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Andy Warhol y su ecléctica relación con la música

Hoy se cumplen 35 años de que Andy Warhol dejará este mundo. Sin duda Warhol fue uno de los artistas que mejor supo manejar las turbias barreras entre el arte y el dinero convirtiendo incluso dicho manejo en su propia filosofía. En el terreno musical es conocida su admiración por estrellas del pop quienes fueron inspiraciones a lo largo de su trayectoria. En 1962, el artista trabajó una técnica semi-mecánica que nombró silk-screened que se convertiría en uno de sus más famosos estilos y que sirvió para dejar una huella visual inigualable en el imaginario colectivo. Se dice que Warhol ((Pittsburgh; 6 de agosto de 1928-Nueva York; 22 de febrero de 1987), rayaba en la obsesión hacia figuras sobresalientes cuyas imágenes se convirtieron en íconos de la cultura mediática del siglo XX. Es por ello que sus retratos a estrellas como Elvis, Michael Jackson, Liza Minnelli entre muchos otros cantantes son vastamente conocidos Sin embargo, Warhol fue un ecléctico no sólo en sus prácticas como artista. Su multifacética obra recorre la plástica, el cine, la fotografía, el dibujo y el diseño gráfico entre otras tantas disciplinas; este eclecticismo fue aplicado por Warhol de igual manera en sus relaciones musicales. Si bien el trabajo de Warhol en la portada Sticky fingers de los Rolling Stones, la canción que lleva su nombreen el disco Hunky Dory de Bowie o su legendaria relación con Lou Reed o Mick Jagger suelen ser muy populares, a continuación te presentamos algunos otros vínculos de este artista con el mundo de la música Warhol y Carlos ChávezAdemás de icónicas portadas del mundo del rock, la etapa temprana de Warhol como diseñador e ilustrador de portadas de discos se remonta hacia finales de los años cuarenta del siglo XX y su primer acercamiento a la ciudad de Nueva York. Se dice que fue gracias a su compañero de clase George Klauber, que Warhol obtuvo sus primeros encargos para portadas de discos en la compañía Columbia y posteriormente en la RCA. De esta manera, el primer diseño encargado a Warhol fue A Program of Mexican Music (1949) de la orquesta dirigida por Carlos Chávez. El artista se inspiró en el Códice Florentino que habla de los pueblos del Centro de México el cual pudo consultar en un catálogo del Museo de Arte Moderno de nuestro país. La portada tuvo una versión en azul y una en verde y se dice que Warhol tenía 21 años al realizar esta entrega. Warhol y el JazzContinuando con la línea de portadas por encargo, Warhol comenzó a realizar carátulas para numerosos jazzistas, tal es el caso de Count Basie , Telonius Monk , Kenny Burrell , Jay Jay Johnson, Kai Winding, Benny Green entre muchos otros. F. Javier Panera, comisariado en la exposición All Yesterday’s Parties. Andy Warhol, Música y vinilos (MUSAC- 2016) ha señalado que la portada para Johnny Griffin Quartet, The Congregation (1954), pudo ser una de las primeras inspiraciones para la serie Flowers de Warhol. Warhol y la música clásica Warhol también realizó durante sus primeros años portadas para LP’s de música clásica, siendo así ilustrador para orquestas como la de Filadelfia , Chicago o Indianápolis. No obstante, una de las ideas provenientes de este mundo que más impactó a Warhol fue el concepto acuñado por el compositor Richard Wagner: Gesamtkunstwerk . Este término consistía en la integración de música, danza, poesía, pintura, escultura y arquitectura en una misma pieza. A partir de ello, se dice que Warhol realizó numerosos eventos en The Factory en donde podían apreciarse piezas de imagen en movimiento, poesía y música. Seguramente uno de los resultados de dichos experimentos fueron los happenings multimedia que Warhol tituló Exploding Plastic Inevitlable con la presencia de Nico y The Velvet Underground. Warhol y Cage John Cage fue un músico estadounidense que sin duda ha influenciado a la generación artística de la segunda mitad del siglo XX a nivel global. Sus ideas impulsaron a grupos como Fluxus y, por supuesto, se convirtieron en médula para la vanguardia del pop art. Conceptos acuñados por Cage en la música como apropiación, seriación, repetición fueron transportados a la filosofía warholiana a través del uso de sus técnicas plásticas como la serigrafía y la litografía. Sin duda la visión de Warhol resulta en una de las más vanguardistas aún en nuestra generación. Uno de sus aciertos fue nunca perder la intención de conocer nuevos horizontes, en palabras de William Cashion, bajista del grupo Future Island “Warhol mantuvo siempre el dedo en el renglón en cuanto a la importancia de la música underground y su apoyo a artistas desafiantes y entonces desconocidos”.

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Una introducción en 30 minutos al jazz de Japón

“Jazz y Japón no deberían mezclarse”, dice All-Japan: The Catalog of Everything Japanese. “Después de todo, la esencia del jazz radica en la improvisación, un concepto ausente en gran medida tanto de la música tradicional japonesa como de la sociedad japonesa en su conjunto. El jazz japonés se remonta a la década de 1920, cuando se inspiró en las bandas filipinas visitantes que habían recogido la música de sus ocupantes estadounidenses. En el siglo transcurrido desde entonces, los músicos japoneses devotos (y sus oyentes japoneses aún más devotos) han desarrollado una de las las culturas de jazz más sólida del mundo. Escucha la mezcla de jazz japonés de los años 70 en vinilo de arriba. Girado por el DJ turco Zag Erlat en su canal de Youtube My Analog Journal, presenta a músicos que nos dan pistas para seguir explorando sobre el jazz que se ha creado en el país del sol naciente, como es el trombonista Hiroshi Suzuki, el saxofonista Mabumi Yamaguchi y el guitarrista Kiyoshi Sugimoto. Gracias a Youtube, el jazz japonés debe gran parte de su reconocimiento moderno al algoritmo. Como resultado, los álbumes de jazz japoneses se han convertido en un producto más popular de lo que solían ser.

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Conoce cómo el movimiento Riot Grrrl creó una revolución en el rock y punk

El movimiento Riot Grrrl es una de las más importantes revoluciones del rock y el punk, y no solo por su política feminista y anticapitalista. Como describe Polyphonic en su breve video sobre la historia de la música, Riot Grrrl fue una de las últimas veces que sucedió algo importante en la música rock antes de internet. Y es especialmente emocionante porque todo comenzó con fanzines. Tobi Vail y Kathleen Hanna, que ya producían sus propias revistas feministas, unieron fuerzas para lanzar “Bikini Kill“, una recopilación de letras, ensayos, confesiones, citas apropiadas y complementos para la otra revista de Vail, “Jigsaw “, y la sensación de que algo estaba pasando. Algo estaba cambiando en la cultura del rock. Kim Deal de Pixies y Kim Gordon de Sonic Youth, o Poly Styrene de X-Ray Spex y Yoko Ono. Otra revista, “Girl Germs”, fue creada por Allison Wolfe y Molly Neuman. Bikini Kill the zine dio lugar a la banda Bikini Kill en 1990 y su canción “Rebel Girl” se convirtió en el himno de un nuevo movimiento de rock feminista centrado principalmente en el noroeste del Pacífico, casi al mismo tiempo que sucedía el movimiento grunge. El manifiesto generó un movimiento, incluso trayendo consigo bandas que habían existido anteriormente, como L7. Riot Grrrl se propuso elevar las voces y la música de las mujeres, sin capitular ante los estándares masculinos y regresar al bricolaje y la energía colectiva de la escena punk temprana. También sacó la teoría feminista de las Universidades y la llevó al escenario, y con ella la teoría queer y el diálogo sobre el trauma, la violación y el abuso. Recomendamos leer un fanzine de la época, o escuche las letras de las bandas de Riot Grrrl y escucharás el discurso y reconocerás las mismas tácticas que hoy. De alguna manera se siente aún más radical que ahora: revistas y fotocopias podrían afectar a toda una escena y no ser atomizadas por las redes sociales. Riot Grrrl es un movimiento feminista estadounidense nacido en los primeros años de la década de 1990 principalmente en el estado de Washington y más en la ciudad de Olympia, en el estado de Washington.​ Durante estos años se observó a una fuerte eclosión cultural cuya finalidad era “cambiarlo todo”. En este contexto, muchas mujeres se unieron y dieron pie a la emergencia de este movimiento gracias a la compleja red de intercambio existente en el mundo underground. Es decir, generaron un sentimiento de comunidad fuertemente vinculado al mundo de la cultura gracias a la filosofía del DIY (Do It Yourself; Hazlo tú mismo), exposiciones de arte, fanzines, activismo y militancia política. Con información de Open Culture

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Eddie Vedder lanza su primer disco en solitario en 10 años

Imaginar al Eddie Vedder de los años 90 colaborando con Elton John sonaba improbable. Pero ahí están, Elton y su piano, amable, melódico, en la canción “Picture” ejemplifica el espíritu del primer álbum en solitario sin banda sonora del líder de Pearl Jam desde 2011: un conjunto de rockeros mezclando pop; y eso está bien, no sólo hay que vivir de glorias pasadas o repetir patrones. En esta ocasión también invitó Stevie Wonder y Ringo Starr, en un disco planeado al inicio de la pandemia. Vedder permite que estos amigos superestrellas adornen las pistas en lugar de intimidarlos. Eddie Veder, devoto de Neil Young y Pete Townshend, no revela ni una pizca de lesa majestad. La banda que acompaña el disco son: el baterista de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, el exguitarrista de Chili Pepper, Josh Klinghoffer, y el coproductor Andrew Watt en el bajo. Vedder ha aceptado con dignidad su posición como una quinta parte de lo que alguna vez fue, brevemente, una de las bandas más grandes. Él es más ligero; canta con un salto en su paso. Después de varios álbumes de Pearl Jam de material machacado en salsa de carne, las delicias más aireadas de la carrera final de Earthling permitieron que Vedder se estirara hacia otro lados con cautela. Ahora Ringo ofrece el habitual trabajo de percusión superconstante en “Mrs. Mills”, una oda a la pianista británica Gladys Mills y una elegía al propio padre músico de Vedder, con su trompeta muestreada brillando como un recuerdo del Swinging London. “Try” cuenta con la armónica de Stevie Wonder, sus skirls un par de estribos que impulsan el trabajo rítmico de Vedder y Klinghoffer. “¡Los buenos hombres no tienen que fingir!” Vedder grita. Con información de: Pitchfork

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20 años del lanzamiento del disco seminal Martes, del productor Murcof

Esta semana se celebran hace 20 años de que salió el primer álbum del productor Murcof, bajo el entonces recién fundado sello tijuanense, Static discos. Un disco introspectivo, experimental, profundo y minimalista de la electrónica mexicana. Murcof nació de un proyecto paralelo que había venido trabajando como Terrestre bajo la estética Nortec. Posteriormente a Marte, Murcof en cada lanzamiento trata de introducir nuevos elementos, en diseño de sonido o usando estructuras nuevas, con la inspiración y tecnología que tenga a la mano. Para el disco Martes, Murcof trabajaba todo en digital con algunas grabaciones de instrumentos acústicos y muchos muestreos de música de Arvo Part, Morton Feldman, Giya Kancheli, etc, pequeños fragmentos que después procesaba para construir melodías nuevas. El productor Murcof, proveniente de Tijuana, México, poco tiempo después de lanzado el disco de Martes decidió mudarse a Barcelona a y desde entonces vive ahí ya con hijos, entre Barcelona y Girona. + Desde 1988 formó parte de diferentes agrupaciones de géneros como la electrónica, rock y jazz. Fue miembro fundador del Colectivo Nortec de músicos de Baja California. A partir de 2001 usa el alias de Murcof para sus composiciones de música electrónica minimalista, basadas en percusiones electrónicas abstractas. Sus influencias armónicas y melódicas provienen de la música clásica, del ambient, de la música étnica y la improvisación. Toda esta mezcla de ritmos e influencias derivan en un ambient perfecto que frecuentemente se acompaña de minimal techno y bordeando los horizontes del IDM.

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Moderat da primeros detalles sobre su próximo disco MORE D4TA, el primero en 6 años

Moderat, el proyecto colaborativo de música electrónico entre Modeselektor y Apparat, formado en Alemania durante el año 2022, ha compartido detalles y un adelanto de su primer álbum en 6 años. Abarcando 10 pistas, MORE D4TA sigue a discol “III”, de 2016, y presenta el primer material nuevo que surge del trío desde que hicieron una pausa en 2017. Trabajaron en el disco durante el transcurso del encierro, y se dice que el álbum toca temas como información de sobrecarga y aislamiento. Ya podemos escuchar el primer adelanto con la canción ‘FAST LAND’. El anuncio del álbum se produce tras la confirmación del regreso a las giras en directo del trío, con apariciones en festivales como Sónar (España) y Rock Werchter (Bélprogramadas para el verano, junto con una gira por Europa y América del Norte a finales de año. El sello Monkeytown lanzará el disco MORE D4TA el próximo 13 de mayo de 2022. Álbumes de estudioModerat (BPitch Control, 2009)II (Monkeytown Records, 2013)III (Monkeytown Records, 2016)MORE D4TA (Monkeytown Records, 2022)

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Thurston Moore relanzará su disco Screen Time a través de Southern Lord

Thurston Moore lanzó el álbum instrumental Screen Time el año pasado como una exclusiva de Bandcamp Friday, y ahora tendrá un lanzamiento el 25 de febrero a través de Southern Lord (en vinilo). Thurston grabó el álbum durante el tumultuoso verano de 2020. Esto es de los materiales de prensa del sello. Da clic sobre la imagen para escuchar el disco: El comunicado oficial de prensa habla sobre los significados y los planteos que rodean a este disco: “¿Cuánto tiempo en pantalla permite un padre a su hijo? ¿Cuánto tiempo en pantalla necesita un niño para darse cuenta que el mundo tiene el propósito de que coexistamos como una comunidad en un intercambio compartido?”. La imagen de portada de Screen Time es de un joven acurrucado en un libro, las páginas vibran con el texto que irradia a través de la piel, la sangre y los huesos, un aspecto que falta por completo en los medios digitales, aunque la realidad de la transparencia en nuestra vida diaria a través de la transmisión, etc… Sólo puede conducir a la conciencia de la equidad. Screen Time es un reflejo del tiempo de los sueños, un estado de meditación, hipnagogia y conversación de almohada”. En general, el disco grabado durante el encierro de la primera etapa de la pandemia en 2020, reflexiona sobre el vínculo de los humanos con las pantallas. El advenimiento de la pandemia y el encierro sumieron a los seres humanos en una relación íntima con los dispositivos. “El disco se puede acompañar para momentos de lectura, de meditación y más, reconectando con la humanidad y alejándonos de la lógica de la tecnología aunque sea por un momento”, como señala el medio Indie Hoy.

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Entrevista al Director de cine Hari Sama, creador del grupo dark wave, Noble Savage

ENTREVISTA HECHA PARA DEPÓSITO SONORO POR: ALONSO DE LEO SALAS Entrevistamos a Hari Sama, director de películas como Esto no es Berlín, El sueño de Lu, Despertar el polvo entre otras. Hari Sama, ya un consolidado director de cine independiente y comercial en México, habló con Depósito Sonoro sobre su proyecto musical Noble Savage, de sus motivaciones e inspiraciones musicales personales, así como tu de más reciente sencillo “Wild Pain” quien logró situarse en un compilado “Anode” del mítico medio obscuro alemán “Electrozombies”. Alonso (Depósito Sonoro): Primero que nada, Hari, muchas gracias por tomarnos esta entrevista, que seguro será de interés para nuestros lectores. Hari: Poca madre, gracias a ustedes.Alonso: Para la gente que te conoce sabe que eres un director de cine muy humanista y con cierta demanda en el mundo comercial. Sin embargo, nos interesa saber sobre tu proyecto musical, cuéntanos cómo empezó esta inquietud en ti y cuales fueron tus motivaciones para pensar en hacer música. Hari: Mira, pues la verdad la música siempre ha sido una parte fundamental de mi vida. Para los que han tendido la oportunidad de ver mi película Esto no es Berlín, habla bastante de la manera en que yo crecí. Si bien yo nací en la ciudad de México, en mi adolescencia mis padres decidieron mudar se al Estado de México, yo crecí ahí en una época en que la banda estaba muy aguerrida, había muchas pandillas muy grandes, y rápidamente me vi influenciado por el rock pesado que comenzaba llegar a estos lugares, ya sabes, Judas Priest, AC/DC, Iron Maiden. Y, bueno, yo empecé en la música, cómo lo pueden ver en la película por influencia de un tío, él me presentó toda la oleada psicodélica de la época a la que a él le tocó, me volví cómo un hippie fuera de tiempo, con mil problemas en la escuela porque iba descalzo, ya sabes. Pero cuando conocí a la banda con la que realmente me ayudo a abrir los ojos con lo que estaba sucediendo en Under en ese momento en el mundo, ¿no? Y pude descubrir a bandas como Bauhaus y Sisters of Mercy, los primeros discos de The Cure, y todo ese mundo, pues me voló el cerebro y me trasformó. Yo siempre quise ser cineasta, pero la verdad yo empecé en la música a finales de 80´s principios de los 90´s; viví de primera mano el nacimiento del rock en español, me tocó tocar en Rockotitlán, me tocó ser manejado por aquel entonces unos de los 3 mejores productores del momento, el famoso Jaime Pavón “el oso”, que manejaba a Caifanes, a Fobia, Los Enemigos del Silencio ya nosotros, que junto con Fobia éramos los chiquitos, y que desafortunadamente gracias a nuestros excesos y nuestra locura no terminados por grabar un disco, ni nada, dejé la música, estuve en rehabilitación, decidí tomar cursos de música de concierto contemporánea, me di cuenta que eso no era lo mío, y justo de dio entrar a una escuela de cine y dejé la música años, sin bien hice música en mis primeras producciones, me deshice de mis sintes la neta, y hace 10 años regresé, resucitamos aquel proyecto de los sños 90 que se llamaba “La muerte de Uridis”, invitamos a participar a Patricio Iglesias (Santa Sabina) en la batería, grabamos un par de Lp’s y Ep´s, y ése fue el regreso, decidí nunca más dejar la música. Noble Savage es el proyecto más nuevo que tengo, y tuvo que ver con Esto no es Berlín por el mundo, y me di cuenta de la fascinación que hay en las nuevas generaciones de esta corriente artística obscura, cosa que nos había pasado a nosotros. Entonces me di cuenta que era momento de retomarla. Noble Savage nace en Los Ángeles, con esta necesidad de retomar todas nuestras vivencias en los tiempos pasados y también con la intención de pertenecer a esta nueva oleadadel género hoy en día. “Para ese entonces, en mi estadía en Los Ángeles, me reuní con la sombra Noble Savage, yo simplemente soy el interlocutor”- Hari Sama “Hay una necesidad de buscar la magia en este proyecto, la relación del placer y el dolor, el cuerpo, cosas de ese tipo”. H.S Alonso: Haber pertenecido a esta generación de Caifanes, Santa Sabina, escuchar la oleada dark europea, seguro fue muy gratificante.Hari: Claro, y pensar que hoy en día siguen siendo headliners en los festivales cuando nosotros tocábamos con ellos, si, la verdad en esos tiempos quizá no había ese boom comercial dark como hoy, en verdad es impresionante la cantidad de bandas que hay en este momento y ver que es un gran movimiento, de hecho el 26 de febrero vamos estar tocando en un show que pertenece s a una serie defestivales que se llama “Serie sobre Ruedas” , va ser puro Underground, le abriremos a una de las bandas más importantes de post punk mexicanas, Leonora post punk y varias bandas del género muy interesantes. Alonso: Cuéntanos un poco de las motivaciones que hacen nacer tus letras, de donde te inspiras y sientes esta necesidad de expresarlas.Hari: Todo tiene mucho que ver cuando me mudo a Los Ángeles y me reencuentro con la sombra, Noble Savage. Surge esta necesidad justo de comunicar nuestras vivencias y las cosas que “hemos aprendido” a lo largo de este tiempo. “Tenemos” esta necesidad de expresar como fue “nuestra sensación” de inocuidad en la vida, como fue esta sensación de ser outsiders, de sentir permanentemente no pertenecer a un grupo social a los cuales nos tocó estar. Y todo esto es un motivo para hacer las letras, ¿cómo transformas estas vivencias en actos creativos? Al final Noble Savage nace de estas sensaciones, pero ya con varios años después, en la edad madura. Ahora a Noble Savage le interesa hacer rolas bailables, que suenen en un antro y pongan a la gente a bailar. “Noble Savage nace de la unión del dolor de estar convirtiéndote en una persona que tiene una

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