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Se celebran 42 años del lanzamiento del formato cassette

Sony lanzó su primer Walkman el 1 de julio de 1979. Este aparato revolucionó la forma en la que disfrutamos de la música. Con este aparato se extendió por el mundo la idea de llevarse la música de paseo fue el Walkman. No tomó mucho tiempo lograr el éxito mundial bajo la marca japonesa-inglesa que hace mucho tiempo se convirtió en sinónimo del estéreo personal. La primera generación del aparato, que supuso una revolución en la forma de oír música, produjo un gran boom en todo el mundo. El primer lote de producción del Walkman de primera generación tuvo un volumen de 30 mil unidades. Al parecer, en aquel primer momento no se tenía ninguna seguridad del alcance y uso de este aparato. En aquella época en que la imagen que se tenía del típico oyente de música era la de una persona sentada en el cuarto de estar de su casa frente a un aparato de sonido con altavoces, el camino hacia un concepto tan novedoso debió de estar plagado de incertidumbres. El Walkman definió una era de tecnología personal, pero su marca no ha resistido tan bien en el siglo XXI. Aún así, cuando nos ponemos los auriculares o nos ponemos los auriculares en el viaje diario al trabajo y vemos que todos los que nos rodean han hecho lo mismo, tenemos que admitir que vivimos en el mundo que creó el Walkman. Esto tiene sus desventajas, como Amanda Petrusich reconoce en un artículo del New Yorker sobre el uso de audífonos en público: estos incluyen “la desconexión que facilitan” (y el retorcerse las manos sobre esa desconexión que fomentan), así como la ingeniería de la música en sí para adaptarse Reproducción de audio de baja calidad. Pero entonces, “deambular por una calle de la ciudad con los auriculares puestos, ya sabes, tal vez esté anocheciendo, tal vez sea pleno verano, tal vez hayas tenido un día realmente agradable, es, sin duda, uno de los placeres más simples y perfectos de la vida”, señaló el cofundador amante de la música de Sony, Masaru Ibuka, comisionado del diseño del Walkman original. “El primer Walkman se fabricó tomando por base la grabadora portátil Pressman, ideada para ser utilizada por los reporteros en su trabajo periodístico. Aunque en el sitio web oficial de Sony se explica que transformaron el Pressman a requerimiento del entonces presidente honorario de la firma, Ibuka Masaru, que deseaba un aparato que permitiera oír música durante los desplazamientos en avión, al respecto hay diversas versiones”, menciona el sitio nippon.com El jefe del equipo de desarrollo, Kuroki Yasuo, apodado míster Walkman, cuenta en su libro Walkman-ryū kikaku-jutsu lo siguiente: “A decir verdad, el Walkman no fue un aparato proyectado desde sus inicios con la clara idea de convertirlo en un artículo comercial. Fue algo que nació como una diversión de los técnicos jóvenes y que nunca estuvo en la lista de aparatos proyectados por la División de Magnetófonos. Por decirlo de alguna forma, era algo que no estaba en el guion y por eso la historia del Walkman resulta tan divertida”. Durante el primer mes las ventas no fueron demasiado buenas, pero enseguida cambiaron las tornas y el aparato ganó popularidad a gran ritmo. El primer lote de 30.000 unidades se agotó en poco más de dos meses. Con la llegada del nuevo año, 1980, la popularidad del Walkman no hizo más que crecer. En un artículo publicado el 3 de abril de ese año por el Nikkei Sangyō Shimbun, se leía: “Tanto se vende que el fabricante da gozosos gemidos: ni fabricando 20.000 al mes puede responder a los pedidos”. Durante los primeros siete meses de su lanzamiento el total de ventas se situó en las 140.000 unidades. Pero esta cifra no era más que el comienzo, pues el aparato estaba solo en su primera versión y nadie sabía todavía el enorme impacto social que estaba destinado a producir. El Nikkei Shimbun del 10 de enero de 1981, bajo el titular de “Dentro de la tensión, siempre hay un momento para el relax: y ahora, las universitarias Walkman”, publicó una fotografía en la que podía verse a una joven con auriculares en el aula universitaria donde iba a tener lugar un examen de admisión. Cuando el boom del novedoso aparato prendió en la juventud, narra Kuroki en su libro, “los adultos criticaron que el Walkman se estuviera convirtiendo en un instrumento que hacía de los jóvenes seres egocéntricos cerrados al mundo exterior, y comenzaron a deplorar que cada vez hubiera más personas aisladas”. Con información de: nippon.com ________________________________________________________________________ PREVIO AL LANZAMIENTO DE LA TIENDA EN LÍNEA DE DEPÓSITO SONORO, TENEMOS YA WALKMAN A LA VENTA. SI TE INTERESA UNO, ESCRIBE AL WHATSAPP: 5539716437. ENVÍOS A TODO MÉXICO.

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Takashi Kokubo – Oasis Of The Wind II, un disco ambiental sobre el bosque y el agua

Takashi Kokubo, a quien han llamado el Brian Eno japonés, tiene discos bellos y contemplativos. Uno de ellos es “Oasis Of The Wind II”, melodías ideales para entrar en calma en estos días lluviosos. Takashi Kokubo desde 1985 ha hecho algunas de las exportaciones musicales más codiciadas de Japón: kankyō ongaku (música ambiental), una rama de la música ambiental que invoca mundos y llena espacios con música sintetizada, y a veces sonidos naturales. “Cuando creé ‘Digital Soundology # 1 Volk von Bauhaus’, ni siquiera sabía qué era el ambient o kankyō ongaku”, dice Kokubo a The Japan Times. “Más tarde, descubrí que lo que hice era kankyō ongaku. Quizás no era una gran escena en Japón en ese momento”. Para el diseñador de sonido y compositor Kokubo, su música fue simplemente una reacción a lo que sintió en ese momento.

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Mira el documental SLAVE TO THE GRIND, sobre el nacimiento e historia del grind-core

Slave to the grind, nos acerca a un género musical minoritario, pero que cada año gana más público. El documental fue realizado por Dough Roberts, arroja luz sobre este subgénero, dándoles voz a los protagonistas que dieron a luz al grindcore y a los que le han hecho evolucionar proporcionando una imagen panorámica sirve para adentrarnos en este mundo. El documental está totalmente recomendado para los amantes de la música en general. El grindcore es una vertiente musical proveniente, por escena y por actitud, del punk rock, específicamente del hardcore punk en la Inglaterra de mitad de los años 1980. Estas bandas tuvieron mucha influencia de bandas de death metal que ya empezaban a desarrollarse desde los años 1983-1984 con la banda a la que se le atribuye la paternidad: Death; en ese misma época nacen bandas importantes como Morbid Angel. Cabe resaltar además que el death metal tiene como antecesor e inspirador principal a la banda Slayer y algunas referencias sónicas de la banda punk The Exploited. Uno de los precursores del género fueron Napalm Death.

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Ramón Amezcua y Harald Grosskopf estrenan Quetzalkrautl, mezcla de culturas mexicanas y alemanas

Grosskopf & Amezcua estrenan Quetzalkrautl, una mezcla de culturas, la hibridación de la música electrónica mexicana con el krautrock alemán. Los productores de música electrónica Ramón Amezcua y Harald Grosskopf colaboran por primera ocasión en Quetzalkrautl. Un material de 6 tracks inéditos lanzados por Milovat Records. Ramón Amezcua “Bostich”, es conocido por su carrera en solitario y por pertenecer a proyectos como Nortec Collective; mientras que Harald Grosskopf perteneció a bandas alemanas de culto como Ash Ra Tempel y Ashra. 1.- Sin duda Quetzalkrautl nos suena a un álbum evolutivo y brillante para la electrónica y el kraut. ¿Cómo nació la idea de mezclar estos géneros?La idea nació durante este tiempo de confinamiento cuando empezamos a comunicarnos vía Facebook, por mi lado yo seguía la carrera musical de Harald desde finales de los años 70’s, escuchaba mucho su música, en especial sus colaboraciones con Klaus Schulze y su proyecto solista Synthesist. Me parecía increíble e inalcanzable llegar a colaborar con uno de mis súper héroes, así que por mi lado lo vi como una oportunidad de expresar en este material todo lo que influyó su música en mi carrera. Harald por su lado sintió una fascinación el colaborar con gente de otro país y cultura, y saber que la música electrónica alemana ya se conocía en México desde esos años. 2.- El álbum fue creado durante la primera parte de la pandemia, en 2020, ¿cómo crearon los 6 tracks, cuál fue el proceso de trabajo?El proceso creativo fue muy rápido y divertido, ya que Harald por su lado retomó todas sus raíces del Krautrock, hacía sus grabaciones y me enviaba esos archivos hasta con videos de él moviéndole a su equipo, y por mi lado hice una reinterpretación de todo lo aprendido con la música de grupos alemanes que escuché desde mi adolescencia y utilizando nuevas tecnologías y aparatos de los 70’s, hicimos este material. 3.- ¿Qué aparatos o programas usaron para crear los 6 tracks?Harald utilizó mucho software e instrumentos virtuales en la construcción de los temas, y por mi lado utilicé aparatos icónicos de los años 70’s como el EMS VCS3, ARP 2600, Aries Modular, un clon del sintetizador Moog Modular (Synthesizers dot com), Moog delay, spring reverbs y varias tecnologías de los 80’s dándoles otro contexto como la Roland TB-303 y la caja de ritmos SC Drumtracks, la edición la terminamos en el Ableton Live. 4.- ¿Cuál les gustaría que fuera el alcance de este disco? Nos referimos, que sea solo un disco para escuchar en internet, o piensan sacar algo en formato físico, o quizá hasta tener alguna presentación en línea o presencial.Está la inquietud de presentar este material en vivo en México, ya se ha adelantado trabajo visual de parte del colectivo F3 integrado por los artistas y diseñadores Gabriela Reyes y Jorge Flores, parte de este trabajo ya está en Youtube, en el video de Vigia part 1 , tema que viene en este disco de Quetzalkrautl. —— 5.- Harald Grosskopf, what do you like about the music and sounds of Mexico? Of course I am aware that Mexico has more to offer than „Mariachi“. I have to admit that I didn’t know much about newer Mexican music until recently. Like many artists, I sometimes live in an isolated filter bubble of my own choosing. One might miss something here and there. Thanks to Ramón, that now has changed and seems a gateway into exploring the yet unknown. Ramon is a musician with excellent hearing and a flair for the unusual. We don’t know each other personally but I now know some of his musical, emotional wave patterns. That is always something very personal and gives insight into the person behind it. I really hope that we will soon meet in an analogous way after the pandemic. Maybe combined with live performances in Mexico. I am really looking forward to this. I am more than positively surprised that a very similar musical development has obviously taken place in Mexico as it did in Germany. Here too, a young generation has managed to free itself from Anglo-American musical colonialism in order to find it`s own way. With the difference that at that time, in contrast to Mexico, in the Sixties and Seventies we wanted to completely break away from our own traditions, which we unjustly linked to our unfortunate Nazi past. After all, Wagner cannot help that Hitler adored him ardently! Unfortunately, we also basically associated German folk music with the folk-style Nazi ideology that glorified kitsch. 6.- Ramón Amezcua, ¿qué te gusta más de la música de Alemania?Me ha tocado seguir las diferentes corrientes desde Stockhausen, el Krautrock con Neu!, Ash Ra, Kraftwerk, Klaus Schulce, los inicios del tecno desde la Harthouse hasta lo mas actual, creo que Alemania ha sido parte elemental de la evolución de la música electrónica. 7.- What other projects is each one currently working on in their respective countries? (Harald) I have a nearly finished a solo album on my computer and I am working on live taken video clips with a friend. During the pandemic I wrote a book about my life. However, with over 500 pages too long to have a chance published as biography. I’ll have to go back to that. (Harald)(Ramón), hay varios proyectos para presentarlos este año incluyendo una colaboración con Wolfgang Flür (Kraftwerk), la musicalización de un documental de la historia del box en Tijuana, la edición de un EP con ReWorks por parte de mujeres en la electrónica (Leslie García, Concepción Huerta y Sabina Covarrubias) de un material ambient que acabo de estrenar llamado BIPIH, y como Nortec: Bostich+Fussible la musicalización de una película alemana llamada Das Wachsfigurenkabinett de 1924, y el próximo mes el estreno de un sencillo llamada “Vamonos de viaje”. 8.- Anything you want to add? (Harald) At the beginning of the Nineties I was very impressed by the fascinating blaze of colors and diversity of Aztec art. Which culminated in an album called “Quetzalcoatl” (1992) on which

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#Perfil sobre Ibeyi, proyecto con influencia de las culturas cubana y francesa

“Ibeyi es una banda de electrónica, formado en el 2013 originalmente en Paris, Francia. Es el proyecto de dos chicas oriundas de Cuba y Francia, las hermanas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz. El nombre del grupo Ibeyi es y significa en idioma yoruba: “Gemelos”. Son hijas del famoso percusionista cubano Miguel Angá Díaz”. Con una influencia de las culturas cubana y francesa, su música es una influencia musical de la electrónica y trip-hop, haciéndolo con un sonido altruista y moderno. Ibeyi es considerado un grupo de culto. A veces cantan en yoruba antiguo, una lengua que ya casi nadie conoce. Otras lo hacen en francés -el idioma que hablan entre ellas-, algunas en inglés o español, la lengua de su padre y de algunos de sus amigos en Cuba que ellas dicen que ya les cuesta hablar. Han conseguido éxito por sencillos como “Ghosts”, “River” y “Stranger/Lover”. Todo empezó cuando tenían 14 años, que nuestra madre nos llevó a una coral de yoruba donde empezaron a enseñar los cantos. Han realizado giras por algunas de las principales capitales de Europa y Latinoamérica, han sido elogiadas por Beyoncé (que incluso las llamó para su video Lemonade) y Michelle Obama les cedió los derechos del audio de uno de sus discursos para que lo utilizaran en un video. Nacidas en París en 1994, las mellizas vivieron entre los 2 y los 4 años en San Juan y Martínez, un pueblo tabacalero en el occidente de Cuba. Hijas de un congosero cubano que tocaba para Buena Vista Social Club y de una cantante francovenezolana, las Ibeyi aseguran que sus padres, la música que hacían y sus creencias religiosas fueron una inspiración para comenzar a hacer música. “En el caso religioso, nosotras fuimos iniciadas en la religión yoruba desde que estábamos en el vientre de nuestra madre. Entonces está búsqueda de nuestras raíces africanas nos vienen desde antes de nacer”, señalaron en una entrevista para la BBC. Ahora tienen 25 años, una vive en Londres, la otra en París. Álbumes de estudio2015: “Ibeyi”2017: “Ash” EP2014: “Oya” Sencillos“River” (2014)“Ghosts” (2015)“Stranger / Lover” (2015)

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Mira a Mr. Bungle durante su concierto en línea: The Night They Came Home

Mira a Mr. Bungle durante su brillante experiencia de concierto de transmisión en línea de Halloween, The Night They Came Home. Hablando sobre estos tracks, el guitarrista Trevor Dunn explicó: “Eracist es una canción única en el libro Raging Wrath. No hubo una demostración inicial, solo un riff “moshy” que [Mike] Patton había creado en los años 80, que de alguna manera Trey [Spruance] recordaba. Una vez que se desenterró, Patton completó la melodía con un puente de doble compás y algunas letras sobre el borrado y la negación. “Me parece que de alguna manera se siente contemporáneo mientras encaja con nuestro estilo adolescente de composición. ¡Supongo que se debe a que se escribió en un lapso de 35 años! Puede notar que es una de las únicas canciones de la “demostración” que en realidad tiene una melodía vocal. En los años 80, pensábamos principalmente en la batería y la guitarra, que por supuesto, es de lo único que se trata el metal “. Como sea, son canciones llenas de poder y precisión, apta principalmente para cualquier seguidor del hardcore puk y el metal. Los actuales miembros de Mr. Bungle son Mike Patton, Trey Spruance, Trevor Dunn, Scott Ian y Dave Lombardo. The Night They Came Home tracklist: Won’t You Be My Neighbor (Mr. Rogers cover) Anarchy Up Your Anus Raping Your Mind Bungle Grind Methematics Hell Awaits / Summer Breeze (Slayer / Seals & Croft medley / cover) Eracist World Up My Ass (Circle Jerks cover) Glutton For Punishment Hypocrites / Habla Español O Muere (S.O.D. cover) Spreading The Thighs Of Death Loss For Words (Corrosion Of Conformity cover) Sudden Death Loss Of Control (Van Halen cover)

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Los sonidos actuales de la electrónica, ambient y pop experimental en Argentina

La música experimental siempre ha tenido un lugar y una rica historia en diversos países de Latinoamérica, y en Argentina no es la excepción. Nombres de bandas de géneros como rock o punk sobresalientes en Argentina sobran, pero para finalidad de esta nota es mostrar aquellas bandas, proyectos o productores más experimentales, que en su mayoría surgieron desde la década de los años 90. Vía Bandcamp, les presentamos algunos nombres sobresalientes de lo que está pasando actualmente en Argentina, al sur del Continente Americano, acompañada de esta Playlist: estupendo 2. Daniel Melero 3. Federico Durand 4. Asuna, Tomoyoshi Date, & Frederico Durand 5. Morita Vargas 6. América Analógica 7. Qoa 8. La Estación de Moras Silvestres 9. Pablo Reche 10. melmann Con información de Bandcamp.

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Mira el documental: Daft Punk Unchained

Brillante documental realizado por la BBC que repasa la historia de Daft Punk (1993-2021). El dúo francés construyó su carrera con determinación robótica, pero hay dos humanos detrás. ‘Daft Punk Unchained’ habla sobre el fenómeno musical que es Daft Punk, un dúo musical con 12 millones de discos vendidos en todo el mundo y 7 premios Grammy`s. El dúo, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, quienes nunca mostraron sus caras», quizá solo al principio de su carrera, en este documental muestra su particular revolución cultural y revela a unos artistas en permanente búsqueda de creatividad, independencia y libertad. El documental combina imágenes de archivo y entrevistas exclusivas con sus más cercanos colaboradores, como Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Michel Gondry, que hablan de su trabajo con Daft Punk. Dirigido por Hervé Martin Delpierre y co-escrito por el mismo Delpierre y Marina Rozenman. Sin más, te recomendamos darle Play.

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