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Sons Of Kemet y su disco Your Queen Is A Reptile, para entender el futuro del jazz

Para entender dónde está el futuro del jazz, es mejor seguir hacia dónde se dirige Shabaka Hutchings. Pocas figuras del jazz contemporáneo han cubierto tanto terreno en tan poco tiempo como el saxofonista y clarinetista nacido en el Caribe y afincado en Londres, que ha actuado con artistas como Jonny Greenwood de Radiohead y el pionero del jazz etíope Mulatu Astatke, y ha grabado y aparecido en unas seis docenas de créditos discográficos en los últimos 9 años. Por muy impresionante que pueda ser el volumen de su trabajo (incluidos algunos de los mejores discos de jazz de los últimos 2 años), es la vitalidad y la versatilidad lo que hace que valga la pena seguir esos créditos, desde el extenso jazz espiritual de Shabaka and the Ancestors hasta el jazz espacial escatológico de The Comet is Coming, además de haber contribuido al efímero y trascendente proyecto de Yussef Kamaal. Su mundo musical está en constante expansión. El camino que toma Hutchings en Your Queen Is A Reptile, el tercer álbum de su conjunto de jazz afrocaribeño Sons of Kemet, implica realizar un largo viaje a través de la historia negra. Es el primer lanzamiento del grupo para Impulse! Records, un sello que cambió la forma de la música a través de lanzamientos innovadores de artistas como John Coltrane, Charles Mingus y Pharoah Sanders, y hay una sensación similar de creatividad ilimitada en las nueve pistas aquí. También hay un espíritu activista que recorre estas pistas. Así, Sons of Kemet ofrece una afrenta a la figura británica al invocar los nombres de mujeres negras que cambiaron la historia, desde Harriet Tubman y Angela Davis hasta la propia bisabuela de Hutchings, Ada Eastman. Your Queen Is A Reptile, es un álbum político similar a lo que era el material profundamente espiritual de Pharoah Sanders a principios de los años 70, no tanto en los detalles de los temas que destaca sino en el mensaje más amplio y amplio que transmite. Éste es un álbum tanto sobre la alegría y la celebración de los negros como sobre la denuncia del patriarcado blanco (que toma forma como matriarcado). Esta es música que conmueve, como James Brown o Fela Kuti, de cuyo linaje la música de Sons of Kemet sin duda forma parte. Los furiosos ritmos brindan un telón de fondo para algunas de las músicas más intensas y poderosas aquí, las explosiones de saxofón de Hutchings son un contrapunto más abrasivo a la audaz línea de bajo de tuba. My Queen Is Yaa Asantewaa, que lleva el nombre de una reina madre anticolonialista de Ghana, toma un camino más sinuoso para alcanzar su clímax, con una inquietante sensibilidad psicodélica, mientras que “My Queen Is Anna Julia Cooper” adopta un enfoque más espacioso. El saxofón de Hutchings desempeña un doble papel: instrumento de respaldo discordante y líder serenamente seductor. No hay mucho en Sons of Kemet que sea tradicional, fuera de la tradición activista negra que honran y sobre la que construyen. Your Queen Is a Reptile tiene un sonido único construido sobre contrastes y contrapunto, cuyas influencias son transparentes pero de ninguna manera cliché u obvias. Es enojado e inspirador, funky y furioso, un álbum de jazz que no sólo suena a su época sino que refleja y contrarresta el tumulto del mundo que lo rodea. La banda estuvo activa del año 2011 al 2022, año en que se disovieron. Con información de: Treble

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Something in the Room She Moves, el nuevo disco de Julia Holter

Podemos observar los adornos, secretos y sorpresas que ofrece Julia Holter. Something in the Room She Moves es sin duda una escucha íntima. Tiene una holgura que evoca matices cálidos. Los sonidos dispares de este disco están esparcidos y la voz actúa como un imán reuniendo tesoros, acercándolos hasta que forman adornos centelleantes sobre la voz de cuerpo fuerte, sintetizador, batería y bajo. Una voz de ensueño flota a la altura de la cabeza como capas de humo de una hoguera en la playa al anochecer. Luego volvemos al interludio de glissando de bajo deslizante con flauta vocalizada de avant-jazz. En Something in the Room She Moves, Holter explora sonidos internos del cuerpo, acercándose cada vez más a una presencia física. Por encima de los ritmos descentrados y el bajo hay voces separadas e instrumentos que ​​se dispersan como burbujas de pensamientos, apareciendo y desenfocándose. En 10 tracks se crea una continuidad de magia delicada y alegre. Una de las intenciones del álbum era dejar de recordar el pasado o vivir en el futuro imaginado, pero resultó ser es un ejercicio de estar presente, dice: “ser apasionada en un estado de hacer algo, estar en ese momento, ¿Y cuál es ese momento?”. Pero, por supuesto, este álbum es más que un ejercicio, se trata de vivir y crear el momento junto con su sonido. También se trata de seguir tu instinto. En el caso de Holter, eso significa desbloquear el sonido de quién es ahora en comparación con quién era cuando escribió el último álbum que lanzó (Aviary en 2018). Se trata de inclinarse y extraer los sentimientos que nunca supo que quería o necesitaba comunicar. Julia Holter presenta un álbum completamente formado, lleno de apertura y verdad. Julia Holter (California, Estados Unidos, 18 de diciembre de 1984) es una artista, cantante y compositora estadounidense. Graduada en el Instituto de las Artes de California, publicó su primer álbum de estudio, Tragedy, en 2011, al cual siguió el año siguiente Ekstasis, su segundo trabajo. Holter también colabora con otros músicos, entre los que se encuentran Nite Jewel, Linda Perhacs y Michael Pisaro. Después de firmar para Domino Records en 2013, lanzó a la venta su tercer álbum, Loud City Song, un disco que recibió la aclamación de la crítica y cuyo éxito continuaría con su cuarto álbum, Have You in My Wilderness, el cual fue publicado en 2015. En 2018 lanzó Aviary, un álbum doble. Este 2024 Something in the Room She Moves.

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Shellac lanzará su primer álbum en 10 años, ‘To All Trains’

Shellac ha compartido detalles de su primer álbum de estudio en una década, titulado To All Trains. Shellac (‘goma laca’, en inglés) es un grupo musical estadounidense formado por Steve Albini en la guitarra y voz, Todd Trainer en la batería y Bob Weston en el bajo. Aunque han sido calificados como noise rock y math rock, el grupo se autodefine como «un trío de rock minimalista». El disco, que consta de 10 pistas, se produjo durante varios fines de semana en el estudio Electrical Audio de Chicago entre 2017 y 2022. Es la continuación del LP Dude Incredible de 2014, así como de The End Of Radio de 2019, que compiló dos sesiones de radio de la BBC del banda. El nuevo álbum tiene una duración de 28 minutos y no hay planes de compartir ningún sencillo antes de su lanzamiento completo. Discografía At Action Park (1994)Terraform (1998)1000 Hurts (2000)Excellent Italian Greyhound (2007)Dude Incredible (2014)To All Trains (2024) Shellac se formó en Chicago, Illinois, en 1992 como una colaboración informal entre el guitarrista Steve Albini y el baterista Todd Trainer. El ex bajista de Naked Raygun, Camilo González, participó en los primeros ensayos y tocó una canción del primer sencillo de Shellac antes de que se uniera el bajista permanente Bob Weston. Shellac tiene un sonido distintivo y minimalista basado en compases asimétricos, ritmos repetitivos, un sonido de guitarra angular y las letras surrealistas y mordazmente sarcásticas de Albini y Weston. Las canciones normalmente no tienen una estructura tradicional de verso/estribillo/verso y los arreglos son escasos, hasta el punto de que algunos los describen como “amelódicos”. El sonido característico de Shellac se asocia a menudo con su entusiasmo por las guitarras antiguas Travis Bean, una marca poco común de instrumentos con mástil de aluminio y el pedal de distorsión Interfax “Harmonic Percolator”. Se sabe que Albini usa púas de cobre y normalmente se enrolla la correa de la guitarra alrededor de la cintura en lugar de sobre el hombro. La banda prefiere la intimidad de clubes más pequeños y las apariciones en vivo son esporádicas.

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Poolside, de música relajante para las veladas de Verano del Vive Latino 2024

En un ambiente suave y de armonía envolvente, la banda de chillwave proveniente de Los Ángeles, California, Poolside hizo vibrar en el escenario Little Caesars al público que asistió al segundo día del Vive Latino. Pasadas las 10 de la noche del domingo, entre luces de colores que alternaban blanco, violeta y azul, cantando emocionados, los espectadores bailaron hipnotizados por el sonido electrónico suave y alegre que emitían los instrumentos de esta agrupación que fue formada por Jeffrey Paradise y Filip Nikolic en 2011. Entre las canciones con las que emocionaron al público esa noche estuvieron “Kiss you forever”, “Leila”, “Harvest moon”, “Around the sun” y “Can’t stop your lovin’”. El conjunto angelino, que desprende un sonido líquido y relajante, ha tenido como integrantes temporales para los espectáculos en vivo a músicos como Vito Roccoforte y Mattie Safer de The Rapture y Brijean Murphy de Toro y Moi. Ha lanzado 4 álbumes: Pacific Standard Time (2012), Heat (2017), Low Season (2020) y Blame It All On Love (2023). Además, ha remezclado temas de Billy Idol, Jack Johnson & Milky Chance, Neil Young, Miami Horror, L’impératrice, Purple, Zoe, entre otros.Recientemente ha colaborado con Todd Edwards, Neil Frances, Brijean, Foster The People y Buscabulla. Sin duda, un gran momento del festival. NOTA POR : María Ortiz (@maria_ort114)

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Kamasi Washington anuncia su próximo álbum y comparte un adelanto

El multiinstrumentista Kamasi Washington ha anunciado su nuevo álbum Fearless Movement. El también compositor y director de banda de jazz de Los Ángeles, lanzará su continuación de Heaven and Earth de 2018 el 3 de mayo de este 2024. Nos ha dado ya el adelanto con 2 canciones, una de las cuales titulada Prologo, se estrenó hace unas horas. Washington ha explicado que Fearless Movement es un “álbum de baile”, aunque «No es literal«, según dio a conocdr en un comunicado de prensa: “La danza es movimiento y expresión, y en cierto modo es lo mismo que la música: expresar tu espíritu a través de tu cuerpo. Eso es lo que impulsa este álbum”. El adelanto del nuevo álbum incluye también “The Garden Path”, que Washington interpretó en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon en 2022. El disco Fearless Movement también cuenta con contribuciones de Thundercat, Terrace Martin, Patrice Quinn, André 3000, los vocalistas George Clinton, BJ the Chicago Kid, y D Smoke, y otros. Kamasi Washington (Los Ángeles, EU, 1981) es un saxofonista de jazz, compositor, productor y líder de banda estadounidense. Conocido principalmente como intérprete de saxofón tenor.

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La banda Russian Circles regresa a México

Dentro del amplio espectro de festivales y conciertos que hay en la Ciudad e México podemos citar uno destacado: Russian Circles. En la música y en el arte parece que todo está dicho. Centrándonos en el caso de la música, en ocasiones un grupo o proyecto suele ponerse sus propios límites. Sucede más de lo que pensamos.  Por propios límites también nos referimos a no querer salir de una zona ciertamente de confort, pero que también puede ser explorada a profundidad. Éste caso aplicaría a Russian Circles, quienes su música está marcada claramente por ciertos ejes y rasgos ya estipulados. Entre la marea del Post-metal, el Sludge y el Post-rock y con un dinamismo y por qué no decirlo, una fórmula por más estudiada y perfectamente ejecutada. Hoy por hoy son parte de las vacas consagradas en su género, por su potencia y exactitud. Uno de los mejores momentos para vivir la experiencia Russian Circles es verlos en vivo, ahí es en donde se desprende toda esa carga de poder, en donde los caballos colisionan y uno es parte de eso. Encuentra tus boletos para los conciertos de Ciudad de México, Guadalajara o Monterrey, en el siguiente link: https://caciquemx.com/shows/ Monterrey – 12 de abril en Café Iguana – Boletos aquí.Guadalajara – 13 de abril en C3 Stage – Boletos aquí.CDMX – 14 de abril en Circo Volador – Boletos aquí.

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Africa Express en Festival Bahidora 2024: un ecosistema musical multicultural

Hace 18 años nace Africa Express con una intención: expandir el trabajo de músicos africanos y realizar una conexión con otras latitudes de occidente. Cofundado por Damon Albarn e Ian Birrell, el ensamble actualmente reúne a artistas, músicos y DJs de diferentes países del mundo, presentándose como un evento con una serie de actos irrepetibles. Por primera vez en México, vivimos la experiencia de este ecosistema musical en el festival Bahidora del 2024, un espectáculo de aproximadamente cinco horas de duración que integró el setlist de cada propuesta invitada y una selección de ritmos inéditos que rompen con fronteras convencionales. En esta ocasión, Africa Express también contó con la presencia de artistas latinos, destacando a La Bruja de Texcoco, quien retoma la estética muxe, los sones y los huapangos. A esta colaboración se sumó El Instituto Mexicano del Sonido, en donde se pudo ver a Camilo Lara acompañado de trompetas y guitarras al ritmo del ska. Sin olvidar a Mare Advertencia y la profundidad de sus rimas, ni a los monstruos de la marimba Son Rompe Pera, que protagonizaron su sonido con percusiones acompañado del rap de M.anifest. Albarn estuvo presente en cada presentación, ya sea tocando el piano o su melódica, incluso, tras bambalinas. De esta forma hizo presencia con Fatoumata Diawara y a Moonchild Sanelly, quienes se desenvuelven dentro wassoulou, un género popular africano que combina instrumentos tradicionales y modernos. Lo mismo ocurrió con Imarhan, quien nos dejó un camino con pólvora y elementos sonoros que provienen de las penínsulas arábigas. Finalizando así con Jupiter & Okwess, un proyecto con una explosiva e inagotable reserva de ritmos provenientes de las etnias del Congo. La mente maestra de Albarn cerró con una estampa carnavalesca con los músicos participantes en estado de ebullición y bajo la hipnosis polirítmica de los instrumentos en el escenario. La diversidad y multiculturalidad son dos palabras que definieron a este show, pues encarnó la hibridación de las sociedades tribales y las invocaciones melódicas del world music, como símbolo de la apertura musical y del espíritu comunitario.

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Reseña de She Reaches Out to She Reaches Out to She, el nuevo disco de Chelsea Wolfe

Chelsea Wolfe (1983) construye un altar de transformación increíblemente intenso; bajos aturdidos, ritmos electrónicos y sirenas antiaéreas se acumulan en un grupo irregular de guitarras distorsionadas. El ambiente aquí es más exuberantemente siniestro, menos abiertamente agresivo, pero sin cubrir las cicatrices de la supervivencia. A veces es curiosamente seductor, como en “Everything Turns Blue”, en el que las ideas de adicción y sexo se entrelazan; o en la onda oscura y más escasa de “Tunnel Lights”, que comienza con Wolfe cantando: “Estoy santificado a los ojos de mi amante”. Hay momentos de terror sutil (“The Liminal”) e incluso algo parecido al trip-hop de la vieja escuela en el destacado “Salt”, pero cada permutación estilística parece traer consigo una sombra profunda. Sus discos esconden su brillante voz bajo un quejido industrial, obligándola a adoptar una somnolienta modestia de Grouper. She Reaches Out, por otro lado, coloca a Wolfe en la cima de la mezcla. Incluso cuando una guitarra vampírica sacude barro fresco sobre el propulsor “Unseen World”, no hay duda de su hipnótica repetición del título de la canción. La claridad de su voz es muy apropiada para este álbum, que incita a confiar en uno mismo lo suficiente como para rendirse ante la incertidumbre. El último tema, “Dusk”, en el que los impulsos en espiral y la autodeterminación chocan entre sí: “Un pecado lleva a otro, y yo atravesaría el fuego para conseguirlo. A usted.” La salvación sólo está implícita, pero las elipses son suficientes para sugerir la luz del sol sobre el horizonte, por muy angustiosa que sea la caminata para llegar hasta aquí. Por otra parte, Chelsea Wolfe nunca ha sido de las que rehuyen las sombras más portentosas, y en She Reaches Out to She Reaches Out to She, las ha esculpido en formas extraordinarias. “He utilizado muchas imágenes para este álbum, esta especie de huevo grande y misterioso que estoy cuidando y protegiendo”, dijo Wolfe en una entrevista con The Line of Best Fit. “Y la idea es que en realidad no sé qué hay en este huevo, solo sé que hay potencial allí”. Es la trama de la película artística japonesa Angel’s Egg de 1985, en la que una chica con cabeza de cama navega en una sociedad industrial violenta con un enorme huevo blanco escondido debajo de su enagua. Wolfe, de la misma manera, camina de puntillas sobre las grietas de la acera para demostrar que puede hacerlo. “He llegado hasta aquí/Para vivir esta vida” […]. Ese mismo tipo de fe ciega también vive en ti, si cierras los ojos y dejas que brille”.

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