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Tortoise regresa con Touch (2025): un nuevo capítulo

Después de 9 años sin lanzar un álbum de estudio, los pioneros del post-rock Tortoise han vuelto con Touch, un disco que marca no solo su retorno, sino también una profunda reinvención sonora. El álbum estará disponible el 24 de octubre de 2025 en LP, CD y descarga digital, y llegará a las plataformas de streaming el 11 de noviembre, vía International Anthem y Nonesuch Records. Reconectar desde la distancia La creación de Touch fue un ejercicio colectivo y al mismo tiempo disperso: los miembros de Tortoise —Dan Bitney, John Herndon, Douglas McCombs, John McEntire y Jeff Parker— grabaron en tres ciudades distintas (Chicago, Los Ángeles y Portland), lo que refleja un proceso más fragmentado que en sus días de loft compartido. nonesuch.com+2intlanthem.com+2Aun así, su método de composición sigue siendo “colectivista”, con ideas que se cruzan, se completan y desafían a sí mismas, priorizando el impulso creativo por encima del ego. mxdwn Music Un sonido más grande y atrevido Touch exhibe algunos de los rasgos más ambiciosos de Tortoise hasta la fecha. En lugar de quedarse solo en la atmósfera jazz-ambient, el álbum incorpora: Al mismo tiempo, hay escenas más íntimas: vibra minimalista, sintetizadores etéreos y momentos casi hipnóticos que recuerdan su sonido de siempre, pero matizado por la madurez del paso del tiempo. Cambios de sello y horizonte Este es el primer álbum de Tortoise con el sello International Anthem, en sociedad con Nonesuch Records. intlanthem.com Este cambio no es solo institucional: también refleja una etapa nueva para la banda, con ambición expandida, mayor escala compositiva y ganas de dejar huella en un panorama musical cada vez más abierto a la experimentación. nonesuch.com Mirando hacia el futuro Para celebrar Touch, Tortoise ha anunciado una serie de conciertos especiales en 2025–2026, incluyendo una presentación con la Filarmónica de Chicago, y una gira por Estados Unidos y Europa. Tortoise – Reflexión Touch no es solo el regreso de Tortoise, sino su declaración de existencia renovada: un puente entre su pasado innovador y una visión más amplia y arriesgada. Es música creada para pensarse, sentirse y redescubrirse como un puzzle que no busca resolverse por completo, sino disfrutarse en su complejidad.

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Kotanna: el vuelo interior de la cinta — “Pájaro Doble” y la alquimia del sonido analógico

Desde Cholula, una de las ciudades más antiguas y místicas de México, surge un nuevo vuelo en el mapa del ambient latinoamericano. Kotanna, productor y artesano del sonido, presenta Pájaro Doble, su nuevo álbum disponible el 24 de octubre a través de Tesorito, el sello del productor colombiano Ezmeralda, con una edición en casete lanzada por su propio sello, Cintas Oblicuas. El disco, compuesto por siete piezas hipnóticas, es una exploración entre la calma y el vértigo, entre el zumbido del magnetismo y la ternura que habita en cada loop de cinta. Pájaro Doble es un manifiesto de dualidad: lo íntimo y lo expansivo, lo análogo y lo etéreo, el caos y la armonía. Dos alas que se mueven en sincronía para mantener el vuelo. Un paisaje tejido en cinta Kotanna pertenece a una generación de productorxs que han encontrado en el formato físico —y en particular, la cinta— una forma de resistencia y afecto. Su aproximación al ambient no busca el escapismo, sino la cercanía. En su música, los errores del magnetismo, el hiss y las texturas lo-fi se convierten en materia viva, en respiración. En Pájaro Doble, esas huellas del proceso son parte del relato. Cada pieza se despliega como un microcosmos que invita a habitar el tiempo de otra forma: circular, viscosa, contemplativa. “Camino a Cholula” funciona como una evocación a su ciudad natal, entre drones que parecen ecos de una memoria familiar. “Jara”, colaboración con Clari Flip y Paloma Duque, convierte la cinta en jardín: una mezcla de kora, grabaciones de campo y voz humana que florece en lo invisible. Mientras tanto, “Tempus Ludems” reinterpreta el caos de la Ciudad de México como un collage psicodélico y visceral, una nueva Tenochtitlán reimaginada en frecuencias bajas. El tiempo derretido en sonido Con un master a cargo de Ike Zwanikken (Hysterical Love Project), Pájaro Doble refina el universo de Kotanna hacia una luminosidad permanente. Es música que no pretende capturar el instante, sino expandirlo. Una escucha que se siente como ver el polvo suspendido en la luz, o como perder la noción del tiempo mientras el carrete sigue girando. La ternura como gesto sonoro En un contexto donde la música electrónica latinoamericana se ha abierto a la exploración del ruido y el ritmo, Kotanna apuesta por algo más frágil y esencial: la ternura. Su trabajo no busca la perfección técnica sino la verdad del proceso. En ese sentido, Pájaro Doble es también una declaración estética: hacer música como quien cultiva una planta o repara una radio antigua —con paciencia, con afecto, con memoria. Kotanna no solo compone: documenta la quietud.Y en ese registro, Pájaro Doble vuela con una sinceridad que pocos se atreven a sostener. 🎧 Escucha Pájaro Doble en Bandcamp📼 Disponible en digital y en casete vía Tesorito y Cintas Oblicuas a partir del 24 de octubre.

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Entrevista con Javiera Mena: una inmersión emocional hacia la vulnerabilidad sonora

En un punto donde la madurez artística y la introspección se cruzan, Javiera Mena nos cuenta en entrevista sobre Inmersión, su sexto álbum de estudio y quizás el más personal hasta la fecha.La artista chilena, referente del pop electrónico latinoamericano, decide ahora mirar hacia adentro: dejar que la emoción, la calma y la transparencia sustituyan la energía sintética de sus anteriores producciones. En este nuevo viaje, Javiera se aleja del pulso nocturno y bailable que marcó discos como Otra Era o Espejo, y se adentra en un territorio más orgánico y contemplativo.Las canciones de Inmersión respiran con naturalidad: hay balada, soul, bossa nova y arreglos de cuerda que dialogan con una sensibilidad de los años 70, todo sostenido por melodías suaves que irradian serenidad. El álbum está compuesto por 10 temas, entre ellos los sencillos “Volver a llorar”, “Entropía” y “Mar de Coral”, este último con la colaboración de Santiago Motorizado, líder de Él Mató a un Policía Motorizado.“Mar de Coral” es una de las joyas del disco: una reflexión sobre la distancia emocional y el amor que persiste incluso en la separación.Como los polos opuestos, la canción plantea la aceptación de lo irreconciliable con una ternura melancólica que se siente honesta y humana. Musicalmente, Inmersión fue coescrito junto a LUICHI, integrante de la banda española Cupido, y coproducido por Isidro Acedo, Pablo Stipicic y la propia Mena.

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Hipnosis 2025: El ritual se expande a 2 días

Por: Editorial Del 1 al 2 de noviembre de 2025, el Festival Hipnosis regresa con fuerza al Estadio Fray Nano en la Ciudad de México. Lo que fue un festival de día único dedicado a la psicodelia, el post-punk y los sonidos oscuros emergentes ahora escala: este año Hipnosis se realiza durante dos días completos, convirtiéndose en una cita obligada para quienes buscan sonidos más allá del mainstream. Line-up destacado: leyendas, nostalgia y descubrimientos El cartel de Hipnosis 2025 mezcla lo icónico con lo contemporáneo, lo nostálgico con lo arriesgado. Algunos de los actos más llamativos: Esta combinación refuerza dos cosas: la voluntad del festival de traer actos que marcaron época y al mismo tiempo abrir espacio para lo nuevo, lo emergente, lo que redefine el sonido alternativo hoy. Historia y evolución de Hipnosis Desde su fundación en 2017, Hipnosis ha sido un espacio para experimentar con géneros como el rock alternativo, la psicodelia, el garage, música experimental y sonidos fronterizos. El festival ha cambiado de localizaciones varias veces: ha sido en Deportivo Lomas Altas, en Las Caballerizas (Huixquilucan), Quarry Studios, Parque Bicentenario y Parque Cuitláhuac. Fray Nano se convierte en la sede que alberga este año y también la edición pasada, marcando un cierto punto de estabilidad institucional y espacio para crecer. A medida que el festival ha crecido, también lo ha hecho su oferta: ya no solo es música, sino experiencia inmersiva. Están previstas instalaciones artísticas, visuales, zona de merch, proyecciones, perhaps ambientaciones especiales, y espacios de convivencia que trascienden lo musical. Detalles prácticos: boletos, precios y logística Reflexión: por qué esta edición podría ser un parteaguas Hipnosis 2025 apunta a consolidar su identidad como uno de los festivales más influyentes de la escena alternativa mexicana. Con la expansión a dos días y un cartel que reúne tanto nostalgia como innovación, el evento apuesta por una inmersión total: atmósfera, diseño escénico, experiencias visuales y música de alta intensidad. Que Austin TV toque Indra completo solo una vez, que Pavement llegue por primera vez, o que Molchat Doma, Deafheaven o Japanese Breakfast formen parte del roster, demuestra que la curaduría no busca solo nombres llamativos: busca trazar líneas entre generaciones, estilos y propuestas que dialogan con sensibilidad. Además, al realizarse sobre el puente de Día de Muertos, se resignifica el espacio cultural: no es solo olvidar, sino celebrar lo que nos emociona, lo que nos trasciende, lo que nos une en lo sensorial. Si Hipnosis 2025 logra transmitir lo que promete —más allá de lo sonoro, como ritual, como estado, como encuentro.

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The Specials (1979): la revolución bailable del desencanto

Cuando The Specials lanzaron su álbum debut homónimo en octubre de 1979, el Reino Unido era un país en tensión: desempleo, racismo, choques entre jóvenes y policía, una generación entera sin rumbo bajo el gobierno de Margaret Thatcher.En medio de ese caos, siete músicos de Coventry —liderados por Jerry Dammers y Terry Hall— crearon un disco que no solo hacía bailar, sino que gritaba contra la apatía. El sonido 2 Tone: ska, punk y conciencia Publicado bajo el sello 2 Tone Records (fundado por el propio Dammers), The Specials es el punto cero de una nueva corriente: la segunda ola del ska, mezclada con la crudeza del punk y la ironía social británica. La producción corrió a cargo de Elvis Costello, quien ayudó a pulir ese balance entre energía y urgencia.Canciones como “A Message to You, Rudy”, “Concrete Jungle”, “Nite Klub” y “Too Much Too Young” no solo rescataron el espíritu del ska jamaiquino de los 60, sino que lo convirtieron en un vehículo de protesta juvenil. El resultado: una fusión vertiginosa de metales brillantes, ritmos sincopados y letras que retratan la alienación urbana con sarcasmo y empatía. Política con ritmo El debut de The Specials no fue solo música; fue un manifiesto multicultural.La banda —compuesta por miembros blancos y negros— se convirtió en símbolo de integración y resistencia al racismo, en un Reino Unido donde los enfrentamientos con el Frente Nacional eran frecuentes. Sus letras hablaban de desempleo, desencanto y rebeldía, pero sin solemnidad.En lugar de marchas o lamentos, ofrecían ska acelerado, pogo y trajes a rayas.Era política, pero se bailaba. Impacto y legado El álbum llegó al número 4 en las listas británicas, convirtiéndose en un fenómeno cultural.De él surgieron himnos que definieron toda una escena —junto a Madness, The Selecter y The Beat— y establecieron el estilo visual y sonoro de 2 Tone: blanco y negro, rude boys, ska como declaración estética. Más allá de los charts, The Specials influenció a generaciones posteriores:desde el britpop de los 90 hasta el ska punk latinoamericano de los 2000, e incluso artistas contemporáneos que ven en la ironía social una forma de catarsis. Un debut que sigue vivo Más de cuatro décadas después, The Specials suena tan relevante como en 1979.Su mezcla de fiesta y furia, humor y desesperanza, sigue siendo espejo de cualquier época donde el desencanto necesita ritmo para sobrevivir. El disco no fue solo el inicio de una banda: fue el comienzo de un movimiento que demostró que la crítica social también se puede bailar.

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Pop Ambient 2025 (Kompakt): Veinticinco años de atmósfera

Cuando Wolfgang Voigt habla de Pop Ambient diciendo que “tiempo no pasa (o pasa diferente) en contexto pop-ambient”, resume el espíritu de una serie que ha logrado mantenerse sin perder su quietud, incluso en el vértigo del cambio musical. Con Pop Ambient 2025 Kompakt celebra su edición número 25, un aniversario ambicioso que invita a escuchar con pausa, apreciar lo que está entre los silencios y los detalles sonoros. structura sonora: colaboradores, contrastes y continuidad Este volumen reúne a veteranos y noveles de la escena ambient, fundiendo colaboraciones transcontinentales con artistas que han definido o redefinido el género. Entre los nombres que destacan están: También destacan piezas instrumentales que juegan con loops, drones, cierta pulsación de pulso rítmico sutil (Analysis of Variance II de Würden & Schäfer) o el momento lírico que Voigt señala como emblemático: ese acorde amplio en Circles de Max Würden, alrededor del minuto 2:55, que encapsula para él “el cosmos Pop Ambient”. Memoria, gesto y estética Más allá del sonido, Pop Ambient 2025 es una obra de memoria compartida y continuidad estética. El álbum sale el 29 de noviembre de 2024 como cierre del año para Kompakt, manteniendo la tradición de lanzar esta compilación justo antes del receso navideño. También merece atención la edición física: LP + descarga digital, CD, una edición limitada en vinilo transparente (100 ejemplares), acompañada de una fina obra de arte firmada por Veronika Unland. Esa atención al detalle físico y artístico refuerza la idea de que Pop Ambient no es solo música de fondo, sino objeto, ritual, paisaje visual y auditivo. Lo que hace especial esta edición Recomendaciones de escucha

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Jeff Mills: profeta mecánico del techno

Nacido el 18 de junio de 1963 en Detroit, Michigan, Jeff Mills es una de las figuras fundamentales del techno: su carrera ha sido una labor constante de exploración sonora, disciplina técnica y una visión futurista que parte tanto de la resistencia como de la imaginación colectiva. Orígenes y formación Underground Resistance y sus principios Axis Records y evolución sonora Estética, filosofía y técnica Algunos hitos y proyectos destacados Legado e influencia El presente y hacia dónde mira Conclusión Jeff Mills no es solo un DJ, ni simplemente un productor de techno: es un constructor de ideas, un diseñador de futuros audibles. Su vida artística traza una línea entre lo físico y lo imaginado, entre lo bailable y lo contemplativo, entre lo mecanicista y lo poético. Su legado sigue vivo, no meramente como herencia del pasado, sino como estímulo para repensar lo que la música puede ser.

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Entre estrellas y distorsión: el universo sonoro de Hum

En la vasta constelación del rock alternativo de los noventa, pocas bandas brillan con la singularidad de Hum, el cuarteto originario de Champaign, Illinois, que convirtió la distorsión en un lenguaje cósmico. Mientras el mainstream miraba hacia Seattle y el eco del grunge copaba la atención, Hum transitaba un camino distinto: un sonido denso, pesado y expansivo que parecía mirar hacia el infinito. Su irrupción en la memoria colectiva llegó en 1995 con “Stars”, sencillo que escaló listas y dio visibilidad al álbum You’d Prefer an Astronaut. Lejos de ser una banda de un solo éxito, Hum ofrecía un universo particular: guitarras saturadas y afinadas en registros bajos, voces casi etéreas de Matt Talbott, y letras cargadas de imágenes celestes, donde lo cotidiano y lo cósmico se entrelazaban. Tres años más tarde publicaron “Downward Is Heavenward” (1998), considerado por muchos críticos como su obra maestra. El disco, aunque no alcanzó éxito comercial, se convirtió en un testimonio de su madurez artística: un equilibrio entre brutalidad sonora y contemplación. Con el tiempo, ha sido reivindicado como uno de los discos más influyentes del rock alternativo de finales de los 90. Tras su disolución en el año 2000, el mito de Hum creció en silencio. Bandas de post-rock, post-metal y shoegaze reconocieron en ellos un faro que había adelantado tendencias: la fusión de lo pesado con lo atmosférico, de la energía visceral con la sensibilidad expansiva. El 2020 trajo una sorpresa que sacudió a la crítica y a los seguidores: “Inlet”, su primer disco en más de dos décadas. Sin nostalgia fácil, el álbum sonaba poderoso, monumental, como si el tiempo no hubiera pasado. Una reafirmación de su relevancia y un recordatorio de que algunos lenguajes musicales permanecen intactos porque tocan fibras universales. La trascendencia de Hum Hoy, Hum es recordado no solo por una canción que alguna vez sonó en MTV, sino como una banda visionaria que abrió rutas y sembró semillas en terrenos que décadas más tarde florecerían. Entre estrellas y distorsiones, su música sigue orbitando en los oídos de quienes buscan en el ruido algo más que ruido: una forma de trascendencia. Línea de tiempo: Hum 1989 – Formación 1991 – Fillet Show 1993 – Electra 2000 1995 – You’d Prefer an Astronaut 1998 – Downward Is Heavenward 2000 – Separación 2010 – Reencuentro en vivo 2020 – Inlet 2021 – Fallecimiento de Bryan St. Pere Discografía oficial

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