Depósitio Sonoro

Entrevistas

Entrevista a los cubanos Toques del Río, 19 años fusionando ritmos

Entrevistamos a Toques del Río, agrupación explosiva y dinámica, fundada en 2002 en la ciudad cubana de Pinar del Río. En sus comienzos hacían música flamenca fusionándola con la música cubana y ritmos foráneos con 2 guitarras flamencas, cajón, bajo eléctrico y un cantaor. Con el pasar de los años comenzaron a mezclar diferentes géneros y ritmos, marcando siempre ritmos caribeños, mambo mezclado con polka, rock, timba, son y funk, sobre estructuras de la música cubana. 1.- ¿Todos son cubanos? R/ Sí, todos somos cubanos. 2.- ¿Cómo definirían su música? R/ Bueno, desde nuestra perspectiva, hacemos música total porque trabajamos un amplio espectro de géneros musicales, desde lo local a lo universal y siempre con la intención de divertir y sosegar a las personas. 3.- Vimos un concierto en Youtube de ustedes subido en mayo de 2021, ¿han hecho conciertos presenciales durante la pandemia? R/ La situación sanitaria no nos ha permitido realizar conciertos presenciales, hasta el momento solo han podido hacerse sin públicos y para transmitirse de manera on-line. 4.- En este sentido, ¿cómo han vivido esta pandemia en su país, nos referimos a nivel musical? R/ Hemos tenido que reinventarnos hasta para ensayar, pero la tristeza más grande en la parte musical hablando, es ese que extrañamos el calor del público, la interacción. Nos llenan de vida y simplemente en estos momentos, está congelado en el tiempo. No sabemos cuándo volveremos a nuestros espacios habituales de presentaciones. 5.- ¿Qué esperan sus seguidores en su música? Lo preguntamos porque muchas veces los fans cierran un poco el margen de maniobra de un músico al esperar que siempre suenen casi igual, parecido o al menos con los sonidos que lo tienen acostumbrados. R/ En este caso, cuando decidimos hacer lo que es hoy Toques del Río, lo primero fue divertirnos nosotros mismos, eso se fusionó con la energía de la banda en el escenario y nos funciona hasta hoy. El público nos pide precisamente eso, sin enmarcarnos en ningún géneroen específico, gracias al funcionamiento de la agrupación seguimos divirtiéndonos y divirtiendo a nuestro público. 6.- ¿De qué hablan sus letras?  R/ Nuestras letras hablan de situaciones, vivencias de nosotros, amores y desamores, no a la violencia, a los errores, pero todo desde el respeto a los demás. 7.- Cuéntenos un poco sobre el panorama general musical en Cuba, digamos, de 10 años para acá, ¿qué músicos cubanos podrían recomendar a nuestros lectores?  R/ Estamos orgullosos de nuestro panorama musical y te pudiera estar recomendando muchos, es difícil escoger, pero te mencionare algunos y que me disculpen los que falten, pero igual están en nuestra preferencia, Van Van, Síntesis, Habana D’ Primera, X Alfonso, Septeto Santiaguero, Interactivo, Cimafunck, Alain Pérez, Tendencia, Roberto Fonseca, Omara Portuondo, Roly Berrio, Haydeé Milanés, bueno bueno, son tantos que tampoco quiero aburrir sin discriminar a nadie… 8.- ¿Actualmente cómo distribuyen su música en la Isla para que sea más escuchada? R/ Realmente no tenemos un mecanismo que funcione para que llegue a toda la isla nuestra música, o para no ser absolutos, es poco. Simplemente las personas se van pasando de móvil a móvil, en memorias usb, discos, no sé en realidad. Lo que si te puedo decir es que nos han sorprendido mucho, pues cada vez que llegamos a algún lugar, la mayoría cantan nuestras canciones. También, vale agregar, que tratamos de tener nuestras redes sociales, lo más actualizadas posibles sobre lo que está trabajando Toques del Río. 9.- ¿Han tocado en el extranjero? R/ No hemos tenido el gusto, quisiéramos la verdad, teníamos algunos planes en el año 2020, pero la situación de la pandemia mundial puso en pausa todas las planificaciones de presentaciones. 10.- ¿Qué discos, películas o libros podrían recomendarnos que sea de su inspiración en la banda? R/ Ufff, realmente no había pensado en eso, pero todo tiene que ver, te pudiera decir algunos: los libros de El Señor de los anillos, El viejo y el Mar. Películas Fresa y Chocolate, Habana Blues entre otras… 11.- ¿Quiénes fundaron la banda y cuándo y quiénes forman la actual alineación? E/ Toques del Río se fundó en el 2002 haciendo música flamenca fusionándola con la música cubana y ritmos foráneos con un formato de 2 guitarras flamencas, cajón, Bajo eléctrico y un cantaor. Este formato fue evolucionando y en el 2013 se renovó, cambio totalmente la banda y creció hasta el formato actual. Somos 13 músicos en escena con un formato que cuenta con Drums, congas, miceláneas, Bajo eléctrico, Guitarra eléctrica, piano y teclados, 2 trompetas, saxo alto, saxo tenor, y 3 cantantes. 12.- ¿Quieren agregar algo más?R/ A pesar de la situación actual, seguimos creando y estamos trabajando en nuestro segundo CD en el cual tendremos muchas sorpresas. Deseando que en un futuro inmediato podamos seguir brindando nuestra música y energías al público, no solo de Cuba, también al mundo. Gracias. ¡Saludos desde Ciudad de México!Gracias a ustedes por la entrevista, Salud y Música.Zeney Alonso, director de Toques del Río

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Entrevista con el español Nueva Desconocidos, música que surgió en una habitación

Nueve Desconocidos estrenó hace poco su nuevo sencillo “Llagas” que cuenta con una versión de la canción “Puente”, de Gustavo Cerati estaría encantado de escuchar. 1.- Sin duda 9 Desconocidos nos suena a ritmos evolutivos para la darkwave y new wave. ¿Cómo nació la idea de ese proyecto? Nueve Desconocidos surge en mi habitación, conmigo mismo, mis instrumentos y un ordenador. Previamente a Nueve Desconocidos tenía un proyecto llamado Dogma 95, un poco mas enfocado al sonido etéreo del Shoegaze y cantando principalmente en ingles. A finales del 2019 decidí empezar a componer únicamente en Castellano, ya que la experiencia de escribir en tu idioma es bastante mas enriquecedora a mi parecer. Decidí también pasar de un sonido mas orgánico a uno bastante más sintetizado, esto no tuvo un motivo de peso, simplemente me quería centrar en los sonidos más oscuros de los 80 y los 90. Aún así creo que la música que hago actualmente también bebe de alguna manera del Dream-Pop y el Shoegaze, ya que son géneros que consumo mucho a diario. 2.- ¿Cuánto tiempo llevas tocando con 9 Desconocidos y cuál es tu discografía? El proyecto comenzó a tomar forma en 2020, cuando decidí centrarme en el unicamente. A comienzos del año pasado empecé a subir música bajo este nombre y desde entonces no he parado de grabar en casa ideas y canciones para Nueve Desconocidos. Actualmente hemos lanzado 4 canciones, que en orden cronológico son: “Todos mis Cristales”, “Preguntas”, “Llagas” y la versión que lancé de “Puente”, de Gustavo Cerati 3.- Háblanos un poco de tus influencias, ya sean musicales o de otra índole, como podrían ser literarias, fílmicas, deportivas, etc. Musicalmente tengo muchas influencias de distntos sitios, muy dispares entre sí. Intento no imitar a ningún grupo ni basarme completamente en un solo subgénero, ya que me parece bastante más enriquecedora la experiencia de componer al libre albedrío. Me gustan mucho Tubeaway Army/Gary Numan y Depeche Mode, quizá esa busqueda de la mezcla entre la música oscura y el pop sea algo que comparta con estos dos grupos. Tambien escucho mucho a John Maus. Durante la producción del disco estuve escuchando mucho a Gainsbourg y las canciones que hizo para muchos otros artistas, a los Chichos, las Grecas o a Mort Garson o a Esplendor Geométrico. Supongo que todo esto también ha influido de alguna manera en mi música. Veo muchas películas, también dispares entre si respecto a géneros, épocas etc.. Me gustan mucho Gregg Araki, Bergman, Korine o Von Trier. Respecto al deporte he de decir que no sé mucho sobre nada. Nunca jugué a futbol ni a nada parecido. 4.- Tus últimos sencillos fueron creados durante buena parte de la pandemia, ¿cómo creaste los tracks, cuál fue tu proceso de trabajo en busca de inspiración? Si, de hecho la mitad del disco la compuse/produje durante el confinamento. Creo que la angustia y la soledad de estos meses propiciaron la inspiración para componer, aparte todo el tiempo libre que teníamos todos. Los creé en mi cuarto, con las persianas bajadas y con mis sintetizadores. 5.- ¿Cuál les gustaría que fuera el alcance de tu música? Nos referimos, que sea solo sean canciones para escuchas en internet, o piensas sacar algo en formato físico, o quizá hasta tener ya presentaciones presenciales. Hace un par de meses tuve mis dos primeros conciertos y me lo pase genial. El 15 de agosto tocare en Barcelona junto a mi amigo Gerard (Él Último Vecino). Mi disco, que saldrá en octubre, también saldrá en físico, me muero de ganas por tener una copia del vinilo, es un sueño al que he aspirado desde que comencé a hacer música propia. 6.- ¿Qué aparatos o programas usas para crear tus canciones? Utilizo un Nord Lead, que es un sintetizador analogo/virtual, se pusieron muy de moda en los años 90. Utilizo también un órgano de color beige, el Yamaha ps20, lo compré en un rastro hace 6 años y desde que lo adquirí lo he usado para prácticamente todo. Hace poco leí que la mayoría de las canciones de Beach house están hechas también con él. También utilizo un modulo de Roland, el jv2080. Hace poco adquirí un Moog Prodigy y un Yamaha cs40m, ambos los utilicé para el cover de “Puente”, estoy enamorado de ellos. Y lo ultimo que compre fue un korg m1, que estoy deseando usarlo. En cuanto a guitarras creo que para el disco solo he usado mi Fender Mustang del 69 y una Telecaster que tengo por casa. Bajo utilicé un jazz bass Ibanez de los años 70. Para grabar todo esto y producir las canciones utilizo Ableton. Es el programa que llevo usando desde que comencé a hacer música y me parece el mejor DAW. 7.- ¿En qué otros proyectos has trabajado en tu carrera como músico? Estudié 10 años de Conservatorio, de guitarra clásica y violonchelo. Aparte de eso, respecto a música propia, solo he lanzado música como Dogma 95 y como Nueve Desconocidos. 8.- ¿Algo que deseen agregar? ¡Muchas gracias por hacernos esta entrevista! Estoy deseando viajar a México para tocar y conocer el país.

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Ramón Amezcua y Harald Grosskopf estrenan Quetzalkrautl, mezcla de culturas mexicanas y alemanas

Grosskopf & Amezcua estrenan Quetzalkrautl, una mezcla de culturas, la hibridación de la música electrónica mexicana con el krautrock alemán. Los productores de música electrónica Ramón Amezcua y Harald Grosskopf colaboran por primera ocasión en Quetzalkrautl. Un material de 6 tracks inéditos lanzados por Milovat Records. Ramón Amezcua “Bostich”, es conocido por su carrera en solitario y por pertenecer a proyectos como Nortec Collective; mientras que Harald Grosskopf perteneció a bandas alemanas de culto como Ash Ra Tempel y Ashra. 1.- Sin duda Quetzalkrautl nos suena a un álbum evolutivo y brillante para la electrónica y el kraut. ¿Cómo nació la idea de mezclar estos géneros?La idea nació durante este tiempo de confinamiento cuando empezamos a comunicarnos vía Facebook, por mi lado yo seguía la carrera musical de Harald desde finales de los años 70’s, escuchaba mucho su música, en especial sus colaboraciones con Klaus Schulze y su proyecto solista Synthesist. Me parecía increíble e inalcanzable llegar a colaborar con uno de mis súper héroes, así que por mi lado lo vi como una oportunidad de expresar en este material todo lo que influyó su música en mi carrera. Harald por su lado sintió una fascinación el colaborar con gente de otro país y cultura, y saber que la música electrónica alemana ya se conocía en México desde esos años. 2.- El álbum fue creado durante la primera parte de la pandemia, en 2020, ¿cómo crearon los 6 tracks, cuál fue el proceso de trabajo?El proceso creativo fue muy rápido y divertido, ya que Harald por su lado retomó todas sus raíces del Krautrock, hacía sus grabaciones y me enviaba esos archivos hasta con videos de él moviéndole a su equipo, y por mi lado hice una reinterpretación de todo lo aprendido con la música de grupos alemanes que escuché desde mi adolescencia y utilizando nuevas tecnologías y aparatos de los 70’s, hicimos este material. 3.- ¿Qué aparatos o programas usaron para crear los 6 tracks?Harald utilizó mucho software e instrumentos virtuales en la construcción de los temas, y por mi lado utilicé aparatos icónicos de los años 70’s como el EMS VCS3, ARP 2600, Aries Modular, un clon del sintetizador Moog Modular (Synthesizers dot com), Moog delay, spring reverbs y varias tecnologías de los 80’s dándoles otro contexto como la Roland TB-303 y la caja de ritmos SC Drumtracks, la edición la terminamos en el Ableton Live. 4.- ¿Cuál les gustaría que fuera el alcance de este disco? Nos referimos, que sea solo un disco para escuchar en internet, o piensan sacar algo en formato físico, o quizá hasta tener alguna presentación en línea o presencial.Está la inquietud de presentar este material en vivo en México, ya se ha adelantado trabajo visual de parte del colectivo F3 integrado por los artistas y diseñadores Gabriela Reyes y Jorge Flores, parte de este trabajo ya está en Youtube, en el video de Vigia part 1 , tema que viene en este disco de Quetzalkrautl. —— 5.- Harald Grosskopf, what do you like about the music and sounds of Mexico? Of course I am aware that Mexico has more to offer than „Mariachi“. I have to admit that I didn’t know much about newer Mexican music until recently. Like many artists, I sometimes live in an isolated filter bubble of my own choosing. One might miss something here and there. Thanks to Ramón, that now has changed and seems a gateway into exploring the yet unknown. Ramon is a musician with excellent hearing and a flair for the unusual. We don’t know each other personally but I now know some of his musical, emotional wave patterns. That is always something very personal and gives insight into the person behind it. I really hope that we will soon meet in an analogous way after the pandemic. Maybe combined with live performances in Mexico. I am really looking forward to this. I am more than positively surprised that a very similar musical development has obviously taken place in Mexico as it did in Germany. Here too, a young generation has managed to free itself from Anglo-American musical colonialism in order to find it`s own way. With the difference that at that time, in contrast to Mexico, in the Sixties and Seventies we wanted to completely break away from our own traditions, which we unjustly linked to our unfortunate Nazi past. After all, Wagner cannot help that Hitler adored him ardently! Unfortunately, we also basically associated German folk music with the folk-style Nazi ideology that glorified kitsch. 6.- Ramón Amezcua, ¿qué te gusta más de la música de Alemania?Me ha tocado seguir las diferentes corrientes desde Stockhausen, el Krautrock con Neu!, Ash Ra, Kraftwerk, Klaus Schulce, los inicios del tecno desde la Harthouse hasta lo mas actual, creo que Alemania ha sido parte elemental de la evolución de la música electrónica. 7.- What other projects is each one currently working on in their respective countries? (Harald) I have a nearly finished a solo album on my computer and I am working on live taken video clips with a friend. During the pandemic I wrote a book about my life. However, with over 500 pages too long to have a chance published as biography. I’ll have to go back to that. (Harald)(Ramón), hay varios proyectos para presentarlos este año incluyendo una colaboración con Wolfgang Flür (Kraftwerk), la musicalización de un documental de la historia del box en Tijuana, la edición de un EP con ReWorks por parte de mujeres en la electrónica (Leslie García, Concepción Huerta y Sabina Covarrubias) de un material ambient que acabo de estrenar llamado BIPIH, y como Nortec: Bostich+Fussible la musicalización de una película alemana llamada Das Wachsfigurenkabinett de 1924, y el próximo mes el estreno de un sencillo llamada “Vamonos de viaje”. 8.- Anything you want to add? (Harald) At the beginning of the Nineties I was very impressed by the fascinating blaze of colors and diversity of Aztec art. Which culminated in an album called “Quetzalcoatl” (1992) on which

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Entrevista con El Clan, una banda con naturaleza oscura

El Clan nos brinda un espectáculo musical y visual ubicado en el rock gótico progresivo que rescata las atmósferas clásicas de la literatura fantástica y el terror cósmico al más puro estilo de Edgar Allan Poe, Lord Dunsany y H. P. Lovecraft. El repertorio musical de El Clan hace un recorrido por alrededor de 30 años de trayectoria, desde su mítico primer disco: Sin Sentir, hasta su más reciente producción discográfica: Caronte. Una de las banda más innovadora e influyente de la escena oscura hecha en México. Hablamos con Jaime Chávez, guitarrista y cofundador de El Clan para saber más sobre la banda. 1.- ¿Cómo nació El Clan?JC: Nace a principio de la década de los 90, en la zona de Jardines de San Mateo, en Naucalpan, Estado de México. En esos días Vico, Pedro, Israel y yo teníamos una banda previa, llamada Azul de medianoche, donde tocábamos covers y empezábamos a componer temas propios. Sólo que nos faltaba un vocalista y también queríamos incorporar teclados en el sonido de la banda, fue así que llegaron Gustavo y Lucano, por recomendaciones de amigos en común.Después de algunos ensayos, Gustavo propone el nombre de El Clan para la banda. Para algunos, incluyéndome, nos causó sorpresa, pues ya teníamos un nombre. Luego de varias discusiones quedamos convencidos de que llamarnos El Clan era lo mejor para el proyecto. A partir de ese momento comenzó una trepidante y emocionante historia, que aún sigue después de 30 años. 2.- ¿Cómo promovieron su música durante los inicios de la banda?JC: En aquella época promover a una banda era muy distinto a lo que es ahora, no existía Internet ni las tecnologías que hoy conocemos.Los medios impresos eran importantes e imprescindibles. Algunos periódicos o revistas especializadas en música tenían secciones dedicadas al rock y te concedían una entrevista o reseñaban tus conciertos. Igual pasaba con las pequeñas revistas independientes, los famosos fanzines, los cuales funcionaban muy bien. Los volantes o flyers que anunciaban las tocadas también eran una forma de promover a tu banda. En cuanto a los medios electrónicos tradicionales, en ocasiones había una entrevista en radio y otras muy contadas veces en televisión.Sin embargo, lo que más ayudaba para dar a conocer a tu banda era la publicidad de boca en boca. El público jugaba un papel muy importante en la promoción y difusión de las bandas. 3.- Se les catalogó siempre como una banda oscura o dark, ¿les hacía sentido ese término?JC: Sí, desde siempre. Aun cuando no era la intención, nunca nos incomodó ser catalogados como una banda dark. Al contrario, pienso que le dio carácter al concepto de El Clan, la imagen y las influencias las teníamos. Con el paso del tiempo hemos ido dejando ciertos clichés del género y ha ido cambiando el significado que le damos al término dark o gótico. Hoy nos gusta pensar que simplemente somos una banda de rock por naturaleza oscura. 4.- ¿Qué es lo que más recuerdan de los inicios de El Clan? JC: Hay muchos y grandes recuerdos del inicio de la banda. Las primeras tocadas en Jardines de San Mateo, Santa Mónica, Lomas Verdes y las zonas aledañas a Satélite son memorables. También, nuestra participación en la segunda edición de la Batalla de las Bandas de Rockotitlán nos dejó grandes momentos. Posteriormente, la grabación del Sin sentir fue una maravillosa experiencia. Era nuestra primera incursión formal en un estudio de grabación y es algo que difícilmente vamos a olvidar. 5.- ¿Cuáles fueron sus influencias para crear la banda?JC: Eran varias y muy diversas. Desde el heavy metal y el hard rock hasta el punk y el new wave. Obvio, estuvo muy presente todo lo que estaba ocurriendo en esos días en cuanto al rock en México se refiere. 6.- Qué ha pasado durante sus 30 años de carrera, ¿siempre han tocado o tuvieron algunas pausas durante este tiempo?JC: En 30 años de carrera han ocurrido infinidad de situaciones y anécdotas, buenas y malas, que al final del día sólo es aprendizaje. Y sí, ha habido algunas pausas. Recuerdo que en 1996 casi no tocamos, pues estábamos buscando vocalista, y después hicimos una pausa más larga del 2000 al 2003. De ahí en fuera, siempre nos hemos mantenido activos. El Clan existe gracias a su perseverancia, a su capacidad para adaptarse a los cambios y al maravilloso público que nos sigue hasta la fecha. Dice Gustavo que nada nos detiene, y concuerdo con él. 7.- ¿Qué han estado haciendo en años recientes?JC: Desde 2012, el año que marcó el regreso de Gustavo a la banda, nos hemos mantenido en constante actividad. Puedo decir que ha sido la etapa más productiva en la historia de El Clan. En estos 9 años hemos editado 3 discos y viene uno más en camino para celebrar los 30 años de la banda. Estuvimos en festivales importantes, compartiendo escenario con grandes bandas, tanto nacionales como extranjeras. Nos hemos presentado en recintos emblemáticos como el Lunario del Auditorio Nacional, el Autódromo de los Hermanos Rodríguez y el Teatro de la Ciudad. También, tuvimos nuestras primeras giras en Estados Unidos. 8.- ¿Cuál es la alineación actual?JC: Hoy en día El Clan está conformado por Gustavo en la voz, Germán en la batería, Gerardo en los teclados, Paco en el bajo y yo en la guitarra. 9.- ¿Algunas bandas, libros, películas que quisieran recomendar a nuestros lectores?JC: Yo creo que la primera recomendación sería que lean, lo que quieran, siempre y cuando sea buena literatura, pero que lean. Leer es un gran hábito.En cuanto a libros, les puedo recomendar dos clásicos: Drácula y Frankenstein, maravillosas historias, mis favoritas. También cualquier novela de Sherlock Holmes, son historias divertidas y fascinantes. Una banda que he estado escuchando bastante últimamente es “Killing Joke”, súper recomendable para quienes gustan del post-punk clásico. Y una película, “Twelve Angry Men”, de Sidney Lumet, una obra maestra.

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Entrevista con el productor mexicano Murcof

Entusiasmados presentamos esta entrevista con el productor mexicano Murcof, en torno a su carrera y al lanzamiento de su último disco. 1.- Hola. Han pasado 5 años desde tu último álbum, ¿qué esperaremos en The Alias Sessions? Este disco es el fruto de mi colaboración con la compañía suiza de danza, Alias, dirigida por Guilhereme Botelho, con quienes he trabajado en varias ocasiones, hasta hoy en 4 de sus coreografías: Documento, Antes, Contre-Mondes y Normal. El álbum contiene música que hice para 2 de ellas, Contre-Mondes (2017, CD1) y Normal (2018, CD2), ambas muy distintas entre sí en todo incluyendo la música, está mas presente el ruido y lo cacófono en el disco 1 y lo armónico y melódico en el disco 2, en ambos discos hay algunos elementos tradicionales como arpegios analógicos y algunos ritmos, pero también hay experimentación, disonancia y poliritmia, especialmente en el CD1. Y aunque fiel a su origen, la música en el álbum si está algo más elaborada que la versión en vivo, en el escenario están los danzantes contando la historia así que no hacen falta muchos elementos en la música para que el espectáculo funcione. Entonces la versión del disco tiene mas elementos, ahora que un hueco se había abierto al no estar la danza hice algunos arreglos, a las piezas las traté de llevar a su conclusión musical mas aparente para que funcionara lo mejor posible al ser escuchadas por si solas. 2.- ¿Qué significa lanzarlo a través del sello británico The Leaf Label? Leaf catapultó mi carrera en Europa con mi primer álbum como Murcof, Martes, allá en el lejano 2002, a la par con Static Discos de Tijuana y Context Free Media de SF en MX y USA. Mi ultimo lanzamiento con Leaf fue The Versailles Sessions (2008), justo después de Cosmos (2007), así que regresar ahora después de 13 años es un gran suceso, ademas de que se trabaja agusto con ellos, son muy involucrados. Este álbum también asegura mi futuro próximo, económicamente hablando, estamos recibiendo muchos pedidos y la respuesta positiva del anuncio del disco me ha cargado las pilas. Ademas de otros proyectos en los que estoy también trabajando y que son igual de estimulantes. 3.- ¿Cómo produces tu música, qué tanto has evolucionado desde una perspectiva personal y tecnológica desde aquel inolvidable Martes? Disco de culto que marcó el inicio de tu carrera en 2003. Nunca pensé que fuera a ser así el éxito de Martes. Murcof era mi proyecto paralelo a lo que había venido trabajando como Terrestre bajo la estética Nortec, entonces el éxito de Martes me tomó por sorpresa, le debo a mucha gente como a Ruben aka Fax, Ejival, al Colectivo Nortec, Sonios y staff, los padres y madres de muchos, familia, etc, además de por la amistad y el apoyo, por la inspiración y el buen gusto musical. Entonces es un compromiso conmigo, con ellos y con el resto de gente que me ha apoyado a lo largo de los años; el tratar de presentar material en evolución, no sé a dónde vaya a parar con Murcof, pero le veo futuro. Mientras tanto en cada lanzamiento trato de introducir nuevos elementos, en diseño de sonido o usando estructuras nuevas, con la inspiración y tecnología que tenga a la mano. Antes, al hacer Martes, trabajaba todo en digital, con algunas grabaciones de instrumentos acústicos y muchos muestreos de música de Arvo Part, Morton Feldman, Giya Kancheli, etc, pequeños fragmentos que después procesaba para construir melodías nuevas. Ahora tengo algo de modular analógico y digital y un par de desktop synths, como el Tetra de DSI, el Analog 4 de Elektron y el Tanzbär de MFB, los uso poco pero a veces si se presta, tienen buen sonido especialmente el Tetra, pero la mayoría de mi trabajo es con el audio directamente y VSTs a tope, y algo de VSTi últimamente. También uso muchos sonidos reciclados y olvidados, grabaciones de campo y de estudio, jams con el modular, etc, como materia prima para esculpir y construir. Todo dentro de Cubase que ya llevo años usando, me convenció Pepe Mogt de Fussible si mal no recuerdo, en ese entonces, finales de los años 90 yo usaba Cakewalk o Sonar y quería probar algo nuevo, lo vi usarlo, lo probé y desde entonces lo sigo usando. 4.- ¿Consideras que éste es el álbum más ambicioso de tu carrera? En su momento, cada álbum ha sido un logro en sí mismo, y si este creo que también lo es, es algo diferente a lo demás que he hecho anteriormente y esto tiene que ver directamente con Botelho y Alias. La música fue hecha para ellos, es su soundtrack, y aproveche la ocasión para tomarme más libertades de las que normalmente me permito, pero ya me dirá el escucha su opinión, tengo mucha curiosidad. 5.- Sabemos que The Alias Sessions es un álbum colaborativo, ¿nos puedes contar un poco más al respecto? Es colaborativo entre disciplinas, la música la hice por cuenta propia, siempre siguiendo las pautas de Botelho, pero en este proyecto he trabajado en solo la musica. 6.- ¿En qué plataformas digitales y formatos físicos saldrá este disco? CD x 2, Vinilo x 3 (en varios colores), y digital en las más comúnes, supongo. 7.- Cuéntanos un poco más sobre ti, ¿qué músicos siguen siendo y han sido tu máxima inspiración? Han sido muchos, Beatles, Carpenters, Pink Floyd, JM Jarre, Bach, Beethoven, Kraftwerk, Depeche Mode, casi todo lo de Wax Trax, Prokofiev, Schnittke, Xenakis, Ligeti, Le Mystere des Voix Bulgares, Dead Can Dance, Cocteau Twins, Giya Kancheli, Morton Feldman, Scelsi, Arvo Part, Valentin Silvestrov, y un largo etc. 8.- Viajando un poco en el tiempo, ¿que significó para tu carrera dejar de vivir en México e irte a vivir al extranjero? ¿Ya tenías un plan fijo o fue una especie de aventura? Fue semi planeado, desde el 2003 ya contemplábamos la idea de mudarnos de Tijuana, nos quedarían lejos los amigos y familia pero

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“Está de moda no tener criterio propio”, entrevista con la banda All The Rage Inside

Los terraplanistas y los antivacunas ya tienen competencia: los que declaran la muerte del rock a la menor provocación. Se viene declarando desde que murió trágicamente el rocanrolero chicano Ritchie Valens en 1959… hasta hoy, que tal aseveración se haconvertido en meme y mame con sabor a reguetón. Parafraseando a Lavoisier, los géneros musicales no mueren ni desaparecen, sólo se transforman como ha sucedido con el jazz, el blues y el reggae. Es decir, evolucionan fuera del mainstream. All The Rage Inside es un ejemplo de esa transformación. En las corrientes del metal subterráneo existe el rock brutal y quirúrgico, en este caso orquestado por un quinteto de enrabiados que se reunieron en 2016 para tocar metal core. Los guitarristas Mayk y Antonio, el bajista Cristian, el baterista Erik y el vocalista Jesús. Su pesadez, precisión y actitud son una madriza cantada frente a la liviandad que campea en las plataformasmusicales. El panorama musical no parece muy alentador, ¿qué los llevó a tocar un estilo extremo en un mundo cada vez más liviano y políticamente correcto?El momento en que descubrimos el metal core. Fue el mismo momento en que nos estábamos acercando a nuestros respectivos instrumentos como músicos (todos tienen antecedentes en otros grupos y estudios musicales), que era también la época cuando estaba en su apogeo, por ahí del 2005. Fue ahí donde nos dimos cuenta de su versatilidad musical, el contraste entre la agresividad del género y sus líneas melódicas, a las que podríamos recurrir al momento de componer. Recientemente reaparecieron los agoreros de “el rock está muerto”, ¿qué opinan de esta sentencia y de quienes declaran semejante cosa?El tema es que los gustos van cambiando con las modas. Y actualmente parece que está de moda no tener criterio propio ni compromiso con tus propios gustos. Si el rock en realidad estuviera muriendo, no habría tantos festivales tan grandes a nivel mundial.Al final todo es un ciclo que tarde o temprano regresa. All The Rage Inside se puede escuchar en Spotify, Apple Music, Amazon Music, Pandora y Deezer, ¿cuál ha sido su experiencia con las plataformas musicales?Como banda independiente, desde siempre ha sido un reto auto producirse, financiarse y publicitarse. Las plataformas nos han permitido llegar a más lugares en menos tiempo. Es más barato. Y lo más importante es que nos ha permitido compartir nuestra propuesta con muchas más personas alrededor del mundo, con un par de clicks desde nuestras casas. ¿Han ido a la radio comercial?No, pero nos encantaría y trabajamos todos los días para poder estar en alguna estación. Hasta el momento han grabado varios sencillos, “Cor Impetum”, “Atropos” y “Why Do We Fall” entre ellos, ¿sus grabaciones sólo se pueden escuchar en formato digital?Hasta el momento si, por que creemos que es la manera más eficiente de difundirlos. Y nos permite destinar nuestros recursos de tiempo, dinero y esfuerzo en otros aspectos como publicidad, marketing, instrumentos, producción, etcétera. ATRI tiene un sonido extremadamente duro, sólido y nítido, ¿en dónde graban y quién los ha producido? ¿Tienen planes de hacer discos físicos, sacar compactos o vinilos?En la trayectoria musical de nuestro proyecto hemos tenido la oportunidad de colaborar con muchas personas que han creído en nuestra propuesta, entre ellos el exbajista de Here Comes the Kraken, Geovany de Cathleen, y muchos más con quienes hemos crecido. Actualmente la producción de todo nuestro material es de manera in house con ayuda de los nuevos recursos digitales, lo cual nos ha permitido crecer tanto como banda, como individualmente. Un ejemplo es Mayk, guitarrista, multi- instrumentalista, compositor y productor que ha tomado la batuta al momento de grabarnos. Claro que queremos sacar nuestros discos en formatos físicos, pero creemos que por el momento las herramientas digitales son las que nos ayudarán a crecer. Han tocado en vivo y recientemente participaron en un festival en línea, ¿qué diferencias a favor y en contra observaron en la experiencia digital?La ventaja de los formatos digitales es que dan una mayor oportunidad a muchos proyectos de salir a la luz con un sonido e imagen increíble. Lo malo es que no existe la certeza de que la calidad en vivo sea la misma, ya que pasó por mucha post producción, tanto visual como sonora. Pero estamos contentos de ver la cantidad de propuestas diferentes y llenas de talento que puede ofrecer el país. Es evidente que ATRI no va tras el éxito fácil, ¿qué buscan y hacia dónde quieren ir, hasta dónde quieren llegar con su propuesta?Claro que queremos ser famosos y exitosos. Al final es la culminación de todo artista, pero también somos conscientes que es un proceso de crecimiento en el que lo más importante como banda siempre ha sido y siempre va a ser satisfacer esa necesidad de expresar lo que sentimos y conectar con la gente. El Coronavirus vino a cambiarnos la vida, ¿qué es lo que más extrañan de la “vieja normalidad”, como grupo y como individuos?Para empezar, los shows en vivo, que jamás se van a comparar en nada con el formato digital. El tener al público de frente con la expectativa de saber si les va a gustar o no lo que haces, es ese empujón que te hace dar lo mejor. Como amigos, vernos cada fin de semana y ensayar, platicar, salir de la rutina, desestresarnos del día a día e individualmente hacer lo que nos gusta y que nos lo reconozcan. ¿El Coronavirus y la pandemia son buen material para una canción de ATRI?No. Sabemos bien que la pandemia ha impactado de manera mundial, pero como artistas no sentimos que sea tema para una pieza. ¿Cómo consideran que el Coronavirus cambiará su proyecto? Ya lo hizo, nos jodió con planes ya definidos que teníamos, pero también nos hizo crecer en muchos aspectos como banda. Al final nos adaptamos y seguimos en la pelea por tener un lugar en la escena. Puro metal core enrabiado. Cor Impetumhttps://www.youtube.com/watch?v=S-_cjMfzIy4 Why Do We Fallhttps://www.youtube.com/watch?v=kiJ670FXnXo Atroposhttps://www.youtube.com/watch?v=UPp66fgRZtQ

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Entrevista con Nürnberg: “nos unió el amor por bandas como The Cure y The Smiths”

El post punk y la new wave han resurgido de forma sin igual en los últimos años, tomando con fuerza nuevos tintes y matices que se mezclan para brindarnos sonidos nuevos dentro de un estilo muy apreciado. Te presentamos con una entrevista con una de esas bandas que han estado haciendo algo de ruido: Nürnberg. La nueva oleada eslava, que se conforma de países pertenecientes como Rusia, Bielorrusia y Ucrania, ha traído consigo bandas tan frescas como influyentes dentro de aquellos géneros, tales como la ya ahora difundida Molchat Doma, la densa Ploho, la fresca Human Tetris o la muy querida Motorama, por poner ejemplos. Dentro de las mismas se encuentra una banda que se forma en el año 2016. Inspirada en los paisajes grises y nostálgicos de los estragos que la época soviética dejó tras, influenciada por bandas legendarias de la misma era, así surge y nace Nürnberg en la colorida capital de Bielorrusia: Minsk. El dúo hace su debut en el 2018 con un EP deleitable, grisáceo y estruendoso al cual titulan U Nikudy para posteriormente hacernos entrega de un álbum completo con el cual se hacen de reconocimiento, titulado “Skryvaj” donde la atmósfera enérgica pero melancólica se hace presente con mayor ímpetu. El segundo y último álbum del momento ha sido “Paharda” en donde los reverbs esplendorosos, las líneas de bajo densas y la melancolía que la guitarra rítmica emana se encuentran envueltos nuevamente. Hace un par de días que pudimos charlar con el vocalista y bajista de la banda, Jerzy Niewierzy, el cual nos dio a conocer algunos datos así como detalles de la situación actual, planes posteriores y nuevo material de estudio que se lanzará para febrero. A continuación les dejamos la entrevista completa… Jerzy nos comenta que el interés musical mutuo que posee con el guitarrista: Aleh Sautin, así como las ganas de expresar sus ideas y sentimientos a través de los sonidos fue lo que los motivó a la creación de la banda. “Nos motivó el conocimiento, la comunicación cercana y el sentimiento común de buena música. Nos conocemos desde hace mucho tiempo y nuestra unión fue el amor por bandas como «Кино (Kino)», «The Cure», «The Smiths» y otras.” También nos comenta sobre el nombre de la banda y su relación e importancia con su país Bielorrusia. “Elegimos este nombre porque Nuremberg como ciudad tenía una conexión con la historia de Bielorrusia: el Gran Ducado de Lituania. El viejo duque Vitaut iba a ser rey y obtener la soberanía total y su corona para la ceremonia se había hecho en Nuremberg. Se suponía que sería un momento histórico importante para toda Europa, pero desafortunadamente no sucedió por alguna razón desconocida: la corona había desaparecido y probablemente había sido robada en algún lugar de Polonia.” La inspiración y creatividad es de los aspectos más curiosos que causa a todo oyente así que preguntamos por la relevancia de los mismos así como de su surgimiento, sus sentimientos respecto al público latinoamericano, la situación del coronavirus y finalmente unas palabras cálidas que otorgaron a los fans en México. 1.- Todo artista necesita inspiraciones de otros artistas. Sabemos que Nürnberg se refiere a Kino, esta gran banda de Rusia de los 80, pero cuando están haciendo música, ¿su inspiración también nace de tus sentimientos o de algo que buscan transmitir?  ¿Es difícil para Nürnberg crear sonidos o la inspiración mencionada anteriormente les beneficia Jerzy (Nürnberg): Mencionamos las bandas más influyentes justo anteriormente pero también podemos agregar a Motorama y Аквариум (Aquarium), The Sound, For Against, la francesa Asylym Party y la alemana Stille Hoffnung. También estamos disfrutando mucho del coldwave polaco del llamado Zimna Fala, bandas como Madame, 1984, Siekera, etc. Música de los 80 que actualmente suena muy moderna, fresca y experimental. Muchos grupos musicales anticiparon el sonido moderno. Pero no diríamos que hacemos música al estilo de los 80, hacemos música bielorrusa moderna basada en las tradiciones. No hicimos específicamente ese sonido: este sonido nos lo dicta nuestro entorno. Toda la vida pasa por diversas emociones relacionadas con el amor, pero al final, de todas formas, estas emociones se reducen a negativas: tristeza, nostalgia, reflexión melancólica. Al final, incluso experimentas la catarsis, que puede tomar una nueva visión del mundo interior. 2.- Sabemos que estos son tiempos difíciles para bandas y artistas ya que los conciertos fueron cancelados por el tema de la pandemia. ¿Cómo se ha vivido esto en su país? ¿Sienten que sus actividades se han vuelto más lentas o, por el contrario, se han beneficiado de tener más tiempo para inspirarse y crear más canciones? Jerzy (Nürnberg): De hecho, estábamos muy molestos por la situación con el virus, porque hemos cancelado muchos conciertos en Rusia y Europa y en este momento algunos festivales de verano están amenazados. Por otro lado, la mayoría de la gente está ahora en cuarentena y esperamos que nuestro álbum pueda ayudarlos moralmente en tiempos difíciles. Estamos muy contentos cuando la gente encuentra la salvación en nuestro álbum. Cuando estábamos grabando y planeando lanzar un álbum, no esperábamos que la situación fuera así. Es tan bueno cuando nuestra música motiva a las personas en cuarentena. 3.-Viendo tantas respuestas del público latinoamericano con su trabajo, particularmente de México ¿Qué sienten al respecto? ¿No les sorprende que sus ritmos y sonidos lleguen al otro lado del mundo? Jerzy (Nürnberg): La principal impresión que tenemos sobre los oyentes latinoamericanos es la gente de mente abierta, emocional y amable. Probablemente sepan que esta difícil situación política, social y económica sin perspectiva en los países de Europa del Este es un buen terreno para toda esa música oscura y depresiva que surge aquí, sin importar lo triste que suene. Por supuesto, esto también es influencia de la arquitectura soviética, el estilo de vida soviético que todavía se conserva aquí y probablemente un tributo a las tendencias globales. Creemos que estas cosas son interesantes para personas de todo el mundo. Y en este momento la gente necesita escuchar música más fresca y “exótica”.

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La contra ola del synth wave y el post punk español: Entrevista a Jordi Serrano fundador del sello Domestica Records

Después de la caída de la dictadura franquista, España vivía cambios políticos importantes a principios de la década de los ochenta. El foco de atención se centró en Madrid: las revueltas sociales, los movimientos culturales, la estética de la moda y el espíritu de la música. El movimiento contracultural La Movida Madrileña fue el más mitificado, pero sólo fue un punto de intersección con otras escenas que ocurrían al mismo tiempo: El Rock Radikal Vasco y la contra ola del synth wave y el post punk. Esta es una entrevista con Jordi Serrano, fundador del sello Domestica Records. De hecho hay un sello en Suiza llamado Bongo Joe que hizo un recopilatorio en la misma línea de lo que hago que se llama La Contra Ola, entonces es un término muy apropiado – explica en entrevista Jordi Serrano fundador de Domestica Records. Desde mi punto de vista en España ocurrieron eventos importantes, por una parte, el país tenía poco que salía de una dictadura y se produjo un efecto de foco hacia Madrid, entonces todo lo que no sucedía en aquella zona geográfica tenía muchas dificultades para, no solamente ser escuchado, sino respetado incluso. El hecho de no haber formado parte de ese contexto me ha permitido romper con los prejuicios y he intentado nivelar tanto lo que fue producido en Madrid, como también rescatar y normalizar los movimientos musicales que surgieron fuera de ese lugar. Se trata de romper con los prejuicios y hacerles un poco de justicia cultural a esas bandas. De hecho muchos grupos que no eran de Madrid, se fueron hacia allá para seguir con su carrera musical. Por ejemplo, la banda TodoTodo era alicante de una población alejada de la costa del mediterráneo del sur de Cataluña que se fueron Madrid justamente porque veían que ahí si tenían posibilidades, pero claro, esta lectura es con este grupo. Hay otros con los que pasa precisamente lo contrario, o sea, me han transmitido algunos de ellos que hubo una especie de marginación, porque culturalmente si formabas parte de un territorio como Cataluña, País Vasco, etcétera, influía, entonces tenías que romper varias barreras en su momento. Eran artistas que se encontraban un poco aislados a nivel de escenas, entonces bueno, producían su música de manera bastante solitaria. ¿Qué mensaje intentaban transmitir las bandas de la periferia española que rescatas para tu sello? JS: Con las bandas que yo he trabajado, el mensaje político va implícito por el mismo hecho de producir la música de forma independiente sin la necesidad de tener a terceras personas grabando sus maquetas en sus casas. Esto de por sí es muy reivindicativo en asociación con el do it yourself del movimiento punk, aunque con la música electrónica. A nivel de mensaje obviamente los grupos tenían sus conceptos y a veces no eran tan concretos, tenían sus propias ideas, asimismo, emulaban la estética New Wave y el sonido de ciertas bandas europeas que llegaban aquí, fue lógico para aquel tiempo. ¿Cómo empiezas a armar el proyecto de Domestica Records? JS: Comencé a recopilar material junto a Carlos Paneque en 2008, quien dejó el proyecto al año y medio. Había un creciente interés en descubrir música que quedó relegada por muchos años, estuvo relacionado con la aparición de internet y de los blogs de ese momento. Mucha gente de manera totalmente altruista empezaba a digitalizar cassettes y se empezó hacer una especie de archivo virtual que en ese momento era accesible para todo mundo, incluso hay blogs que siguen activos aunque los links han desaparecido. En España no había nadie dispuesto a recuperar ese material y editarlo en vinilo; yo en ese momento estaba estudiando diseño y justo antes de terminar ya teníamos en la cartera unos diez proyectos: Aviador Dro, Funeraria Vergara, Kremlyn, Línea Vienesa, Interacción, Mosgaten, Modern Art, el recopilatorio Non Plus Ultra. Sé que trabajas toda la parte visual de las portadas de los vinilos ¿en qué te inspiras para hacerlos? JR: Tengo un estudio de diseño, esto ha sido para mí un aprendizaje y a la vez una vía de escape para poder experimentar. Creé un universo visual que iba asociado a la música, yo me inspiré mucho en la obra de Neville Brody y a la vez también tomé muchas referencias de diseños underground publicados en los ochenta. Iba cogiendo aleatoriamente lo que me interesaba y poco a poco se fue generando una estética muy peculiar con Domestica. El hecho de trabajar con ediciones muy limitadas permite ocuparte con sistemas de impresión más artesanales y esto es una cosa que le puede dar un valor añadido importante. Entonces si conjuntas el elemento musical, que es el fundamental, e incorporas algo a nivel de envoltorio, bueno, pues ahí tienes algo que es diferente de lo común. Yo creo que ahora cualquier sello discográfico tiene que tener en cuenta estas dos facetas, para diferenciarse y aportar algo nuevo. Editas a bandas españolas de los ochenta ¿qué tan importante es rescatar esta música en nuestro idioma? JS: Yo creo que es muy importante. El mercado que ha dominado a la industria musical es el anglosajón y esto quizá ha hecho que muchas bandas piensen que van a tener mucho más visibilidad, lo cual es comprensible. Quizá esto lo digo de una manera muy valiente, pero en los mercados anglosajones si detectan cierto acento extranjero no son muy receptivos. Yo creo que es muy importante dejar un lado los prejuicios y este sentimiento de no sé si sea inferioridad de cantar en castellano, pues el hecho de que el idioma sea minoritario puede ser interesante. Precisamente la banda TodoTodo, intentaba que la fonética de las palabras sonara al ritmo de las canciones. Yo creo que hay que romper un poco con esto y saber que en cada país, aunque quisieran emular a otras bandas, el encanto de ser genuinos, de cantar en su propio idioma y hacer canciones sin ningún tipo de complejo, es una magia y un valor cultural importante que deberíamos

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