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Escucha Trip to Mexico, recopilación con lo más sobresaliente del Stoner, desert rock, doom y psychedelic

Como menciona esta recopilación México es un lugar místico, cargado de una historia milenaria y una rica diversidad cultural. Esta compilación explora de manera general la diversidad de sonidos del underground, centrándose en riffs psicodélicos, pesados ​​y lentos. El recorrido comienza con las bandas precursoras de esta escena en los años 90 (The Sweet Leaf, Humus, EL Diablo), luego avanza hacia la generación de los años 2000 (Maligno, Spacegoat, El Brujo, Jesus on Dope, etc.), quienes diversificaron estos sonidos en México. Y luego aterriza en las de las de la década de los 2010, con la generación que decidió por crear una red entre bandas, colectivos y sellos (Lxs Grises, LSDR Records, Stonerheads, etc.) y finalmente ofrecen algunos ejemplos de la diversidad de bandas que se pueden encontrar en todo México en la actualidad. Esta lista fue curada por WEDIAN y Roman Tamayo (Vinnum Sabbathi). Cabe destacar que además de México esta interesante recopilación ha presentado lo más destacado de los géneros ya mencionados en países como Argentina, Noruega Italia, Polonia, Indonesia, entre muchos otros. Da clic en el link de arriba para que puedas escucharlas a través de su canal de Bandcamp.

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Reseña del reciente disco de The Mars Volta, un regreso maduro

Ha pasado poco más de una década desde Noctourniquet, el último LP de The Mars Volta, y en ese tiempo han cambiado muchas cosas, no sólo dentro de la banda sino en el mundo en general. El grupo se disolvió después de ése último LP, sin haber estado nunca de gira detrás de él. Noctourinquet fue el vértice de una larga cola de cambios musicales. El EP debut y esos primeros 3 LPs de estudio del grupo los vieron establecer piezas cada vez más largas y cada vez más complejas internamente y virtuosas de música psicodélica & progresiva, con presentaciones en vivo que a menudo empujaban ciertas pistas a durar alrededor de media hora, entre el beat de la canción y una serie de improvisaciones libres (jams). En el transcurso de este 2022 lanzaron música como singles. La lista de canciones revela que sólo 2 canciones superan la marca de los 4 minutos. Podemos apreciar madurez, madurez real. Los sonidos son innegablemente el Mars Volta de antaño, pero ahora controlados y conducidos con la misma precisión que artistas del pop progresivo como Supertramp, Prefab Sprout y los años en solitario de David Sylvian. En retrospectiva, esto tiene sentido, se llama evolución. The Mars Volta han evolucionado durante la última década, ya no le teme al pop, a la creación de canciones o hasta a la accesibilidad. Las cepas del post-hardcore, cuyo abierto abrazo al progresivo se ha extendido ahora durante algunas décadas y recientemente se ha destacado con los discos de regreso de grupos como City of Caterpillar y Gospel, todavía flotan aquí, pero con menos energía furiosa y sin duda más en diseño de sonido. Algunas canciones cuentan con secuenciadores, ritmos electrónicos pulsantes, que no hubiéramos esperado que pasaran en LPs anteriores de Mars Volta, pero en 2022 se sienten con mucho rigor y temple. Es una agradable sorpresa. Si eres de México no te puedes perder su próxima presentación el 5 de noviembre en Festival Hipnosis, en Ciudad de México, en la que será su única presentación en Latinoamérica durante 2022. Encuentra tus boletos –> en este link.

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Eros y la atemporalidad industrial con su nuevo disco A Southern Code

A Southern Code es el titulo del nuevo EP de Eros, proyecto que une al veterano de la música electrónica experimental Karl 0´Konnor alias Regis; Boris Wilsdorf, el afamado productor de Einsturzende Neubauten; y a Liam Andrews del trio ingles/australiano My Disco. Eros es una fantasía atemporal y un gran resultado con los exponentes e involucrados durante 3 décadas del sonido industrial de vanguardia. El encuentro se dio durante la grabacion de “Hidden in this is the light that you miss”, el penúltimo larga duración de Regis, el cual se grabó en el estudio de Boris en Berlín. Álbum en el que también participó Liam Andrews en las percusiones y bajo. El grandioso experimento consta de 5 virtuosas pistas, creadas durante el periodo pandémico de 2020-2021. El EP fue editado en la colosal Downwards Records propiedad de Regis y Female. En Eros convergen diferentes interpretaciones de la musica industrialcontemporánea, la ajustada y meticulosa mezcla de Boris quien junto a Einsturzende Neubauten revolucionaron el género en los años 80, las vocales de O´konnor y las bases rítmicas que sentaron el “Birmingham Sound” durante los años 90, así como el bajo y la guitarra post punk industrial de Liam quien junto a My Discoevolucionaron el genero a principios de los 2000. A Southern Code rompe las fronteras del tiempo, percusiones ancestrales, sediciosos sonidos del Medio Oriente, obsesivas vocales de O´ Konnor, así como el bajo incendiario de Liam meticulosamente mezclado por el increíble Boris Wilsdorf. También participan en el portentoso proyecto la pianista Ann Margaret Hogan, quien ha colaborado con Kraftwerk, Nick Cave, entre otros, así como Jochen Arbeit de Einsturzende neubauten y Automat Qiuien ejecuta la desgarrada guitarra de Uncommon Fears. No se pueden perder la oportunidad de navegar en las ruidosas corrientes del sonido industrial del prodigioso y atemporal ensamble. BANDCAMP: //asoutherncode.bandcamp.com/ Reseña por: Eduardo Montero (Cölapsö).

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La historia de Pure Hell, conocida como la primera banda de punk negro

“A mediados de los años 70 muchas personas se sentían excluidas y despreciadas por la corriente principal del rock and roll, que en gran medida había llegado a presentarse como un club de chicos y chicas blancos heterosexuales lleno de estrellas de rock súper ricas. La imagen estrecha fomentó actitudes de racismo implícito y homofobia que estallaron en la reacción violenta de 1979 “Disco Sucks”. Esto a pesar del hecho de que el rock and roll comenzó como música interracial basada en la sexualidad extravagantemente ambigua de Little Richard, las historias cortas de Chuck Berry, los ritmos de Chubby Checker, los ritmos vanguardistas de Bo Diddley y una gran cantidad de mujeres negras no reconocidas de artistas intérpretes o ejecutantes”. Ahora tendemos a recordar el rock de los 70 de manera diferente, no tanto como la era de KISS o los Eagles, sino como la época transgresora de David Bowie, Iggy Pop, Lou Reed y Freddie Mercury, de los grandes triunfos comerciales y creativos de las mujeres lideraron bandas como Fleetwood Mac y Heart, de punk y new wave outsiders marcando la pauta de 4 décadas: The Ramones, Patti Smith, the Sex Pistols, Blondie, The Clash, Joy Division, Talking Heads, Gary Numan, Kraftwerk. Lo recordamos, todavía, como una época en que el rock era mayoritariamente blanco, y cuando los artistas negros grababan principalmente música disco, funk, soul y R&B. La industria discográfica y los mercados de la radio se habían segregado y seguiría así hasta los años 80, aunque artistas de jazz como Miles Davis hicieron incursiones serias en la experimentación con el rock, bandas como Parliament/Funkadelic lanzaron la psicodelia del hard rock, Prince canalizó tanto a Little Richard como a Chuck Berry y los primeros punks como Death de Detroit y Pure Hell de Filadelfia hicieron punk. El primero escapó a la crítica, pero el segundo se hizo famoso y luego desapareció de la historia del rock durante décadas. Es momento de recordarlos y hacer justicia a la historia escuhando su música. Su punk-rock sirvió de influencia para bandas como Bad Brains. Comercialmente, la banda tuvo poco éxito y sólo lanzó un sencillo (“These Boots are Made for Walking” b/w “No Rules”) y un álbum (Noise Addiction), que estuvo inédito durante 28 años. El escritor/vocalista miembro fundador Kenny Gordon y el baterista también tienen un álbum inédito producido a mediados de la década de 1990 por ex miembros de L.A. Guns, Nine Inch Nails y Lemmy Kilmister de Motörhead, titulado The Black Box. Este álbum tiene a Kilmister cantando coros en una canción rara titulada “The Call”. En 2012, Pure Hell se juntó para tocar en su primer concierto desde 1979 en el Rebellion Festival junto a Rancid, Buzzcocks, Public Image Ltd y Social Distortion. Con información de Open Culture

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Recordando a Mariusz Lewandowski (1960-2022), pintor del metal contemporáneo

“Estos mundos, aunque formados en los rincones más profundos de la mente humana, se rigen por principios completamente diferentes a los que conocemos”, narra el sitio web del pintor polaco Mariusz Lewandowski. Tal cual imaginó Richard Wagner a finales del siglo XIX, la época actual se ha caracterizado por la llegada de la “Obra de Arte Total”, un concepto que se refiere a la conjunción de artes visuales y sonoras en favor de una sola obra. A medida que la música contemporánea se ha refinado y ha ido evocando nuevos imaginarios sonoros y psicológicos, ha comenzado un proceso de simbiosis con el arte que lo ilustra, donde música e imagen trabajan en conjunto para la construcción de un mismo universo sensorial. En los terrenos del metal extremo, el nombre de Mariusz Lewandowski ha ganado un lugar respetado por su trabajo como ilustrador de portadas. El estilo que desarrolló, caracterizado por ser uno de los más intimistas y personales de su campo, lo llevó a colaborar con una treintena de bandas de diversos estilos de metal extremo. Lewandowski nació en la ciudad de Działdowo, Polonia, si bien la mayor parte de su obra la produjo en Górowo Iławeckie, al norte de su país. Desde temprana edad, creció en él una afición por el arte y las profundidades del subconsciente, gracias a su prematuro interés por el mundo del psicoanálisis. La inspiración para iniciar en la pintura la encontró en la obra de su compatriota Zdzisław Beksiński, otro reconocido pintor de escenarios surrealistas a quien también se le han dedicado páginas en el mundo del metal extremo. A diferencia de Beksiński, Mariusz Lewandowski no basó su obra en la imagen del monstruo y las criaturas del inframundo, sino en el terror del vacío. Sus pinturas plasman escenarios de ensueño que apelan a imágenes propias de la naturaleza terrenal, pero logran escapar a la lógica de la vida despierta. El espectador se ve privado de la oportunidad de volver al mundo conocido y, en su lugar, se da cuenta de su ínfimo lugar en el universo al hallarse de frente con ominosas representaciones de la vida y la muerte. Quizá fue esta misma lectura la que llevó a Dylan Desmond, vocalista del dueto estadounidense de funeral doom Bell Witch, a acercarse a la obra de Lewandowski para darle una nueva identidad a su proyecto, recién lastimado por el deceso del baterista Adrian Guerra (2016). Tras una larga cadena de correos, el resultado final fue la obra que originalmente lleva por título Essence of Freedom y apareció como portada del álbum Mirror Reaper (2017), la cual no solo materializó en sí misma todas las inquietudes pictóricas de Lewandowski, sino que le otorgó al funeral doom contemporáneo una de sus imágenes más icónicas. Los espacios sombríos que caracterizan al funeral doom y a los discos de Bell Witch encontraron en Essence of Freedom su justa traslación al lenguaje pictórico. Essence of Freedom inició el camino de Mariusz Lewandowski en el mundo del metal extremo. Así, el polaco llegó a plasmar su particular universo en álbumes de Nihïlanth, Necrogod, Heresy Denied, Abigail Williams y muchas otras bandas. El destino, además, llevó a Lewandoski a cohabitar un imaginario sonoro con su más grande influencia artística, pues en 2019 ilustró la portada del álbum Cairn de Mizmor, el cual sucedió a Yodh (2016), cuya portada corrió a cargo de Zdzisław Beksiński. Aunque el paso de Lewandowski por el metal extremo fue breve, no hay duda de que dejó un legado imborrable en torno a la forma de entender la comunión entre la imagen y el sonido de un álbum. Lewandowski dejó una última pintura inconclusa, donde una vez más quedó presente su inquietud por la omnipresencia de la muerte. El pintor, finalmente, habitará los paisajes del sueño eterno, donde le sonreirá de frente a sus criaturas con la fragilidad de un creador benevolente.

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Rabbit Hutch Fest, nuevo festival enfocado en el darkwave, coldwave, Industrial y synthwave

La Ciudad de México cuenta con un nuevo festival especializado en música electrónica de la escena underground. Se trata del Rabbit Hutch Fest, que se llevará a cabo en el Frontón México el próximo 8 de octubre y cuya producción y curaduría son realizadas totalmente de manera independiente por la agencia Le Temps du Lapin. Este festival está pensado especialmente para todos los amantes de las variantes oscuras de la música electrónica como el darkwave, coldwave, Industrial y synthwave, entre otras, y que queda claramente demostrado por su cartel que hasta el momento y en orden alfabético integrado por: ADULT., Annie Claude Dêschenes (aka Budgie Free), Austra, Automatic, Drab Majesty, Maire Davidson (DJ Set), Vive la Fête y Void Vision, con más artistas aún por confirmar. Cabe destacar que varias de las bandas participantes estarán estrenando nuevos materiales y prácticamente tendrán su primera presentación en México desde la pandemia, por lo que la fiel base de fans que muchas de ellas tienen en México podrán volver a disfrutar de los sonidos oscuros en el céntrico foro ubicado en la colonia Tabacalera. Vendrán nuevos anuncios por parte de los organizadores, quienes prometen sorpresas adicionales para que la experiencia del festival sea memorable. Los boletos ya se encuentran a la venta a través de este: enlace y en taquillas del Frontón México.RABBIT HUTCH FESTFrontón México | 8 de octubre 2022General – $1900 + cargosGradas – $1950 + cargosGalería – $2500 + cargos #RabbitHutchFest

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Sobre Arkhon, nuevo disco de la compositora Zola Jesus

Con la colaboración de integrantes de Sun O))), Cloud Nothings y Perfume Genius, llega el sexto y último álbum de la cantante y compositora estadounidense Zola Jesus con gran intensidad. Zola Jesus es una intérprete de lo irreal. Con formación en ópera clásica, la artista radicada en Wisconsin ha profundizado en los alcances de géneros con el dark wave y el art pop con la fuerza de un árbol caído por un rayo. Su álbum debut, The Spoils, se sintió como un hechizo arrojado a un espejo de estática, y más de una década después, su nuevo álbum tiembla con una sensación similar de ruptura de encanto. Arkohn, que se traduce como “gobernante” en griego antiguo, lidia con las preocupaciones existenciales de hoy. Es decir, ¿cómo superamos la desilusión de la pandemia y las instituciones para imaginar un mundo de verdadero cuidado? Si bien su último álbum, Okovi, excavó las experiencias personales de la cantante con la muerte, lo que está en juego en este LP es más social. ARKHON marca una de las primeras veces que usa la música como un espacio directo para mediar en su relación con la política. El sencillo principal y de apertura, ‘Lost’, suena como una película de terror deconstruida: un grito ahogado que se ejecuta en bucle sobre tambores galopantes y sintetizadores de sirenas de niebla. Al igual que su visión del futuro, ARKHON no fue un proyecto realizado en solitario; en comparación con álbumes anteriores éste es más un producto de colaboración que algo en solitario. Recibe ayuda de Randall Dunn (Sunn O))), Cloud Nothings) y Matt Chamberlain (Fiona Apple, Perfume Genius), quienes sacan a relucir las partes más retorcidas de Danilova. En el glacial y vasto ruido de ‘Fault’, la presencia espectral de Danilova todavía actúa como una fuerza purgante de la culpa con su mantra (“No es tu culpa”). Su percusión explosiva aprovecha la energía de Curve y actúa como la leña perfecta para la ira templada de Danilova. Detrás de todo el poder torrencial que impulsa a ARKHON hacia adelante se encuentra algo más suave: una aceptación necesaria de cuán frágiles somos como individuos, nuestras vidas se fracturan y reconstruyen constantemente. “No puedo creer lo que estoy viendo”, canta Danilova en ‘Efemra’, como si el hecho mismo de la vida pudiera llenarse de placer y satisfacción. Nada, por supuesto, es tan simple. El duelo por lo que fue y es, sin embargo, no tiene por qué ser únicamente un acto de desánimo; también puede ser una forma de imaginar lo que está por venir. Fuente: The Quietus

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Mira el video completo del concierto final de Operation Ivy en 1989

Es hora de volver a visitar el último show de Operation Ivy, que tuvo lugar el 28 de mayo de 1989 en el icónico lugar de Berkeley 924 Gilman. No hace mucho se lanzó un video completo mejorado digitalmente (grabado por Shayne Stacy) del programa, y ​​es obvio a partir de este metraje que Op Ivy salió con fuerza. Se nota la química que tenían en el escenario, lo están rompiendo, y ya se ven y suenan tan listos como lo estarían 2 de ellos rápidamente con Rancid a partir de 1991.

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