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Los Discos Esenciales del Stoner Rock y Stoner Metal

El stoner rock y stoner metal han sido géneros fundamentales dentro del rock y el metal desde los años 90, aunque sus raíces se pueden rastrear hasta el hard rock y el heavy metal de los 70. Caracterizado por riffs pesados, atmósferas psicodélicas y una vibra densa e hipnótica, el género ha crecido con una gran cantidad de bandas influyentes. Aquí tienes una lista extensa y detallada con los discos esenciales del género, desde los pioneros hasta los exponentes más modernos. 1. Pioneros y Raíces del Stoner Rock Aunque el término stoner rock se consolidó en los 90, su sonido tiene influencias claras en los 70. Bandas como Black Sabbath, Blue Cheer y Hawkwind sentaron las bases con riffs pesados y estructuras expansivas. Álbumes Claves Precursores: 2. La Explosión del Stoner en los 90 El término stoner rock cobró fuerza en los años 90 con bandas que mezclaban doom, grunge y hard rock. Esta es la era dorada del género, donde surgen discos que definen su identidad. Los Álbumes Más Representativos: 3. El Auge del Stoner Metal y Doom Stoner Mientras el stoner rock conservaba elementos más rockeros, el stoner metal tomó influencias del doom metal, generando discos más densos y pesados. Discos Claves del Stoner Metal: 4. Renacimiento del Stoner en los 2000 y 2010s Con el auge de festivales como Desertfest y Roadburn, el stoner rock y metal han vivido un resurgimiento con nuevas bandas que han revitalizado el género. Álbumes Esenciales de la Nueva Ola: 5. Stoner en la Actualidad El género sigue evolucionando con bandas que mezclan nuevos elementos sin perder la esencia del fuzz, los riffs pesados y las estructuras hipnóticas. Discos Relevantes Actuales: Conclusión El stoner rock y stoner metal han trascendido el tiempo con una identidad sonora única. Desde los clásicos de los 70 hasta las nuevas generaciones, el género sigue evolucionando sin perder su esencia: riffs aplastantes, atmósferas hipnóticas y una energía cargada de fuzz y distorsión. Ya sea que busques los sonidos densos de Sleep y Electric Wizard, la vibra desértica de Kyuss y Fu Manchu, o la evolución moderna con Elder y All Them Witches, esta lista te dará un recorrido por lo mejor del género.

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Mira el docuemental “Sisters with Transistors”: El Papel Fundamental de las Mujeres en la Música Electrónica

El documental “Sisters with Transistors” (2020), dirigido por Lisa Rovner, es una obra esencial que rescata la historia de las pioneras de la música electrónica, mujeres que fueron clave en el desarrollo del género pero que han sido ignoradas en gran medida por la historiografía musical tradicional. A través de material de archivo, entrevistas y narración en off de la legendaria Laurie Anderson, el filme arroja luz sobre figuras revolucionarias que transformaron la música con osadía y creatividad. Redefiniendo la Historia de la Música Electrónica Cuando se habla de los orígenes de la música electrónica, los nombres que suelen mencionarse son los de Kraftwerk, Brian Eno, Karlheinz Stockhausen o Aphex Twin. Sin embargo, mucho antes de su éxito, un grupo de mujeres innovadoras ya estaba explorando sonidos futuristas con sintetizadores, osciladores y computadoras, desafiando las normas establecidas. El documental se enfoca en artistas como: Tecnología y Revolución Sonora “Sisters with Transistors” no solo presenta biografías individuales, sino que también explora cómo estas mujeres desafiaron las limitaciones de su tiempo. Durante las décadas de los 50, 60 y 70, la experimentación con la música electrónica era vista como un territorio exclusivamente masculino, con acceso limitado a recursos y reconocimiento. El documental enfatiza cómo estas pioneras no solo innovaron con la tecnología disponible, sino que en muchos casos ayudaron a desarrollarla. La película resalta su uso de sintetizadores modulares, grabaciones de cinta y computadoras tempranas, herramientas que sentaron las bases para la música electrónica contemporánea. Recepción y Legado Desde su estreno, “Sisters with Transistors” ha sido aclamado por su enfoque histórico y su importancia en la corrección de una narrativa musical incompleta. Ha sido proyectado en festivales como SXSW, Sheffield DocFest y CPH:DOX, recibiendo elogios por su meticulosa investigación y la calidad de su montaje. El documental también ha generado discusiones sobre la falta de reconocimiento de las mujeres en la historia de la música. A través de su archivo visual y sonoro, la película deja claro que la música electrónica no sería lo que es hoy sin la contribución de estas pioneras. Conclusión “Sisters with Transistors” es una obra fundamental para cualquier amante de la música electrónica, pero también para quienes buscan entender la historia de la música desde una perspectiva más inclusiva. Más que un homenaje, es una reivindicación de las artistas que, a pesar de las barreras impuestas por su tiempo, lograron revolucionar la forma en que escuchamos y entendemos el sonido. Mira aquí el documental completo: https://ok.ru/video/4378447448579

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Discos de Jazz que Han Sido Sampleados en la Música Hip-Hop: Un Puente Entre Dos Mundos

El hip-hop y el jazz han mantenido una relación simbiótica desde los inicios del género en los años 70. Mientras que el jazz fue la banda sonora de la resistencia y la innovación en el siglo XX, el hip-hop tomó sus elementos rítmicos, armónicos y melódicos para crear algo completamente nuevo. Los discos de jazz han sido una de las fuentes más ricas de samples para los productores de hip-hop, quienes han transformado viejas grabaciones en beats icónicos que han definido el sonido del género. En este artículo, exploraremos algunos de los discos de jazz más sampleados en la historia del hip-hop, analizando cómo estos sonidos han influenciado a productores y MCs legendarios. 1. Miles Davis – Kind of Blue (1959) Sampleado por: Nas, The Roots, Madlib, J Dilla Uno de los álbumes más importantes de la historia del jazz y la música en general, Kind of Blue de Miles Davis ha sido una mina de oro para los productores de hip-hop. Su atmósfera relajada y su instrumentación evocadora han sido reutilizadas en múltiples ocasiones. 🔹 Ejemplo notable: 2. Ahmad Jamal – The Awakening (1970) Sampleado por: Nas, Gang Starr, Common, Jay-Z El pianista Ahmad Jamal ha sido uno de los músicos más sampleados en el hip-hop debido a su forma única de tocar, llena de espacios y pausas que permiten a los productores manipular sus sonidos con facilidad. 🔹 Ejemplo notable: 3. Herbie Hancock – Head Hunters (1973) Sampleado por: Digable Planets, De La Soul, A Tribe Called Quest, Dr. Dre Con su mezcla de jazz, funk y experimentación electrónica, Head Hunters ha sido un referente en la producción de hip-hop, especialmente en la era del boom bap de los 90. 🔹 Ejemplo notable: 4. Bob James – One (1974) Sampleado por: Run-D.M.C., LL Cool J, Wu-Tang Clan, MF DOOM Bob James es uno de los músicos de jazz más sampleados en el hip-hop, en especial su álbum One, que contiene sonidos icónicos que han sido reutilizados en incontables tracks. 🔹 Ejemplo notable: 5. Lonnie Liston Smith – Expansions (1975) Sampleado por: J Dilla, Madlib, The Beatnuts, Rakim Smith fue pionero en la fusión del jazz con el soul y la electrónica, lo que lo hizo una fuente perfecta para los productores de hip-hop, quienes han usado sus líneas de bajo y teclados espaciales en múltiples canciones. 🔹 Ejemplo notable: 6. David Axelrod – Songs of Experience (1969) Sampleado por: DJ Shadow, Dr. Dre, Lil Wayne, Mos Def Axelrod fue un innovador en la producción de jazz y rock psicodélico, lo que lo convirtió en una mina de oro para los beatmakers de hip-hop que buscaban atmósferas densas y cinematográficas. 🔹 Ejemplo notable: 7. Art Blakey & The Jazz Messengers – Moanin’ (1958) Sampleado por: Madlib, J Dilla, Black Moon, Jay-Z Art Blakey es un ícono del jazz, y su álbum Moanin’ ha sido una fuente frecuente de samples gracias a su energía vibrante y a sus secciones de vientos impactantes. 🔹 Ejemplo notable: 8. John Coltrane – A Love Supreme (1965) Sampleado por: The Roots, Mos Def, Flying Lotus, Madlib El legendario saxofonista John Coltrane ha sido un referente espiritual y sonoro para muchos raperos y productores, quienes han extraído de A Love Supreme su profundidad y misticismo. 🔹 Ejemplo notable: 9. Grant Green – Visions (1971) Sampleado por: Cypress Hill, RZA, DJ Premier, Madlib El guitarrista Grant Green es otro de los músicos de jazz más sampleados, en especial por productores como RZA y DJ Premier, quienes han utilizado sus líneas de guitarra para crear atmósferas cinematográficas. 🔹 Ejemplo notable: 10. Grover Washington Jr. – Mister Magic (1975) Sampleado por: Dr. Dre, 2Pac, A Tribe Called Quest, J Dilla Grover Washington Jr. es uno de los padres del jazz-funk, y sus melodías han sido utilizadas en múltiples canciones de hip-hop. 🔹 Ejemplo notable: Conclusión: El Jazz como Base del Hip-Hop El hip-hop se ha nutrido del jazz desde sus inicios, y los productores han encontrado en los viejos vinilos una fuente infinita de inspiración. Estos discos no solo han servido como material para samples, sino que han influenciado la manera en que se construyen los beats, la cadencia de los MCs y la estética sonora del género. Desde Miles Davis hasta J Dilla, el jazz y el hip-hop continúan entrelazándose en una conversación musical que sigue evolucionando. Lo que comenzó como una técnica de sampling ha dado paso a un diálogo más profundo entre estos géneros, con artistas que buscan integrar ambos mundos de manera más orgánica.

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M Jazz Festival 2025, una experiencia musical al aire libre

El M Jazz Festival 2025 se llevará a cabo el sábado 22 de febrero de 2025 en el Parque Bicentenario de la Ciudad de México. Este evento al aire libre presentará seis destacados proyectos de jazz contemporáneo, tanto internacionales como nacionales, ofreciendo una experiencia musical única para los asistentes. Cartelera de Artistas: GoGo Penguin: Innovación en el Jazz Contemporáneo. GoGo Penguin es un trío británico de jazz instrumental conocido por su fusión de jazz, música clásica y elementos electrónicos. Originarios de Manchester. Azymuth: es una legendaria banda brasileña de jazz-funk y fusión, formada en la década de 1970. Su estilo combina jazz, funk, samba y elementos electrónicos, creando un sonido característico conocido como “samba doido” (samba loca). Melanie Charles: es una talentosa cantante, flautista, productora y compositora originaria de Brooklyn, Nueva York. Su música fusiona jazz, R&B, soul y hip-hop, con un enfoque experimental y una gran carga de improvisación. Troker: es una banda mexicana originaria de Guadalajara, Jalisco, que fusiona jazz, rock, funk y música experimental, creando un sonido único y poderoso. Su estilo se caracteriza por la improvisación, el virtuosismo instrumental y una energía que recuerda al jazz progresivo con tintes psicodélicos y de música cinematográfica. Klezmerson: es una banda mexicana que combina klezmer, jazz, rock progresivo y música tradicional mexicana, creando un sonido único y multicultural. Su propuesta es una de las más originales dentro de la escena del jazz fusión en México, integrando elementos de la música judía con ritmos latinos, psicodelia y estructuras progresivas. Bahía de Ascenso: es una banda mexicana de jazz que destaca por su enfoque contemporáneo y su capacidad de fusionar elementos del jazz tradicional con sonidos electrónicos, ambient y post-rock. Su música es atmosférica, introspectiva y cargada de texturas experimentales, lo que los ha posicionado como una de las propuestas más interesantes dentro del jazz moderno en México. Boletos. Los boletos están disponibles en diferentes categorías. Consigue los tuyos en https://www.passline.com/eventos/m-jazz-edicion-2025 Ubicación. El Parque Bicentenario se encuentra en Av. 5 de Mayo 290, Col. Refinería 18 de Marzo, Alcaldía Miguel Hidalgo, Ciudad de México. Próximas actividades previas al Festival:

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John Hoffman, ganador de la audición para ser el nuevo baterista de Primus

Primus, la emblemática banda de funk metal liderada por Les Claypool, ha anunciado la incorporación de John Hoffman como su nuevo baterista, tras la sorpresiva salida de Tim “Herb” Alexander en octubre de 2024. La noticia fue confirmada el 8 de febrero de 2025, culminando un proceso de audiciones que atrajo a más de 5,000 aspirantes de todo el mundo. El Proceso de Selección Luego de la partida de Alexander, Primus lanzó una convocatoria global en noviembre de 2024, invitando a bateristas de todos los rincones del planeta a enviar sus postulaciones. La respuesta fue abrumadora, con miles de solicitudes recibidas. Entre los aspirantes destacados se encontraban miembros de bandas reconocidas como FEVER 333, Snarky Puppy y stOrk. ¿Quién es John Hoffman? John Hoffman, originario de Shreveport, Louisiana, es un baterista profesional con una trayectoria notable en la escena musical local. Aunque no es ampliamente conocido en el ámbito internacional, Hoffman ha demostrado una habilidad técnica y una versatilidad que captaron la atención de Les Claypool y el resto de la banda durante el proceso de audiciones. Reacciones y Expectativas La elección de Hoffman ha generado expectativas entre los seguidores de Primus, quienes esperan ver cómo su estilo influirá en la dinámica y sonido característicos de la banda. Se anticipa que su debut oficial con Primus ocurra en la próxima gira “Sessanta V2.0”, programada para llevarse a cabo entre abril y junio de 2025, donde compartirán escenario con A Perfect Circle y Puscifer. Con la incorporación de John Hoffman, Primus inicia un nuevo capítulo en su historia, y los fanáticos están ansiosos por presenciar la evolución de la banda con esta nueva alineación. Para conocer más sobre John Hoffman y su estilo de batería, puedes ver su audición para Primus a continuación:

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Pantha Du Prince – Black Noise: La Naturaleza y el Minimalismo en la Electrónica

Lanzado en 2010 bajo el prestigioso sello Rough Trade Records, Black Noise de Pantha Du Prince es un álbum que fusiona minimal techno, ambient y elementos orgánicos para crear una experiencia sonora envolvente y contemplativa. Este trabajo se ha convertido en un referente dentro de la música electrónica por su riqueza textural y su enfoque en la relación entre el sonido y la naturaleza. Contexto y Concepto Hendrik Weber, el hombre detrás de Pantha Du Prince, venía de trabajar con sellos como Dial Records, donde había desarrollado un sonido profundo y melancólico en discos como Diamond Daze (2004) y This Bliss (2007). Sin embargo, Black Noise supuso un punto de inflexión en su carrera, al integrar influencias de la música concreta y el paisajismo sonoro, inspirándose en la acústica de los Alpes suizos. El concepto del álbum gira en torno a la idea de “ruido negro”, un fenómeno que representa el sonido residual del colapso y regeneración de la naturaleza. Esta exploración se materializa a través de paisajes sonoros que evocan bosques, montañas y espacios abiertos, combinados con ritmos hipnóticos y melodías etéreas. El Sonido de Black Noise El álbum se construye sobre capas de sintetizadores, campanas, percusión detallada y bajos profundos. Pantha Du Prince logra un equilibrio perfecto entre lo electrónico y lo orgánico, utilizando samples de sonidos naturales junto con estructuras de house y techno minimalista. Algunas características clave del sonido de Black Noise incluyen: Pistas Destacadas Recepción y Legado El álbum recibió elogios de la crítica especializada y fue considerado uno de los mejores lanzamientos electrónicos de 2010. Publicaciones como Pitchfork, Resident Advisor y The Quietus destacaron su enfoque innovador y su capacidad para trascender los límites del techno tradicional. En retrospectiva, Black Noise se mantiene como un hito dentro de la electrónica ambiental y el minimal techno, influyendo en artistas posteriores dentro de la escena experimental y deep house. Su combinación de naturaleza y tecnología sigue resonando en la música contemporánea, consolidando a Pantha Du Prince como una figura clave en la evolución del género. Conclusión Black Noise no es solo un álbum de techno; es una exploración auditiva de la relación entre el ser humano y su entorno. Con su producción meticulosa y su estética única, Pantha Du Prince creó una obra que sigue siendo relevante más de una década después de su lanzamiento. Es un disco imprescindible para quienes buscan una experiencia sonora profunda, emocional y trascendental.

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Björk sobre spotify: “probablemente es lo peor que le ha pasado a músicos”

La reconocida artista islandesa Björk ha expresado recientemente una crítica contundente hacia las plataformas de streaming, en particular Spotify, calificándola como “probablemente lo peor que le ha pasado a los músicos”. En una entrevista con el medio sueco Dagens Nyheter, Björk reflexionó sobre el impacto del streaming en la industria musical y el costo que esta significó para los músicos. Según la cantante, el modelo de negocio de plataformas como Spotify transformó no solo la manera en que se consume música, sino también el modo en que los músicos deben operar para sobrevivir. “La cultura del streaming ha cambiado a toda una sociedad y a toda una generación de artistas”, afirmó. Estas declaraciones se producen en un contexto donde la compensación económica que reciben los artistas por parte de las plataformas de streaming ha sido objeto de debate. Aunque Spotify ha informado que en los últimos 10 años ha pagado 60.000 millones de dólares a los artistas, con 10.000 millones solo en 2024, informes indican que Spotify paga menos por reproducción que Amazon Music, Apple Music y YouTube Music. El vicepresidente de Negocio Musical de Spotify, David Kaefer, defiende que la empresa ha incrementado significativamente los ingresos de los artistas y que el streaming ha restablecido el valor de la música. Björk no es la única artista que ha expresado su descontento con las plataformas de streaming. En noviembre de 2024, el baterista de la banda Anthrax, Charlie Benante, describió al streaming como “el lugar donde la música va a morir”. es.rollingstone.com La discusión en torno al modelo de negocio de las plataformas de streaming y su impacto en la sostenibilidad económica de los músicos continúa siendo un tema relevante en la industria musical actual.

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se aproxima el estreno del nuevo documental de the Mars Volta y el lanzamiento de su nuevo disco

The Mars Volta, la influyente banda de rock progresivo originaria de El Paso, Texas, ha anunciado el lanzamiento de su próximo álbum titulado “Lucro sucio; Los ojos del vacío”, programado para el 11 de abril de 2025. Este nuevo trabajo promete ser una adición significativa a su discografía, conocida por su complejidad y experimentación sonora. Aunque aún no se han revelado detalles específicos sobre el contenido temático o estilístico del álbum, los seguidores de la banda esperan con entusiasmo la continuación de su legado musical innovador. El álbum estará disponible en formato de doble LP, lo que sugiere una colección extensa de nuevas composiciones. Los fanáticos pueden anticipar una experiencia auditiva profunda y envolvente, característica distintiva de The Mars Volta. Para aquellos interesados en adquirir “Lucro sucio; Los ojos del vacío”, el álbum ya está disponible para preordenar en varias tiendas en línea especializadas en música. Con este próximo lanzamiento, The Mars Volta continúa su trayectoria de innovación y creatividad en la escena musical contemporánea, reafirmando su posición como una de las bandas más vanguardistas de su generación. Por otro lado, “Omar and Cedric: If This Ever Gets Weird” es un documental que explora la profunda relación artística y personal entre Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, los fundadores de The Mars Volta. Dirigido por Nicolas Jack Davies, el filme ofrece una mirada íntima a su amistad, desafíos y triunfos a lo largo de su carrera musical. El documental se estrenará en México el 6 de febrero de 2025, con proyecciones en diversas salas del país. En Guadalajara, por ejemplo, se exhibirá en Cinemex Plaza Patria y Cineteca FICG. La película ha sido reconocida en festivales como South by Southwest y ha ganado el premio a Mejor Documental de Música en los IDA Documentary Awards. A través de imágenes y testimonios, se abordan temas como la adicción, la traición y la redención, ofreciendo una visión completa de la trayectoria de estos músicos. Para más detalles sobre las proyecciones y disponibilidad en otras ciudades, se recomienda consultar las carteleras locales y los sitios web oficiales de los cines participantes. Cines donde se proyectará el documental en CDMX

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