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Vicente Juregui estrena canción y video: ¿Por qué te vas?

Platicamos con Vicente Jauregui sobre el lanzamiebto de su más reciente sencillo titulado ¿Por qué te vas?, el cual se desprende su proyecto en solitario nacido durante la pandemia. 1.- Cuéntanos un poco cómo empezó tu proyecto solista. Todo inicio con la pandemia. Ya tenía tiempo con la idea de hacer algo en solitario, pero la procastinación, sumado al miedo se juntaban y frenaban los planes. Con el encierro, se cayó la gira por los 20 años de San Pascualito Rey. De repente, tenía mucho tiempo libre y ansiedad de sobra para sentarme a escribir canciones. El arranque fue un proceso muy disfrutable. Había que descubrir una manera de cantar, encontrarle una estética al proyecto. 2.- ¿Cómo distribuyes tu tiempo entre ocupaciones, San Pascualito Rey y tu proyecto solista?Siempre he sabido administrarme. He llegado a tener cuatro bandas y una chamba de editor. Desde hace años trabajo desde casa, lo cuál me permite hacer todo lo que me propongo sin problemas. Tiempo atrás dejé de salir de fiesta, todo con el propósito de estar con la suficiente pila, salud y estabilidad para que la música siga viva. 3.- Háblanos un poco de ¿Por qué te vas?, tu nuevo lanzamiento.Es una de esas canciones que aparecen en la madrugada. Llevaba días durmiendo mal, los suficientes para que una noche de lucidez aparecieran los acordes y la letra de golpe. La canción habla sobre la doble vida que todos llevamos en las redes sociales. Parece una canción de desamor, y así también podría leerse, pero en realidad, cuando canto “¿Por qué te vas?”, me refiero a esa ausencia que todos hemos experimentado al estar con una persona que está frente a ti fisicamente, pero está fugada en la pantalla de su celular. Musicalmente, es una suerte de bolero dark. Le pedí a Giancarlo Bonfanti –quien es tecladista de la banda–, que se echara unos teclados similares a los de San Pascualito Rey. Quería producir un efecto embriagador a quien la escuche. Espero haberlo logrado jajaja. 4.- Hemos visto que estás lanzando constantemente singles, más que discos completos o EPs, ¿crees que está es una buena manera de apreciar o dosificar mejor tu música?En mi caso, el formato de lanzar sencillos es ideal por cuestiones de presupuesto. Aunque ya tenía las suficientes rolas para hacerlo, me era complejo lanzar un disco de golpe. Como bien dices, los sencillos permiten dosificar, ir encontrando un público, buscando ventanas mediáticas, etc. 5.- También vemos que lanzas videoclips de tus canciones, ¿cómo haces la producción y post producción de éstos?Esto se conecta con lo anterior. Al lanzar sencillos, tienes oportunidad de que lo visual también esté bien trabajado. Las rolas vienen con un arte que hace la ilustradora venezolana Leslie Molina, quien ha sabido traducir increíble las letras de las canciones a imágenes. Los videos son ideas mías casi siempre, que luego se enriquecen con las aportaciones de las personas que los graban y/o dirigen. “Fantasma astral”, por ejemplo, fue rodado en cinta de 8mm, la idea era hacer algo entre Godard y Anton Corbin. Para el video de ¿Por qué te vas?, quería que actuara alguien más. A mí no me late mucho aparecer en los videos. Así que el papel se lo dejé a Dharma Shayl, una chica que hizo un gran trabajo. No había nada muy planeado el día que rodamos, fue pura vibra y quedó increíble. 6.- ¿De qué hablan tus letras?Suelo hablar de las oscuridades que me acompañan desde que tengo uso de razón. En las letras hablo de adicciones (Fantasma Astral), desamores (Se murió), heridas existenciales (Hoy), amores imaginarios (Héroes) y hasta homenajes a la naturaleza en “Montañas de Magia”. Me gusta escribir al margen de la racionalidad, prefiero las letras que no hacen demasiado sentido. Me gusta pensar que lo mío es similar al “Pedro Páramo” de Juan Rulfo, una especie de realismo mágico habitado por obsesiones personales. 7.- ¿Cuáles son tus influencias musicales, líricas o intelectuales?Me alimento mucho de libros y pelis. Además de la música, obvio, creo que las letras siempre me inspiran. Me gusta mucho agarrar la bici y pedalear, porque ahí es cuando surgen casi todas las ideas tanto líricas como musicales para las rolas. El 80% de lo que publico viene de irme a Chapultepec o pedalear por la ciudad sin ningún rumbo fijo. 8.- ¿Cómo creas tus canciones? ¿Son pistas o a través de músicos invitados?Reviso todas las notas de voz que grabo en la calle. Luego agarro la acústica y busco acordes que armonicen. Grabo la estructura y eventualmente conecto tintes, bajo, pedales y guitarra para encontrar una identidad sonora en cada canción. No me interesa abordan un solo género con mi música. Escucho música muy diversa y a mi edad sería ridículo limitarme con etiquetas. Ya que las canciones están direccionadas, busco a Giancarlo para que grabe más sintes y a Seba Casanova (quien también mezcla) para las baterías. En “Montañas de Magia”, busqué a Jorge Aguilar (Technicolor Fabrics) para las baterías. Quería que fuera él porque fue la primera persona con quien hice una banda. Eventualmente habrá más invitados. 9.- ¿Quiénes consideras que serían artistas esenciales para entender mejor la música hecha en solitario?Hay mucho, pero principalmente mencionaría a Radiohead, David Bowie, Gustavo Cerati, The Cure, Beach House, Blonde Redhead, Portishead, Pink Floyd, Depeche Mode, Air, Massive Attack, Nirvana, Pixies, Prince, Beatles, Caifanes, Santa Sabina, La Barranca, King Crimson, NIN, Love And Rockets…

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La banda Amenra hace cover de la canción Roads, de Portishead

La banda de post metal de Bélgica AMENRA compartió una versión del clásico “Roads” de Portishead para el pasado Bandcamp Friday. Es una interpretación acústica, delicada y sobria, solo guitarra y voz. La banda forma parte del catálogo del sello Relapse Records desde 2020. En su momento así lo anunciaron: “queremos anunciar que a partir de ahora pasamos a formar parte de Relapse Records. El sello es un refugio para varios de nuestros amigos, y ahora también para nosotros. Estamos ansiosos de trabajar con este equipo y ver a donde nos lleva, el nuevo disco verá la luz a mediados de 2021″.

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La cantante de Cocteau Twins, Elizabeth Fraser, lanzará su primera música nueva en 13 años

La cantante de Cocteau Twins, Elizabeth Fraser (1963), lanzará su primera música nueva en 13 años en un EP Record Store Day (abril 2022) de Sun’s Signature, su proyecto de dúo con su socio Damon Reece. Vía El EP saldrá a través de Partisan y presenta 5 canciones de Fraser y Reese (baterista de Massive Attack, Spiritualized, Lupin Howl y otros) con 8,000 copias impresas en todo el mundo. Si bien el EP es nuevo, las canciones han estado dando vueltas por un tiempo. Sun’s Signature incluye “Underwater”, una canción que Fraser lanzó como un sencillo de edición extremadamente limitada (solo 300 copias impresas) en el año 2000. No se sabe aún si se trata de la misma versión, Slicing Up Eyeballs señala que otras pistas: “Golden Air ” y “Make Lovely the Day”, se presentaron en el raro set en solitario de Fraser en el Meltdown Festival de 2012. El sitio de Record Store Day UK llama a esto “Un EP de 5 pistas finalmente terminado”. Echa un vistazo a la obra de arte y la lista de canciones de Sun’s Signature, y escucha “Underwater” a continuación. Fuente: Brooklyn Vegan

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Escucha una playlist de blues del desierto, música de la región del Sahara en el norte y oeste de África

Tishomaren, conocido internacionalmente como blues del desierto, es un estilo de música de la región del Sahara en el norte y oeste de África. Los críticos describen la música como una fusión de blues y rock con música tuareg, maliense o norteafricana. El estilo ha sido iniciado por músicos tuareg en la región del Sahara, particularmente en Malí, Níger, Libia, Sahara Occidental, Argelia, Burkina Faso y otros. Tomó forma como una expresión de la cultura del pueblo tuareg tradicionalmente nómada, en medio de su difícil situación sociopolítica, incluyendo rebeliones, desplazamientos generalizados y exilio en el África poscolonial. La palabra Tishomaren se deriva de la palabra francesa chômeur, que significa “los desempleados”. El género fue iniciado y popularizado por primera vez fuera de África por Ali Farka Touré y más tarde por Tinariwen. En los últimos años, artistas como Mdou Moctar y Bombino han continuado adaptando la música rock sahariana y han alcanzado el éxito internacional. Ahora les dejamos 2 Playlists con lo mejor del desert blues del Sahara, Nigeria, Mali, Argelia y Mauritania.

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Laraaji, Alva Noto, Penelope Trappes exploran sonidos de la Tierra en el próximo disco: Stations

Una nueva compilación encargada por National Geographic y el Anchorage Museum de Alaska muestra a varios músicos reelaborando y remezclando sonidos grabados de la Tierra por un equipo de científicos. Afrodeutsche y Nathan Fake también han contribuido al nuevo lanzamiento, en el que los músicos reelaboran varios sonidos grabados de la tierra. Stations es la décima compilación de la serie Field Works, del sello de Brooklyn Temporary Residence Ltd.. El productor Stuart Hyatt trabajó con un equipo de científicos del experimento EarthScope para grabar los sonidos, utilizando dispositivos de grabación terrestres, que luego fueron manipulados y procesados. A partir de ahí, se invitó a varios músicos y vocalistas, incluidos Hanna Benn, Janie Cowan, Masayoshi Fujita y Laraaji, a reelaborar los sonidos en su propia visión. Alva Noto, Penelope Trappes, Afrodeutsche, Nathan Fake y Sophia Loizou, entre otros, también fueron invitados a agregar sus propios remixes al proyecto, que vendrá con un libro llamado Stations Listening To The Deep Earth. Escucha ya ‘Station 5’. •

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Andy Warhol y su ecléctica relación con la música

Hoy se cumplen 35 años de que Andy Warhol dejará este mundo. Sin duda Warhol fue uno de los artistas que mejor supo manejar las turbias barreras entre el arte y el dinero convirtiendo incluso dicho manejo en su propia filosofía. En el terreno musical es conocida su admiración por estrellas del pop quienes fueron inspiraciones a lo largo de su trayectoria. En 1962, el artista trabajó una técnica semi-mecánica que nombró silk-screened que se convertiría en uno de sus más famosos estilos y que sirvió para dejar una huella visual inigualable en el imaginario colectivo. Se dice que Warhol ((Pittsburgh; 6 de agosto de 1928-Nueva York; 22 de febrero de 1987), rayaba en la obsesión hacia figuras sobresalientes cuyas imágenes se convirtieron en íconos de la cultura mediática del siglo XX. Es por ello que sus retratos a estrellas como Elvis, Michael Jackson, Liza Minnelli entre muchos otros cantantes son vastamente conocidos Sin embargo, Warhol fue un ecléctico no sólo en sus prácticas como artista. Su multifacética obra recorre la plástica, el cine, la fotografía, el dibujo y el diseño gráfico entre otras tantas disciplinas; este eclecticismo fue aplicado por Warhol de igual manera en sus relaciones musicales. Si bien el trabajo de Warhol en la portada Sticky fingers de los Rolling Stones, la canción que lleva su nombreen el disco Hunky Dory de Bowie o su legendaria relación con Lou Reed o Mick Jagger suelen ser muy populares, a continuación te presentamos algunos otros vínculos de este artista con el mundo de la música Warhol y Carlos ChávezAdemás de icónicas portadas del mundo del rock, la etapa temprana de Warhol como diseñador e ilustrador de portadas de discos se remonta hacia finales de los años cuarenta del siglo XX y su primer acercamiento a la ciudad de Nueva York. Se dice que fue gracias a su compañero de clase George Klauber, que Warhol obtuvo sus primeros encargos para portadas de discos en la compañía Columbia y posteriormente en la RCA. De esta manera, el primer diseño encargado a Warhol fue A Program of Mexican Music (1949) de la orquesta dirigida por Carlos Chávez. El artista se inspiró en el Códice Florentino que habla de los pueblos del Centro de México el cual pudo consultar en un catálogo del Museo de Arte Moderno de nuestro país. La portada tuvo una versión en azul y una en verde y se dice que Warhol tenía 21 años al realizar esta entrega. Warhol y el JazzContinuando con la línea de portadas por encargo, Warhol comenzó a realizar carátulas para numerosos jazzistas, tal es el caso de Count Basie , Telonius Monk , Kenny Burrell , Jay Jay Johnson, Kai Winding, Benny Green entre muchos otros. F. Javier Panera, comisariado en la exposición All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (MUSAC- 2016) ha señalado que la portada para Johnny Griffin Quartet, The Congregation (1954), pudo ser una de las primeras inspiraciones para la serie Flowers de Warhol. Warhol y la música clásica Warhol también realizó durante sus primeros años portadas para LP’s de música clásica, siendo así ilustrador para orquestas como la de Filadelfia , Chicago o Indianápolis. No obstante, una de las ideas provenientes de este mundo que más impactó a Warhol fue el concepto acuñado por el compositor Richard Wagner: Gesamtkunstwerk . Este término consistía en la integración de música, danza, poesía, pintura, escultura y arquitectura en una misma pieza. A partir de ello, se dice que Warhol realizó numerosos eventos en The Factory en donde podían apreciarse piezas de imagen en movimiento, poesía y música. Seguramente uno de los resultados de dichos experimentos fueron los happenings multimedia que Warhol tituló Exploding Plastic Inevitlable con la presencia de Nico y The Velvet Underground. Warhol y Cage John Cage fue un músico estadounidense que sin duda ha influenciado a la generación artística de la segunda mitad del siglo XX a nivel global. Sus ideas impulsaron a grupos como Fluxus y, por supuesto, se convirtieron en médula para la vanguardia del pop art. Conceptos acuñados por Cage en la música como apropiación, seriación, repetición fueron transportados a la filosofía warholiana a través del uso de sus técnicas plásticas como la serigrafía y la litografía. Sin duda la visión de Warhol resulta en una de las más vanguardistas aún en nuestra generación. Uno de sus aciertos fue nunca perder la intención de conocer nuevos horizontes, en palabras de William Cashion, bajista del grupo Future Island “Warhol mantuvo siempre el dedo en el renglón en cuanto a la importancia de la música underground y su apoyo a artistas desafiantes y entonces desconocidos”.

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Una introducción en 30 minutos al jazz de Japón

“Jazz y Japón no deberían mezclarse”, dice All-Japan: The Catalog of Everything Japanese. “Después de todo, la esencia del jazz radica en la improvisación, un concepto ausente en gran medida tanto de la música tradicional japonesa como de la sociedad japonesa en su conjunto. El jazz japonés se remonta a la década de 1920, cuando se inspiró en las bandas filipinas visitantes que habían recogido la música de sus ocupantes estadounidenses. En el siglo transcurrido desde entonces, los músicos japoneses devotos (y sus oyentes japoneses aún más devotos) han desarrollado una de las las culturas de jazz más sólida del mundo. Escucha la mezcla de jazz japonés de los años 70 en vinilo de arriba. Girado por el DJ turco Zag Erlat en su canal de Youtube My Analog Journal, presenta a músicos que nos dan pistas para seguir explorando sobre el jazz que se ha creado en el país del sol naciente, como es el trombonista Hiroshi Suzuki, el saxofonista Mabumi Yamaguchi y el guitarrista Kiyoshi Sugimoto. Gracias a Youtube, el jazz japonés debe gran parte de su reconocimiento moderno al algoritmo. Como resultado, los álbumes de jazz japoneses se han convertido en un producto más popular de lo que solían ser.

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Conoce cómo el movimiento Riot Grrrl creó una revolución en el rock y punk

El movimiento Riot Grrrl es una de las más importantes revoluciones del rock y el punk, y no solo por su política feminista y anticapitalista. Como describe Polyphonic en su breve video sobre la historia de la música, Riot Grrrl fue una de las últimas veces que sucedió algo importante en la música rock antes de internet. Y es especialmente emocionante porque todo comenzó con fanzines. Tobi Vail y Kathleen Hanna, que ya producían sus propias revistas feministas, unieron fuerzas para lanzar “Bikini Kill“, una recopilación de letras, ensayos, confesiones, citas apropiadas y complementos para la otra revista de Vail, “Jigsaw “, y la sensación de que algo estaba pasando. Algo estaba cambiando en la cultura del rock. Kim Deal de Pixies y Kim Gordon de Sonic Youth, o Poly Styrene de X-Ray Spex y Yoko Ono. Otra revista, “Girl Germs”, fue creada por Allison Wolfe y Molly Neuman. Bikini Kill the zine dio lugar a la banda Bikini Kill en 1990 y su canción “Rebel Girl” se convirtió en el himno de un nuevo movimiento de rock feminista centrado principalmente en el noroeste del Pacífico, casi al mismo tiempo que sucedía el movimiento grunge. El manifiesto generó un movimiento, incluso trayendo consigo bandas que habían existido anteriormente, como L7. Riot Grrrl se propuso elevar las voces y la música de las mujeres, sin capitular ante los estándares masculinos y regresar al bricolaje y la energía colectiva de la escena punk temprana. También sacó la teoría feminista de las Universidades y la llevó al escenario, y con ella la teoría queer y el diálogo sobre el trauma, la violación y el abuso. Recomendamos leer un fanzine de la época, o escuche las letras de las bandas de Riot Grrrl y escucharás el discurso y reconocerás las mismas tácticas que hoy. De alguna manera se siente aún más radical que ahora: revistas y fotocopias podrían afectar a toda una escena y no ser atomizadas por las redes sociales. Riot Grrrl es un movimiento feminista estadounidense nacido en los primeros años de la década de 1990 principalmente en el estado de Washington y más en la ciudad de Olympia, en el estado de Washington.​ Durante estos años se observó a una fuerte eclosión cultural cuya finalidad era “cambiarlo todo”. En este contexto, muchas mujeres se unieron y dieron pie a la emergencia de este movimiento gracias a la compleja red de intercambio existente en el mundo underground. Es decir, generaron un sentimiento de comunidad fuertemente vinculado al mundo de la cultura gracias a la filosofía del DIY (Do It Yourself; Hazlo tú mismo), exposiciones de arte, fanzines, activismo y militancia política. Con información de Open Culture

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