disco de estudio. Bajo el sello discográfico Interscope Records y co-producido por David Andrew Sitek y la tercia de músicos, los Yeah Yeah Yeahs grabaron una placa de casi 40 minutos de duración que, al igual que su portada, nos comparte un collage repleto de estridencias, suciedad, caos y rebeldía. 20 años del ‘Fever To Tell’ de Yeah Yeah Yeahs El álbum arranca con “Rich”, tema que nos da una probadita de lo que los dedos de Zinner pueden lograr sobre las seis cuerdas de su guitarra. Escasos segundos después Chase hace lo propio con el bombo, toms y platos, y junto con él la también pianista, en plena metamorfosis, nos atrapa con unos agudos y guturales que emanan de una garganta lista para lanzar gritos en su siguiente canción, “Date with the night”. Para entonces, los riffs de Nick abren nuevamente, dando paso a una Karen O que en la noche tiene una aliada para hacer lo que se le dé su regalada gana, algo que queda muy claro con su interpretación que raya en lo sexual y gritos sugerentes que incitan el headbanging y saltos interminables. Luego de poco más de seis minutos de un sonido estruendoso por los guitarrazos y baquetazos, llega “Man”, rola que con solo 1:49 minutos de duración hacen que la female fronted saque su lado Riot Grrrl, escupiendo energía y desenfreno, demostrando que el punk también está hecho por y para mujeres. Para “Tick” los tres músicos se dejan venir con todo. Mientras los guitarrazos de Nick y los golpeteos de Brian sobre la batería salen de las bocinas, la voz y gritos de Karen completan este track breve, pero al mismo tiempo intenso y ensordecedor. En “Black Tongue” lo ruidoso baja un poco, pero no la fuerza y pesadez de sus riffs y batería, ni la feroz interpretación de una mujer que, además, desprende sensualidad a través de la garganta. De nueva cuenta Zinner y su instrumento de seis cuerdas se apropian del álbum con “Pin”, al tiempo que Brian hace su entrada al sonido de bombo y platillos, mientras Karen nos ataca con una velocidad y agudeza vocal que combina perfecto con la melodía que la envuelve. Llega “Cold Night” y con ella un ligero cese en la rapidez de los instrumentos y voz que pronto se ve compensado con riffs ásperos y macizos, más una batería furiosa y vigorosa, elementos que se impregnan en “No, No, No”, canción que en sus últimos segundos apuesta por bajar las revoluciones y abrirle las puertas a la experimentación sonora, creando una atmósfera futurista. Y como el amor y desamor siempre han sido materia prima de la música, “Maps“, acrónimo de ‘My Angus Please Stay’ y uno de los cuatro sencillos del ‘Fever To Tell‘, hace su arribo triunfal, siendo hasta ahora una de las canciones más coreadas de toda su discografía, tema que destaca por la sinceridad y fragilidad que salen de la boca de Karen O, regalándonos una interpretación emotiva, honesta y que, en cierto modo, baja la guardia de la cantante ante una relación sentimental que se diluye entre sus dedos. Pero esta tristeza y lucha por rescatar lo insalvable empieza a mutar hacia un equilibrio y redirección del rumbo con “Y Control”, en donde el caos gutural se transforma en una voz más suave, al igual que los sonidos que la acompañan. Para “Modern Romance” , la cantante de 44 años de edad, junto con Nick y Brian, nos transportan a un lugar apacible en donde todo parece suceder más lento, fórmula melódica que se repite en “Poor Song”, la última pista de este álbum con la que los Yeah Yeah Yeahs aceptan que tener miedo es parte de nuestra naturaleza, pero no por ello una limitante para aventurarnos a tomar riesgos y confiar. ‘Fever To Tell‘ fue catalogado como uno de los mejores álbumes del 2003, y está incluido en el libro “1001 discos que hay que escuchar antes de morir”, del escritor y editor inglés Robert Dimery, placa que durante su primera edición se distribuyó en formato CD y que hoy habita en el mundo virtual en varias plataformas digitales. A pesar de que cada canción tiene un sonido distintivo, hay elementos que prevalecen en su primogénito. La rapidez, brevedad, simplicidad e intensidad extraídas del punk, más lo rasposo, pesado y sucio del garage rock, mezclados con el estilo sonoro e interpretación vocal, hacen de la propuesta musical de los Yeah Yeah Yeahs una de las más icónicas de la Gran Manzana que hace dos décadas llegó fuerte con el nuevo milenio y que al día de hoy se mantiene activa, regalándonos sonidos que a muchos nos remontan a una adolescencia donde solo había cabida para la rebeldía y ruidos ensordecedores. Para celebrar el

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Leyda Luz: “Me enamoré de la música a través de los ojos”

Leyda Luz fotografa conciertos entrevista

Esta artista visual regiomontana, amante de la cultura drag y la moda, descubrió, muy joven, su amor por el rock y la fotografía musical, actividad que actualmente combina con su trabajo como ilustradora, diseñadora gráfica y docente. No sabes cuándo, cómo ni dónde te va a llegar, pero cuando el rock se hace presente en tu vida y te atraviesa, no hay vuelta atrás. Esto fue precisamente lo que le pasó a Leyda Luz, artista visual a quien a los 10 años de edad la música de Queen, Rolling Stones y Kiss le dieron la bienvenida a un mundo hasta ese momento desconocido y del que no tiene la menor intención de salir. Con una década como fotógrafa musical Leyda ha cubierto festivales y conciertos, tanto en Nuevo León como en la Ciudad de México y Estados Unidos, profesión que no estaba en sus planes ejercer y que hoy la ha puesto frente a artistas de talla mundial a quienes ha inmortalizado a través de su lente. Platicamos con ella sobre qué la puso en el camino del rock, sus primeros trabajos con la lente, cómo se convirtió en fotógrafa oficial de Apocalyptica durante su visita a la CDMX en 2019 y cómo fue ver uno de sus diseños sobre la portada de un CD al interior de un Mixup. ¿Cómo nace tu amor por el rock y la fotografía? Siempre digo que me enamoré de la música por los ojos. A mí lo que me encanta y lo que me obsesiona todos los días son las imágenes de músicos, verlas, hacerlas, diario pienso en eso, un gusto que viene de mi infancia. Cuando era niña había mucha música en mi casa, desde las canciones de señora hasta rock clásico. Para ayudarle a mi mamá me encargaba de acomodar los discos y me gustaba mucho ver sus portadas. Como a los 10 años, tal vez, encontré unos álbumes de mi papá con recortes de fotos de músicos que sacaba de revistas que compraba en Estados Unidos. Hacía collages con ellas, sobre todo de Rolling Stones. Cuando vi esas imágenes pegadas por primera vez, muchas ya de color amarillo por el paso de los años, me hicieron querer viajar en el tiempo para poder ver a todas esas bandas y vivir lo que mi papá vivió. Fue una inspiración muy grande. A los 12 o 13 años, el dinero que me daban mis papás para el lounh lo usaba para comprar revistas de música como la Switch y la Mosca, y también CD’s y era padrísimo mirar las fotos de los grupos. Y ya más grande, como a los 16, pude ver a los Rolling Stones en vivo. Después de escucharlos gracias a los casetes de mi papá y tras haber ido a ese concierto me dije “quiero que de esto se trate mi vida”. Así que mi gusto por la foto musical nació con todo esto. ¿En qué momento ese gusto por la foto se volvió algo serio y lo llevaste hacia lo profesional? Estudié Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León, y aunque todos los años el plan de estudios cambia en ciertas materias, siempre había fotografía. En segundo semestre aprendí a usar cámara análoga, aunque no era mi tirada tomar la asignatura otra vez. Ya en séptimo semestre, al no abrirse la materia de Filosofía, tuve que volver a cursar foto. Y aunque al inicio no me atraía mucho, un profesor me hizo darme cuenta que la cámara era otra herramienta del diseño para hacer imágenes, así que empecé a agarrarle el gusto. En ese mismo periodo comencé a buscar dónde hacer mis prácticas profesionales y me enteré que en EXA Radio estaban solicitando un diseñador, así que apliqué, conseguí una entrevista y me aceptaron. En una de mis idas a la estación, literal estaba engrapando mi tarea de fotografía y la chica que me contrató me dijo que le gustaban mis fotos y que se las enseñaría a Raúl Coca, quien en aquel entonces era el gerente de EXA Monterrey. Las vio y me pidió que tomara las fotos en los eventos de la estación. Podría decir que fui privilegiada porque mis primeros trabajos profesionales fueron en la Arena Monterrey, con la mejor iluminación, fotografiando a Belinda, Enrique Iglesias y otros artistas pop, pero no era fan de ellos, solo iba a hacer mi trabajo y quería que vieran podía hacer un buen trabajo. Mientras contestaba teléfonos y ayudaba en la programación de rolas en un espacio de rock de la estación, buscaba cubrir conciertos de artistas que me gustaban. Pero luego de un tiempo renuncié porque quería seguir aprendiendo en otros lugares. Al salir de ahí trabajé en la agencia de diseño Tridente Brand Firm que, curiosamente, lleva varios proyectos de Tecate Pal’Norte, lo que me ha permitido participar en el festival desde su primera edición. Haber trabajado en EXA me dejó muchos contactos, por lo que empecé a pedir acreditaciones para algunos conciertos y así pude publicar mis fotos en varios medios como Marvin, Vice, en una revista local que se llama Vinil TV y otros. Y luego de un tiempo me encargaron una sesión de fotos de estudio para Jumbo, imágenes que un año después salieron en Rolling Stone México y yo fascinada a mis 23 años. Por esto digo que la foto me eligió porque no era mi meta ser fotógrafa. ¿Quiénes son tus influencias fotográficas? Mi primera influencia fue Fernando Aceves, un buen amigo que hasta la fecha sigue siendo una inspiración para mí. Desde muy chica veía sus fotos y ubiqué su nombre de inmediato. Del lado de las mujeres otra influencia es Toni Francois. En el momento en que conocí su trabajo ella era la única mujer haciendo fotografía de conciertos. Si nos vamos a lo internacional, Alberto García-Alix, fotógrafo español, es otra gran artista que me inspira. Pero sin duda mi fotógrafo musical favorito es Mick Rock, a quien pude

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Paul Di’Anno, primer vocalista de Iron Maiden, regresa a México tras años en terapia intensiva

¿Quién es Paul Di’Anno? Paul Di’Anno es un cantante inglés conocido por ser el primer vocalista de la banda de heavy metal Iron Maiden. Di’Anno se unió a Iron Maiden en 1978 y grabó los dos primeros álbumes de la banda, “Iron Maiden” (1980) y “Killers” (1981). Durante su tiempo con la banda, Di’Anno fue conocido por su estilo de canto agresivo y enérgico, que se convirtió en una de las marcas distintivas del sonido temprano de Iron Maiden. También coescribió varias canciones notables de la banda, como “Killers” y “Remember Tomorrow”. Sin embargo, a pesar de su éxito inicial con Iron Maiden, Di’Anno luchó con problemas personales y de adicción a las drogas, lo que llevó a su salida de la banda en 1981. Fue reemplazado por Bruce Dickinson, quien se convirtió en el vocalista principal de Iron Maiden y llevó a la banda a la fama mundial. A pesar de su salida temprana de Iron Maiden, Di’Anno ha seguido siendo una figura importante en la escena del heavy metal, y ha lanzado varios álbumes en solitario y con otras bandas a lo largo de los años. También ha hecho giras y ha realizado presentaciones en vivo en todo el mundo, manteniendo su legado como uno de los primeros y más influyentes vocalistas de Iron Maiden. Problemas de salud En la última década, Paul Di’Anno ha enfrentado varios problemas de salud que han afectado su carrera musical y su vida personal. En 2016, se sometió a una operación para extirpar un “absceso del tamaño de una pelota de rugby” en sus pulmones y requirió una operación de reemplazo de rodilla en ambas rodillas después de involucrarse en varios accidentes de motocicleta a lo largo de los años y tuvo que cancelar una serie de conciertos programados. También ha luchado contra la diabetes y ha sufrido problemas respiratorios debido al tabaquismo. Finalmente en 2022 Di’Anno fue operado de sus rodillas con éxito en Croacia y desde entonces se ha ido recuperando poco a poco con ejercicios de caminata, fisioterapia y ejercicios intensivos de recuperación. El regreso de La Bestia Tras esta operación Paul Di’Anno ofreció su primer concierto en años el 21 de mayo del 2022 en Zagreb, Croacia; un día antes del inicio de la última parte de la gira “Legacy of the Beast” de Iron Maiden en esa misma ciudad. Desde entonces, Di’Anno comenzó una gira extensa por todo Brasil desde los primeros días de febrero de 2023. La gira de Paul Di’Anno llegará a México a partir del 24 de marzo. A través de Alter Ego Entertainment, el legendario cantante de Iron Maiden ofrecerá tres conciertos en nuestro país y lo hará con un set especial, donde interpretará en su totalidad el Iron Maiden y el Killers, los álbumes que plasmaron su voz en el legado de la Doncella de Hierro. Sin duda será un concierto importante para poder ver en vivo a una de las voces que más influyeron la Nueva Ola del Heavy Metal Británico y que podrá ser disfrutado no sólo por metaleros sino por aquellos entusiastas de la historia del rock en general. Fechas: 24-03-23 – Chihuahua – House of Shows 25-03-23 – Ciudad de México –  Foro Veintiocho 26-03-23 – Monterrey –  Café Iguana Consigue tus boletos para CDMX  haciendo click aquí.

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Los Planetas: 29 años de mostrar que la madurez no está peleada con la creatividad

Uno de los grandes referentes del rock independiente en castellano es sin duda Los Planetas. Una sociedad artística originaria de tierras andaluzas, concretamente de Granada, España, que creó su propuesta a partir de la influencia de bandas como Sonic Youth, Lush, Pixies, Jesus and Mery Chain entre otros, aportando muchísimo a la música emergente de su momento con esa exquisita fórmula de guitarras sangrantes, distorsiones melódicas, y con mucho corazón shoegaze, que dio esperanza de salir de la condena mainstream y extra pop que había en la escena musical de sus inicios en los años 90. A pesar de ciertos aires narcisistas, Los Planetas nunca se han creído dueños de la verdad, pero sí de su discurso, siendo autogestivos en la medida de lo posible, pues cuentan con su sello propio: Ejercito Rojo, que no solo en el nombre tilda su postura, sino que además es una vía independiente para quienes tienen algo importante que contar con el idioma de la musica. Hoy Los Planetas han realizado 10 álbumes de estudio en estos casi 30 años de carrera, que han dejado ver en cada entrega cómo es que la madurez no está peleada con la creatividad, porque aunque la vitamina se diluye poco a poco, siempre existe en ellos una evolución artística elocuente con su época, que jamás deja del lado el espíritu contestatario, de crítica social y del sistema, plasmados a través de sus analogías y mensajes directos en sus letras. Sin dejar de lado esa parte romántica, vaivenes existenciales, de amores y desamores tan características en sus letras. Posturas que mantienen en éste su más reciente material, Las canciones del agua, en el que musicalmente muestra un poco de todos los géneros que el grupo ha ido utilizando en su carrera, como rock, pop, flamenco y psicodelia, además de algo menos ortodoxo como el track que abre el disco, El Manantial, una pieza un tanto ambiental y experimental de 12 minutos de piano, guitarra y vocales sobre un poema del dramaturgo, prosista y poeta español Federico García Lorca. Una buena oportunidad para disfrutar de la musica en directo de Los Planetas será en su próxima visita a Ciudad de México, con una versión diferente de lo que han venido mostrando en sus ya varias paradas en México, con un show denominado concierto esencial, un recital a piano con la voz de Jota al más estilo flamenco, Florent rasgando la guitarra a distorsiones, atmósferas, pedales y expresividad , y el pianista David Montañés, quien regala con su instrumento la elegancia que sus fans nunca creyeron escuchar en las versiones de los clásicos temas que colocaron a la banda en el centro del sistema solar de los amantes del rock de calidad. No dejes de ir al Auditorio BB este viernes 28 de octubre a las 20:00 y sé parte de un concierto por parte de la emblemática banda española. COMPRA TUS BOLETOS DANDO CLIC AQUÍ. Texto por: Jorge Carlos Armenta Álvarez e Ivan Luna Luna.

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Columna Estoy Escuchando: Meddle, de Pink Floyd

Por Abraham García [email protected] Lanzado hace 50 años, este álbum supuso una transición para que el grupo de Londres tuviera un nuevo comienzo creativo y de una vez por todas en el estudio de grabación dejara de lado la sombra de Syd Barrett. Desde las sesiones de A Saucerful of Secrets de 1968, Pink Floyd no había entrado al estudio sin tener composiciones previamente trabajadas para grabar un álbum nuevo. Hicieron Ummagumma en calidad de solistas para cada pieza y en seguida cayeron los encargos musicales para las películas More y Zabriskie Point (este último proyecto un tanto fiasco porque el director Michelangelo Antonioni decidió descartar la música original que el grupo había trabajado para la cinta) y mientras tanto, Atom Heart Mother, el pomposo álbum que los retiraría de la movida hippie universitaria para situarlos en el superestrellato, ya se estaba cocinando. En 1971, Pink Floyd se había metido en demasiadas cosas desde la expulsión/deserción de Syd Barrett a causa de su inestabilidad con el LSD y apenas habían pasado 2 años, era como si en ese tiempo los integrantes del grupo hubiesen tratado de evadirse de su ausencia (incluso David Gilmour, Roger Waters y Richard Wright participaron de la grabación de sus álbumes solistas, The Madcap Laughs y Barrett) y tan solo seguir sin parar el flujo del torbellino que comenzó en 1965, cuando formaron el grupo con la visión y empuje de alguien que ya no estaba ahí. Se metieron a grabar en el estudio, por separado, a ver qué salía. Era hacer un corte de caja para reactivar al grupo desde cero, para definir lo que era su sonido sin su líder primigenio, y todo comenzó con “Echoes”, la épica la pieza central de 23 minutos y fracción que cierra su sexto álbum de estudio. A Meddle lo conocí, como dicta el cliché, en una de las primeras veces que experimenté los efectos de la cannabis, en compañía de mis 3 mejores amigos de la facultad. Eran tiempos en que nos reuníamos ya no para hablar y discutir, sino prácticamente pelear por música y grupos y géneros musicales mientras corrían canciones elegidas por todos. “Tú no eres nadie para criticar la música que me gusta, perro”, era algo que seguro nos llegamos a decir. Desde luego, en ese tiempo “Echoes” me voló la cabeza. Decía que la composición del tema fue lo primero que hizo el grupo para este álbum y fue un parto creativo muy complicado, ya que fueron semanas y semanas de trabajar sin dar con la tecla. Fue de hecho ese reconocible teclazo inicial de Richard Wright, aquel que, usando la imaginación, se podría interpretar como una señal, no sé si de vida, o de un nuevo despertar o comienzo, lo que cimentó la base para estructurar los 24 fragmentos de improvisación individual que conforman “Echoes” y hasta el momento habían llamado “Nada”. Usaron el estudio de grabación para editar el orden de los fragmentos de sonido -como si fuese un instrumento musical más- y así armaron un rompecabezas sonoro y musical que tuviera sentido. De ahí la secuencia en limpio y muy lento crescendo que progresa hacia un jam funky. De pronto se rompe y cae, como Ícaro desde el cielo, pero en vez de morir ahogado en el fondo del mar, recupera la consciencia y comienza a nadar hacia la superficie, y así reemerge triunfante mediante el teclazo en el piano de Richard Wright del inicio, pero que ahora anuncia la ascensión musical. “Echoes” logra ser un tema muy imaginativo, como otrora fuera “Interstellar Overdrive” de los inicios de la banda, aunque de una manera que poco y nada tiene que ver con el sonido de la época de Syd Barrett, mismo que ya tenían bien asimilado trabajado. El sonido lírico de sus inicios como grupo, claramente influenciado por el jazz, perdió un poco de su explosividad espontanea y cambió hacia una creatividad más deliberada y consciente. “La canción” tan sólo fue el primer atisbo del sonido más refinado y venidero del grupo y el inicio de una temática que se volvió recurrente en las letras de Pink Floyd: la comunicación. Debo decir que Meddle es un álbum muy querido para mí y tal vez se trate de mi favorito entre la basta discografía del grupo. Sus bucólicas letras me remiten a los campos de Colima y Ciudad Guzmán a cualquier hora, ya sea desayunando un litro de pulque fresco, haciendo senderismo entre la niebla en una tarde estival, o avistando estrellas fugaces por la noche, mientras me caliento las manos frente a una buena fogata con un café bien cargado. “One Of These Days”, con su ritmo cuasimetalero que invita a hacer headbanging, quizá haya sido en su momento el gancho que me hizo querer escucharme todo el álbum, pero “Fearless”, el lado B del sencillo, y también parte del álbum, es sin duda mi canción pinkfloydiana favorita. En lo musical tal vez sea insignificante comparada con la complejidad sonora de otras piezas progresivas o psicodélicas del grupo, pero la letra, con su literal evocación a esa noción de que como personas somos frágiles o vulnerables ante aquello que nos pueda dar miedo, ya sea una cima empinada, el futuro, la muerte (propia o de un ser querido), me lleva a un lugar emocional muy íntimo y, como si fuese un chute de adrenalina para un corazón en paro, me carga de convencimiento para encarar lo que sea, por mucho que no crea poder. La interpolación entre Pink Floyd tocando el tema, con el entrañable “You’ll Never Walk Alone”, muy popularizado por el grupo Gerry and The Pacemakers y cantado a todo pulmón por los Kopites del Liverpool FC en un Anfield a reventar como cierre, me parece inefable y abrumador. Sobra decir que cuando escuché “Fearless” en el Zócalo, el 1 de octubre de 2017, con el sonido cuadrafónico de Roger Waters y su banda, me rompí en incontrolable y vigorizante llanto porque llovía bastante y además tenía

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Entrevista con Los Ovnis, pioneros de la psicodelia Mexicana en los años 60

De Los Teddy Bears a Los Ovnis, así nace la banda pionera de la psicodelia mexicana en los años 60. El pasado 14 de Mayo, el maestro Armando Vázquez Castañeda fundador de la ya mítica banda Los Ovnis, festejo su cumpleaños en el día del rocanrolero mexicano, brindándome amablemente la siguiente entrevista que comparto con mucho gusto y placer, a continuación. 1.-Armando, ¿cómo nacen Los Ovnis?   Nosotros comenzamos llamándonos Los Teddy Bears en el año de 1960 integrados por mí, Armando Vázquez (vocalista y guitarra), Héctor Velázquez (requinto), Ismael Velázquez (bajista), Tony Pérez (baterista), Jaime Pérez (guitarrista), cambiando de nombre a Los Ovnis en 1965 realizando covers al español de grandes temas de la ola británica. 2.-¿Recuerdas en qué años sacaron sus LP’s que los llevaron a la fama?   En 1961 grabamos nuestro 1er  LP para discos Orfeon, para 1963 ya teníamos nuestro segundo 2do LP, el cuál contenía 5 éxitos de The Beatles, y 5 éxitos del momento, ese disco es quizá, el primero en ser de covers del cuarteto Liverpool en México, para el año 1965 fuimos bautizados por el locutor Adrián Ojeda cómo Los Ovnis ya estando en Discos Peerless. 3.- Háblame del aclamado disco HIPPIES, el cuál los hizo ser los padres de la psicodelia mexicana.   En este LP tuve la oportunidad de tocar con músicos ex-integrantes y muy buenos amigos, fue nuestro último disco de la década de los 60, Hippies salió en 1968 y es uno de los discos más aclamados y buscado por los coleccionistas extranjeros junto a discos cómo el del Tarro de Mostaza y el de Kaleidoscope. Este sería el último disco de estudio de Los Ovnis y el más ambicioso de su discografía que hasta este momento se había formado principalmente por versiones en español de temas de éxito anglosajones. Ahora el grupo buscaba expresar a través de sus propias composiciones las inquietudes de su generación, por ello esta placa se encuentra constituida completamente por temas originales del grupo, salvo un cover, para así también apropiarse de un lugar en nuestra historia musical como uno de los grupos pioneros en componer temas en español dentro del género psicodélico que se encontraba en su apogeo a nivel internacional.   Canciones como “Mugre”, “Cuando era Niño” y “Mi Protesta” guardan en sus letras un cierto espíritu punk, es decir, bien podríamos escucharlas cómo letras de dicho género, en ese ánimo de rebeldía y de crítica social. Dirigidos los temas por el sonido del órgano y la guitarra eléctrica cargada de fuzz, destacando las buenas interpretaciones de su vocalista Armando Vázquez.   Potentes acordes de guitarra distorsionada, del gran Ernesto de León, en “Infinito”, donde juegan con la dinámica del tema para desembocar en un solo de órgano. En “Fe” recuerdan un poco a la búsqueda sonora de grupos como The Yardbirds con esos coros y temática de encuentro con la paz interior. “Enciende mi fuego” es el único cover del disco, bastante reconocido éxito de The Doors – “Light My Fire”, el cuál interpretan bastante bien; de hecho el grupo se ha destacado por sus buenas adaptaciones al español, aquí el único detalle es que excluyen la famosa sección de improvisación instrumental a la mitad del tema original, ya qué hubiera sido bastante interesante escuchar a los músicos darse vuelo para exhibir sus habilidades. En una onda más garage: “Grito al Vacío” que recuerda a grupos como The Animals por el sonido predominante del órgano. Muy interesante el experimento que es el tema “Frío”, donde estructuran pasajes con las armonías de los instrumentos, ahora con el sonido del piano y la guitarra eléctrica, así como la voz principal y los coros. Su temática también es peculiar por lo enigmático de su relato. “Ya sé” y “Te doy tu lugar”, son otro par de temas garageros, el primero más acelerado, pero ambos bastante bailables.   La re-edición del disco cuenta con algunos temas adicionales, al parecer son un par de covers, “Voy para Loco”, reconocida canción de gran James Brown,  (I’ll Go Crazy), “Help!”, clásico de The Beatles y un par de temas propios “Amanecer Azul” y “No puedo Vivir”, en la onda más alivianada del grupo.

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Los chilenos El Último Viaje estrenan El Mismo Café, pop de recuerdos

El nuevo sencillo de la banda chilena El Último Viaje, integra una propuesta potente cargada de emociones, restableciendo sus bases en el rock pop, sumando algunos timbres electrónicos. Su producción tuvo lugar en Buenos Aires, con el destacado productor argentino Guillermo Porro, quien trabajó con artistas como La Ley y Beto Cuevas. La canción intencionadamente goza de una estructura pop muy bien lograda, la idea de fusionar texturas electrónicas con riffs de guitarras concretos y con una letra líricamente fuerte siempre será una buena combinación, pero es justo esto, lo último, la letra de la canción, la que sin duda la proyecta hacia otro estado de ánimo. La banda está compuesta por Josué Figueroa en guitarra, Daniel Vargas en bajo, Pablo Galleguillos en batería y Julián Ramírez en voz, juntos han decidido que “El Mismo Café” sea la última muestra antes de liberar por completo el nuevo disco que llevará por nombre Migra, trabajo discográfico que contemplará un total de 6 canciones, en donde se podrá apreciar la evolución sonora de la agrupación. El disco viene a suceder a su anterior trabajo: Todo Vuelve a Empezar, lanzado a finales de 2016 y que durante 2017 los llevó de gira por todo Chile en más 20 shows a lo largo del país, abarcando ciudades como Antofagasta, Tocopilla, La Serena, Coquimbo, Santiago, Viña del Mar, Quillota, Chillán, Concepción y Temuco.

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Entrevista con Descartes a Kant: entre el romanticismo del Victims of Lovepropaganda

Descartes a Kant es una de las bandas más irreverentes y entusiastas de los últimos tiempos en México, han sabido renovar sus ideas y el contacto con su público siempre ha sido muy importante para ellos, el registro perfecto fue el Victims of Lovepropaganda, del que platicamos a fondo en la siguiente entrevista. El cual, sin duda, es uno de los proyectos más ambiciosos y más extraordinarios que han hecho. 1.- Victims of Love Propaganda es un gran nombre, ¿a quién y cómo se les ocurrió?   Gracias. ¡Me gusta también! El título estaba en un top 5 de otros títulos que tenía escritos. Les mostré a los demás la lista y todos votamos por este porque era el que mejor explicaba lo que era este álbum. Otro título era Emotional Porn hahahaha y en cierta manera es lo que es para mí todo esto. Exhibir a la audiencia lo que pasa en nuestro mundo psicoemocional. Oscar Wilde dijo: “El arte es la forma más intensa del individualismo que el mundo ha conocido.”   La concepción de este disco es el resultado inspiracional de una investigación que hice sobre el amor a partir de una devastadora experiencia personal. Mi investigación buscaba observar este fenómeno no sólo desde el punto de vista romántico, poético, filosófico y humano, sino también desde un marco psicológico, científico, social y de marketing.   Tal vez el amor sea universal, pero la manera en que cada cultura lo interpreta está definida, tanto literal como figuradamente. En los mensajes que se dan sobre el modelo del amor occidental y cómo se ha fijado a través de la historia de la literatura, la cinematografía, la música y la humanidad en general.   Lo que quiere decir Victims Of Love Propaganda es que no es solo nuestra culpa salir tan decepcionados de nuestras relaciones, ya que las vivimos basándonos en nuestro concepto de amor; y eso está fijado en idealizaciones y conceptos pre existentes de la consciencia colectiva. Somos herederos del romanticismo. 2.- ¿Cómo nace la idea de llevar al en vivo y conectar con sus fans la concepción por esa vía sobre el amor moderno?     Siempre nos gusta crear un universo para cada disco y cuando terminamos la grabación de este, hubo un espacio creativo solo para imaginar cuál sería la mejor manera de ensamblar estos mensajes. Algo que trascendiera la música y la experiencia de solo escuchar un disco. Al pensar en videoclips pensaba en una historia un tanto cinematográfica que al final sería el meta mensaje sobre todas esas cosas que aprendemos de las películas. Visualicé cuadros oníricos representados por una pareja ficticia y a través de ellos contaríamos la historia. Eso nos daría mucha libertad para explorar y concretizar el mensaje a través de diálogos concretos, un alter ego con una voz en off comunicando desde lo sensorial hasta lo racional, sus propias ideas acerca del amor, el dolor y la decepción. Siendo un trabajo no conclusivo, el encanto era que el público completara la historia según su propia experiencia en el amor. 3.- ¿Qué los llevó a referenciar un espectáculo o musical de Broadway pero con su visión para que Victims of Love Propaganda fuera una realidad?     Es un tema del disco pasado que existe cuando se sembró en mí la idea de que en un concierto de punk debería sería genial, de la nada, incluir un solo de tap, referenciando los musicales de broadway. Era en un tiempo en el que no dejaba de escuchar Chicago. Me enamoré y me aprendí todas las canciones, incluso tuve que estudiar musicalmente la estructura del musical. Fue todo un reto. Es una completa rapsodia de 8 minutos y medio que jamás habíamos logrado tocar en vivo por el nivel de complejidad. Pensamos que sería una de esas canciones que solo existen en el disco pero, los fans siempre pedían que la tocáramos. Este show hecho a la medida para un teatro sería el mejor pretexto para lograrlo. Era una deuda hacia ellos y hacia nosotros mismos. Pensamos que no lo lograríamos con todo y bailarín de tap, ¡pero después de mucho esfuerzo en el montaje se logró! 4.- Victims of Love Propaganda es lo más ambicioso que han hecho, sin duda, y parece que prepararlo fue todo un reto, ¿qué fue lo más difícil pero también lo más satisfactorio de estos conciertos?   Ciertamente, la dualidad siempre presente. Para mí lo más difícil fue tener que ser tan multitask como grupo. No solo teníamos que preocuparnos por la producción y ejecución musical, por diseñar una narrativa visual, por diseñar vestuarios y ensayar montajes coreográficos, sino que también vender boletos y hacer promoción para llenar el teatro, y generar contenidos para nuestras redes sociales y contestar varias entrevistas diarias, así como tener juntas con el equipo de producción constantemente. Afortunadamente se hizo todo con mucho corazón y con un equipo pequeño de trabajo de gente cercana al grupo. Al final la sensación fue como un triunfo para todo el equipo que nos apoyó en momentos muy estresantes. Y cada segundo valió la pena lo más satisfactorio fue sentir que crecimos no solo músicos y creadores sino como equipo de trabajo autogestivo. Todo se compensó cuando al final del show la gente llora y te abraza y te dice que es lo más conmovedor que han presenciado en mucho tiempo. Hasta el día de hoy los fans y amigos se remueven al recordar el concierto y eso por eso que queremos compartirlo con el mundo. 5.-Se hace mucho énfasis al amor/desamor en el concierto y en todo el concepto a fondo, desde el encanto hasta la ruptura, ¿sirvió de catarsis personal de alguna manera?     Indudablemente, todo este trabajo es una catarsis. El arte tiene la capacidad de llevarnos a otros lugares. Como artista tomas lo que ves y vives todos los días y lo elevas fuera de lo ordinario. Cada artista se apropia del mundo, y al hacerlo lo eleva y

Entrevista con Descartes a Kant: entre el romanticismo del Victims of Lovepropaganda Leer más »

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