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Conoce cómo el movimiento Riot Grrrl creó una revolución en el rock y punk

El movimiento Riot Grrrl es una de las más importantes revoluciones del rock y el punk, y no solo por su política feminista y anticapitalista. Como describe Polyphonic en su breve video sobre la historia de la música, Riot Grrrl fue una de las últimas veces que sucedió algo importante en la música rock antes de internet. Y es especialmente emocionante porque todo comenzó con fanzines. Tobi Vail y Kathleen Hanna, que ya producían sus propias revistas feministas, unieron fuerzas para lanzar “Bikini Kill“, una recopilación de letras, ensayos, confesiones, citas apropiadas y complementos para la otra revista de Vail, “Jigsaw “, y la sensación de que algo estaba pasando. Algo estaba cambiando en la cultura del rock. Kim Deal de Pixies y Kim Gordon de Sonic Youth, o Poly Styrene de X-Ray Spex y Yoko Ono. Otra revista, “Girl Germs”, fue creada por Allison Wolfe y Molly Neuman. Bikini Kill the zine dio lugar a la banda Bikini Kill en 1990 y su canción “Rebel Girl” se convirtió en el himno de un nuevo movimiento de rock feminista centrado principalmente en el noroeste del Pacífico, casi al mismo tiempo que sucedía el movimiento grunge. El manifiesto generó un movimiento, incluso trayendo consigo bandas que habían existido anteriormente, como L7. Riot Grrrl se propuso elevar las voces y la música de las mujeres, sin capitular ante los estándares masculinos y regresar al bricolaje y la energía colectiva de la escena punk temprana. También sacó la teoría feminista de las Universidades y la llevó al escenario, y con ella la teoría queer y el diálogo sobre el trauma, la violación y el abuso. Recomendamos leer un fanzine de la época, o escuche las letras de las bandas de Riot Grrrl y escucharás el discurso y reconocerás las mismas tácticas que hoy. De alguna manera se siente aún más radical que ahora: revistas y fotocopias podrían afectar a toda una escena y no ser atomizadas por las redes sociales. Riot Grrrl es un movimiento feminista estadounidense nacido en los primeros años de la década de 1990 principalmente en el estado de Washington y más en la ciudad de Olympia, en el estado de Washington.​ Durante estos años se observó a una fuerte eclosión cultural cuya finalidad era “cambiarlo todo”. En este contexto, muchas mujeres se unieron y dieron pie a la emergencia de este movimiento gracias a la compleja red de intercambio existente en el mundo underground. Es decir, generaron un sentimiento de comunidad fuertemente vinculado al mundo de la cultura gracias a la filosofía del DIY (Do It Yourself; Hazlo tú mismo), exposiciones de arte, fanzines, activismo y militancia política. Con información de Open Culture

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Eddie Vedder lanza su primer disco en solitario en 10 años

Imaginar al Eddie Vedder de los años 90 colaborando con Elton John sonaba improbable. Pero ahí están, Elton y su piano, amable, melódico, en la canción “Picture” ejemplifica el espíritu del primer álbum en solitario sin banda sonora del líder de Pearl Jam desde 2011: un conjunto de rockeros mezclando pop; y eso está bien, no sólo hay que vivir de glorias pasadas o repetir patrones. En esta ocasión también invitó Stevie Wonder y Ringo Starr, en un disco planeado al inicio de la pandemia. Vedder permite que estos amigos superestrellas adornen las pistas en lugar de intimidarlos. Eddie Veder, devoto de Neil Young y Pete Townshend, no revela ni una pizca de lesa majestad. La banda que acompaña el disco son: el baterista de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, el exguitarrista de Chili Pepper, Josh Klinghoffer, y el coproductor Andrew Watt en el bajo. Vedder ha aceptado con dignidad su posición como una quinta parte de lo que alguna vez fue, brevemente, una de las bandas más grandes. Él es más ligero; canta con un salto en su paso. Después de varios álbumes de Pearl Jam de material machacado en salsa de carne, las delicias más aireadas de la carrera final de Earthling permitieron que Vedder se estirara hacia otro lados con cautela. Ahora Ringo ofrece el habitual trabajo de percusión superconstante en “Mrs. Mills”, una oda a la pianista británica Gladys Mills y una elegía al propio padre músico de Vedder, con su trompeta muestreada brillando como un recuerdo del Swinging London. “Try” cuenta con la armónica de Stevie Wonder, sus skirls un par de estribos que impulsan el trabajo rítmico de Vedder y Klinghoffer. “¡Los buenos hombres no tienen que fingir!” Vedder grita. Con información de: Pitchfork

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20 años del lanzamiento del disco seminal Martes, del productor Murcof

Esta semana se celebran hace 20 años de que salió el primer álbum del productor Murcof, bajo el entonces recién fundado sello tijuanense, Static discos. Un disco introspectivo, experimental, profundo y minimalista de la electrónica mexicana. Murcof nació de un proyecto paralelo que había venido trabajando como Terrestre bajo la estética Nortec. Posteriormente a Marte, Murcof en cada lanzamiento trata de introducir nuevos elementos, en diseño de sonido o usando estructuras nuevas, con la inspiración y tecnología que tenga a la mano. Para el disco Martes, Murcof trabajaba todo en digital con algunas grabaciones de instrumentos acústicos y muchos muestreos de música de Arvo Part, Morton Feldman, Giya Kancheli, etc, pequeños fragmentos que después procesaba para construir melodías nuevas. El productor Murcof, proveniente de Tijuana, México, poco tiempo después de lanzado el disco de Martes decidió mudarse a Barcelona a y desde entonces vive ahí ya con hijos, entre Barcelona y Girona. + Desde 1988 formó parte de diferentes agrupaciones de géneros como la electrónica, rock y jazz. Fue miembro fundador del Colectivo Nortec de músicos de Baja California. A partir de 2001 usa el alias de Murcof para sus composiciones de música electrónica minimalista, basadas en percusiones electrónicas abstractas. Sus influencias armónicas y melódicas provienen de la música clásica, del ambient, de la música étnica y la improvisación. Toda esta mezcla de ritmos e influencias derivan en un ambient perfecto que frecuentemente se acompaña de minimal techno y bordeando los horizontes del IDM.

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Moderat da primeros detalles sobre su próximo disco MORE D4TA, el primero en 6 años

Moderat, el proyecto colaborativo de música electrónico entre Modeselektor y Apparat, formado en Alemania durante el año 2022, ha compartido detalles y un adelanto de su primer álbum en 6 años. Abarcando 10 pistas, MORE D4TA sigue a discol “III”, de 2016, y presenta el primer material nuevo que surge del trío desde que hicieron una pausa en 2017. Trabajaron en el disco durante el transcurso del encierro, y se dice que el álbum toca temas como información de sobrecarga y aislamiento. Ya podemos escuchar el primer adelanto con la canción ‘FAST LAND’. El anuncio del álbum se produce tras la confirmación del regreso a las giras en directo del trío, con apariciones en festivales como Sónar (España) y Rock Werchter (Bélprogramadas para el verano, junto con una gira por Europa y América del Norte a finales de año. El sello Monkeytown lanzará el disco MORE D4TA el próximo 13 de mayo de 2022. Álbumes de estudioModerat (BPitch Control, 2009)II (Monkeytown Records, 2013)III (Monkeytown Records, 2016)MORE D4TA (Monkeytown Records, 2022)

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Thurston Moore relanzará su disco Screen Time a través de Southern Lord

Thurston Moore lanzó el álbum instrumental Screen Time el año pasado como una exclusiva de Bandcamp Friday, y ahora tendrá un lanzamiento el 25 de febrero a través de Southern Lord (en vinilo). Thurston grabó el álbum durante el tumultuoso verano de 2020. Esto es de los materiales de prensa del sello. Da clic sobre la imagen para escuchar el disco: El comunicado oficial de prensa habla sobre los significados y los planteos que rodean a este disco: “¿Cuánto tiempo en pantalla permite un padre a su hijo? ¿Cuánto tiempo en pantalla necesita un niño para darse cuenta que el mundo tiene el propósito de que coexistamos como una comunidad en un intercambio compartido?”. La imagen de portada de Screen Time es de un joven acurrucado en un libro, las páginas vibran con el texto que irradia a través de la piel, la sangre y los huesos, un aspecto que falta por completo en los medios digitales, aunque la realidad de la transparencia en nuestra vida diaria a través de la transmisión, etc… Sólo puede conducir a la conciencia de la equidad. Screen Time es un reflejo del tiempo de los sueños, un estado de meditación, hipnagogia y conversación de almohada”. En general, el disco grabado durante el encierro de la primera etapa de la pandemia en 2020, reflexiona sobre el vínculo de los humanos con las pantallas. El advenimiento de la pandemia y el encierro sumieron a los seres humanos en una relación íntima con los dispositivos. “El disco se puede acompañar para momentos de lectura, de meditación y más, reconectando con la humanidad y alejándonos de la lógica de la tecnología aunque sea por un momento”, como señala el medio Indie Hoy.

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Entrevista al Director de cine Hari Sama, creador del grupo dark wave, Noble Savage

ENTREVISTA HECHA PARA DEPÓSITO SONORO POR: ALONSO DE LEO SALAS Entrevistamos a Hari Sama, director de películas como Esto no es Berlín, El sueño de Lu, Despertar el polvo entre otras. Hari Sama, ya un consolidado director de cine independiente y comercial en México, habló con Depósito Sonoro sobre su proyecto musical Noble Savage, de sus motivaciones e inspiraciones musicales personales, así como tu de más reciente sencillo “Wild Pain” quien logró situarse en un compilado “Anode” del mítico medio obscuro alemán “Electrozombies”. Alonso (Depósito Sonoro): Primero que nada, Hari, muchas gracias por tomarnos esta entrevista, que seguro será de interés para nuestros lectores. Hari: Poca madre, gracias a ustedes.Alonso: Para la gente que te conoce sabe que eres un director de cine muy humanista y con cierta demanda en el mundo comercial. Sin embargo, nos interesa saber sobre tu proyecto musical, cuéntanos cómo empezó esta inquietud en ti y cuales fueron tus motivaciones para pensar en hacer música. Hari: Mira, pues la verdad la música siempre ha sido una parte fundamental de mi vida. Para los que han tendido la oportunidad de ver mi película Esto no es Berlín, habla bastante de la manera en que yo crecí. Si bien yo nací en la ciudad de México, en mi adolescencia mis padres decidieron mudar se al Estado de México, yo crecí ahí en una época en que la banda estaba muy aguerrida, había muchas pandillas muy grandes, y rápidamente me vi influenciado por el rock pesado que comenzaba llegar a estos lugares, ya sabes, Judas Priest, AC/DC, Iron Maiden. Y, bueno, yo empecé en la música, cómo lo pueden ver en la película por influencia de un tío, él me presentó toda la oleada psicodélica de la época a la que a él le tocó, me volví cómo un hippie fuera de tiempo, con mil problemas en la escuela porque iba descalzo, ya sabes. Pero cuando conocí a la banda con la que realmente me ayudo a abrir los ojos con lo que estaba sucediendo en Under en ese momento en el mundo, ¿no? Y pude descubrir a bandas como Bauhaus y Sisters of Mercy, los primeros discos de The Cure, y todo ese mundo, pues me voló el cerebro y me trasformó. Yo siempre quise ser cineasta, pero la verdad yo empecé en la música a finales de 80´s principios de los 90´s; viví de primera mano el nacimiento del rock en español, me tocó tocar en Rockotitlán, me tocó ser manejado por aquel entonces unos de los 3 mejores productores del momento, el famoso Jaime Pavón “el oso”, que manejaba a Caifanes, a Fobia, Los Enemigos del Silencio ya nosotros, que junto con Fobia éramos los chiquitos, y que desafortunadamente gracias a nuestros excesos y nuestra locura no terminados por grabar un disco, ni nada, dejé la música, estuve en rehabilitación, decidí tomar cursos de música de concierto contemporánea, me di cuenta que eso no era lo mío, y justo de dio entrar a una escuela de cine y dejé la música años, sin bien hice música en mis primeras producciones, me deshice de mis sintes la neta, y hace 10 años regresé, resucitamos aquel proyecto de los sños 90 que se llamaba “La muerte de Uridis”, invitamos a participar a Patricio Iglesias (Santa Sabina) en la batería, grabamos un par de Lp’s y Ep´s, y ése fue el regreso, decidí nunca más dejar la música. Noble Savage es el proyecto más nuevo que tengo, y tuvo que ver con Esto no es Berlín por el mundo, y me di cuenta de la fascinación que hay en las nuevas generaciones de esta corriente artística obscura, cosa que nos había pasado a nosotros. Entonces me di cuenta que era momento de retomarla. Noble Savage nace en Los Ángeles, con esta necesidad de retomar todas nuestras vivencias en los tiempos pasados y también con la intención de pertenecer a esta nueva oleadadel género hoy en día. “Para ese entonces, en mi estadía en Los Ángeles, me reuní con la sombra Noble Savage, yo simplemente soy el interlocutor”- Hari Sama “Hay una necesidad de buscar la magia en este proyecto, la relación del placer y el dolor, el cuerpo, cosas de ese tipo”. H.S Alonso: Haber pertenecido a esta generación de Caifanes, Santa Sabina, escuchar la oleada dark europea, seguro fue muy gratificante.Hari: Claro, y pensar que hoy en día siguen siendo headliners en los festivales cuando nosotros tocábamos con ellos, si, la verdad en esos tiempos quizá no había ese boom comercial dark como hoy, en verdad es impresionante la cantidad de bandas que hay en este momento y ver que es un gran movimiento, de hecho el 26 de febrero vamos estar tocando en un show que pertenece s a una serie defestivales que se llama “Serie sobre Ruedas” , va ser puro Underground, le abriremos a una de las bandas más importantes de post punk mexicanas, Leonora post punk y varias bandas del género muy interesantes. Alonso: Cuéntanos un poco de las motivaciones que hacen nacer tus letras, de donde te inspiras y sientes esta necesidad de expresarlas.Hari: Todo tiene mucho que ver cuando me mudo a Los Ángeles y me reencuentro con la sombra, Noble Savage. Surge esta necesidad justo de comunicar nuestras vivencias y las cosas que “hemos aprendido” a lo largo de este tiempo. “Tenemos” esta necesidad de expresar como fue “nuestra sensación” de inocuidad en la vida, como fue esta sensación de ser outsiders, de sentir permanentemente no pertenecer a un grupo social a los cuales nos tocó estar. Y todo esto es un motivo para hacer las letras, ¿cómo transformas estas vivencias en actos creativos? Al final Noble Savage nace de estas sensaciones, pero ya con varios años después, en la edad madura. Ahora a Noble Savage le interesa hacer rolas bailables, que suenen en un antro y pongan a la gente a bailar. “Noble Savage nace de la unión del dolor de estar convirtiéndote en una persona que tiene una

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Reseña del disco Hiss Spun, de Chelsea Wolfe

El metal y el gótico van de la mano con bastante naturalidad. No son lo mismo, pero hay similitudes que los unen, ya que cada uno de ellos es esencialmente una especie de elemento oscuro de la contracultura. Chelsea Wolfe (1983) no comenzó con todo el metal. Sus primeras grabaciones fueron moderadas, pero bastante inquietantes y con el tiempo agregó más y más pesadez a su sonido hasta el punto de que más o menos se convirtió en una artista de metal, o al menos en un metal adyacente. Mientras que Abyss, de 2015, fue el equilibrio más fuerte de sus elementos darkwave y metal (y algo industrial), Hiss Spun de 2017 no es más que riffs corpulentos y grandes himnos de principio a fin. Hay miembros de Queens of the Stone Age en este álbum, lo que ayuda: cuando un disco de pop gótico necesita más stoner rock. Cuando digo que esto es básicamente un álbum de metal, no quiero decir necesariamente que sea un álbum de black metal, aunque Chelsea apareció en un álbum de Deafheaven un año después. Es más que esto es rock alternativo realmente pesado, incluso grunge. Pero grunge pesado. Soundgarden, Alice in Chains, Queens of the Stone Age, Early Failure, ese tipo de cosas. Y hay momentos que se arrastran hacia el lodo, como “Vex”, que presenta a Aaron Turner de Sumac e ISIS. Se unió a Chelsea en Psycho Las Vegas 2017, el año en que se lanzó. Hay algo sublime, distorsionado y hermoso que crece en la música de Chelsea Wolf, quien se ha convertido en un innegable monolito de atmósferas expansivas, hechizando a más y más personas. El 22 de septiembre de 2017, la nativa de California lanzó este quinto álbum de larga duración en Sargent House Records. Hiss Spun, una incursión turbulenta en la máxima coacción personal su misteriosa música.

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Kamasi Washington lanza nueva canción, épica en su misma línea de jazz espiritual

Kamasi Washington toca jazz, en términos generales, aunque ha colaborado con varios artistas en los mundos del pop y el hip-hop, e incluso sus composiciones épicas de jazz espiritual a menudo tienen un elemento de composición de canciones pop más tradicional, especialmente cuando hay un coro involucrado. “The Garden Path” se adentra aún más en ese espacio, con grandes ganchos corales y una fuerte influencia del evangelio. Una vez que Washington inicia un solo de saxofón, recordamos nuevamente qué es lo que mejor sabe hacer, pero en “The Garden Path”, él y su gran conjunto nos recuerdan que su música es fluida y cambiante, improvisada, accesible y impredecible. Apreciemos su nueva canción, lanzada estos días.

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