Depósitio Sonoro

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La mirada creativa de Stephen O´Malley

La capacidad artística de Stehen O´Malley lo lleva a explorar mundos fuera de lo convencional. Bien vale la pena mencionarlo a unas semanas de su visita a México.   Hablar de  Stephen O´Malley es sinónimo de experimentación en sus múltiples disciplinas. Desde temprana edad la música estuvo con él. Escribir, hablar o bien crear fanzines fue inquietud que se vio aterrizada desde los 19 años con un proyecto llamado “Descent”, una publicación creada a raíz de la búsqueda de sonidos encontradas en redes subterráneas. Stephen recuerda esa exploración compleja pero a la vez gratificante ya que tenia un acervo de música y sonidos que nadie tenia en su momento.   Dicha exploración fue considerada como una acción autodidacta que a su vez le permitió conectar con gente similar e intercambiar cintas con personas, amigos por correspondencia muchos de ellos escribiendo cartas. “Descent” era un fanzine ambicioso y según lo cuenta en entrevistas un tanto ingenuo ya que esperaba contribuir a la escena de una manera representativa.   Antes de crear este Fanzine conoció algunas otras publicaciones que le ayudaron de referencia y fue cuando  “Moribund Records” distribuía un impreso a través de compras de cintas de todo el mundo. En ese momento conoció bandas de  Black Metal de Europa, principalmente de Escandinavia y el sur de Europa, pero también de Polonia y lugares de Europa del Este, muchos de estos materiales llevaban fanzines que hablaban de bandas que difícilmente llegarían a tocar a Estados Unidos. Resultaba interesante saber que varios fanzines terminaban siendo sellos independientes que distribuían música, tal es el caso de “Petrified” de Florida  que al final termino siendo el sello “Full Moon Productions”. De acuerdo a Stephen el  interés en la revista “Descent” , fue a partir de  la tercera edición, imprimiendo  2,000 copias. Esta creación de publicaciones también llevaron a Stephen a ser una especie de periodista musical  y realizar  cientos de entrevistas a bandas de metal, este camino lo fue conectando con distintas personas y al final ser parte creativa de la dirección de arte de varios álbumes. Esto fue a través de  Tiziana Stupia de “Misanthropy Records” quien le dio dicho empleo. Stephen O´Malley colaboró en el diseño de arte de varias portadas de Black Metal, por ejemplo para Emperor, hizo todos sus álbumes excepto In the Nightside Eclipse [1994], ésa portada es un collage de Grabados de Gustave Doré y fotografías de Simon Marsden, la coloración se basó en su gusto en aquel entonces por la marihuana y la psicodelia.   También colaboro la portada de “Rift.Canyon.Dreams” que es el segundo EP de la banda estadounidense “Burning Witch” de Doom Metal y este fue  lanzado originalmente en 1998 a través de Merciless Records lo que uso Stephen fue un collage de un montón de diagramas acústicos pseudo científicos mezclados con dibujos de Stanisław Szukalski .       En el caso particular del arte de las portadas de Sunn O))) es completamente experimental de acuerdo a Stephen comenta que  existen  simbolismos con la obra de arte y crea sugerencias de metáforas e impresiones. Tal cual sucede con  la música de Sunn O))). Lo que sucede con ambas imágenes en esos dos álbumes es que son semi-abstractos, o al menos de aspecto extraño, por lo que no sabes exactamente qué está sucediendo. Hay muchas interpretaciones posibles, que es lo que tratan de demostrar con su música.     Este próximo 30 de Agosto no te pierdas  a Stephen O´Malley  que estará en el 316 Centro y Depósito Sonoro tendrá los pormenores de este gran show.  No te puedes perder al pionero del drone metal y fundador de Sunn O))). Accesos disponibles en: http://soma316.boletia.com

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Escucha la canción Killing in the Name de Rage Against The Machine interpretada por mil músicos

El video de éste acontecimiento se viralizó rápidamente, lo que adelantó que el proyecto continuará funcionando bajo el nombre Rockin’ 1000, interpretando numerosas canciones populares. La más reciente publicación en la cuenta de YouTube de la iniciativa fue una presentación el pasado 7 de julio en Frankfurt, Alemania, en donde mil músicos tocaron al mismo tiempo la emblemática canción Killing in the Name, de Rage Against the Machine. Escúchala a continuación.

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i, i, de Bon Iver, su nuevo álbum nostálgico y ecléctico

Parece que Bon Iver compone solo discos clásicos, a lo largo de una década ha sido el centro de atención de los fanáticos del folk, ha sido un creador de música prolífico, un colaborador impecable y un intrépido explorador sonoro. Ha creado música bajo muchas formas, en varias configuraciones y con una gran variedad de personas. Su discografía es amplia y profunda, y en gran parte gratificante. Género: Folk | Indie | Rock | Label: Jagjaguwar ★★★ Hasta ahora, Justin Vernon ha creado tres álbumes como Bon Iver, cada uno brillante y especial a su manera.  Ahora, tres años después de su último disco, Bon Iver ha regresado con un su cuarto álbum, i, i. Tal vez sea coincidencia, pero el intermedio más corto entre los álbumes de Bon Iver ha producido el cambio menos radical de su historia musical. En lugar de reinventar su sonido, en este nuevo álbum, Vernon ha ido recogiendo fragmentos de todo su camino por la música, resultando un álbum que suena más familiar que nuevo.  En  i, i, Vernon y su elenco de colaboradores muestran el lenguaje musical que han desarrollado y han convertido en propio durante años. Como compositores, productores e interpretes, Bon Iver continua trabajando en un alto nivel musical, en todos los ámbitos, por lo que su música nunca se siente estancada, incluso cuando hacen eco en su pasado. Sus canciones, creadas a partir de los ingredientes más convencionales pueden ser cautivadoras cuando nacen de la inspiración y se elaboran con cuidado. Incluso cuando se respiran con el dolor celestial de For Emma, las canciones de Bon Iver desarrollan un esplendor terrenal que enriquecen los nootrópicos radioactivos de 20, A Million.  Muchos de los amigos de Vernon se reunieron con él para crear i, i. James Blake, Jenn Wasner, Moses Sumney, Marta Salogni, etc. Todos ellos dejaron su propia marca dentro del universo sonoro de i, i establecido por Vernon. Si For Emma, Forever Ago sonaba a un disco solitario, i, i, parece más una vasta congregación de músicos futuristas de gospel secular en el que queda claro que Bon Iver es una banda con una visión musical inconfundible que ha llegado a un punto de su carrera en el que ha forjado una identidad única. Con i, i, es evidente saber que Bon Iver se ha mantenido tan inspirado y atractivo sin mucha agitación, sin embargo, si i, i es calificado usando otras obras maestras de la banda, probablemente este nuevo álbum no deje sin aliento. Después de pasar unas horas escuchando i, i, se puede solamente decir algo: gusta, pero no es nada nuevo. 

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Baterista de Blondie e investigadores muestran que tocar la batería ayuda a niños con autismo a desarrollar habilidades

Convertir la experiencia musical en una vocación que expande la conciencia ha producido resultados admirables, tal vez no más que en el caso de músicos que han utilizado las últimas investigaciones sobre musicoterapia para ayudar a los niños con autismo. Informes de la Universidad de Chichester describen cómo el baterista Clem Burke, de Blondie, ha invertido su celebridad en la investigación sobre cómo la batería puede ayudar a los niños en el espectro a mejorar el aprendizaje y las interacciones sociales. Su Clem Burke Drumming Project (CBDP), una asociación de académicos, bateristas, socios universitarios y el honorario “Doctor of Rock” Burke, acaba de celebrar su décimo aniversario. El proyecto ha investigado previamente cómo tocar la batería mejora la salud y el bienestar; estructura y funciones cerebrales y otros temas relacionados, también alivia el estrés. Los últimos hallazgos, de la Universidad de Chichester y el Centro Universitario Hartpury, muestran que “tocar la batería durante 60 minutos a la semana puede beneficiar a los niños diagnosticados con autismo”. La Universidad de Chichester señala que los resultados preliminares de una intervención de batería de 10 semanas que comprende dos 30 minuto de sesiones de batería por semana mostraron: Una gran mejora en el control del movimiento al tocar la batería, incluida la destreza, el ritmo y el tiempo. El control del movimiento también se mejoró al realizar tareas diarias fuera del entorno escolar, incluida una capacidad mejorada para concentrarse durante la tarea. Una variedad de cambios positivos en el comportamiento dentro del entorno escolar, que los maestros observaron e informaron, como una mejor concentración y una mejor comunicación con sus compañeros y adultos. Aunque varios estudios a lo largo de los años han aparecido en los titulares con afirmaciones similares, los diez años de investigación del Proyecto Clem Burke sobre los efectos de la batería sobre la salud y el comportamiento del cerebro le dan un peso particular a este estudio.

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Mira el documental sobre la banda mexicana Tijuana No!

La convicción política y las dinámicas fronterizas impregnan la trayectoria del grupo “Tijuana No”. El documental aborda más de dos décadas de historia musical de uno de los grupos representativos del rock nacional por sus ritmos y solidaridad con los movimientos sociales. “Tijuana No. Transgresión y Fronteras” from Atmósfera Audiovisual on Vimeo. “Tijuana No! es un grupo musical mexicano que fusiona rock, punk, reggae y ska, originario de Tijuana, México.1​2​ En sus letras, mantuvo temáticas como la crítica a temas sociales como la inmigración y la pobreza. Con su labor musical han apoyado a movimientos como el del Ejército Zapatista de Liberación Nacional y protestas contra la Ley Arizona”. Este documental fue inicialmente presentado en Festival Ambulante, organización sin fines de lucro dedicada a apoyar y difundir el cine documental como una herramienta de transformación cultural y social.  

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Quentin Tarantino presenta playlist con los soundtracks favoritos de sus películas

La música en las películas de Quentin Tarantino es tan fundamental como sus personajes. Para coincidir con el lanzamiento de “Once Upon a Time en Hollywood”, el director ha destacado algunas de estas canciones en una lista de reproducción especialmente curada de 4 horas. Piérdete en la lista de reproducción de Tarantino que presentamos continuación. Tarantino seleccionó un total de 70 canciones extraídas de su filmografía icónica. Entre sus favoritos están “Bang Bang” de Nancy Sinatra de la escena de apertura de Kill Bill: vol. 1 y selecciones de Pulp Fiction de “Jungle Boogie” de Kool & The Gang y Chuck Berry “You Never Can Tell”. “Apple Blossom”, de The White Stripes, también apareció en la lista de reproducción de Tarantino, al igual que Inglourious Basterds eligió “Cat People (Putting Out the Fire)” de David Bowie. Otras canciones de Johnny Cash, ZZ Top y Harry Nilsson fueron firmadas por el veterano cineasta. La mezcla comienza con una introducción grabada por el propio director de 56 años. “Siéntate, relájate y muévete al paisaje sonoro de una película de Quentin Tarantino. Tal vez nunca quieras irte.” “El cine de Tarantino (1963) ha sido elogiado por la crítica y ha gozado del favor del público general, que lo ha convertido en un éxito comercial. Por ello, ha recibido numerosos galardones, como dos premios Óscar, dos Globos de Oro, dos premios BAFTA y la Palma de Oro del Festival de Cannes. En 2005 la revista Time lo incluyó en su lista de las 100 personas más influyentes3​ y el cineasta e historiador Peter Bogdanovich también afirmó que es «el director más influyente de su generación». En diciembre de 2015, Tarantino recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por sus contribuciones a la industria del cine”.

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10 bandas alemanas, del Krautrock a la electrónica de los dos miles

Si se tiene la impresión de que Alemania tiene una débil variedad de bandas y música, entonces realmente se está perdiendo de la mejor música que va de los años sesenta al 2019. Es posible escuchar música sin saber que se está escuchando a alguna banda con una gran influencia alemana, o peor aún, que se trata de una banda alemana. Algunas de estas bandas han traducido sus canciones o cantan en inglés para llegar a un público más amplio, mientras que otras se han mantenido leales a su idioma y han transmitido sus sonidos a través de las ondas de radio. Aquí tenemos una lista de las mejores bandas alemanas que han influido en la música tal como la conocemos hoy. Mouse on Mars El IDM llegó a la escena musical a principios de los años noventas, mismas fechas en las que el dúo de música electrónica de Düsseldorf, Mouse on Mars nació. Sus miembros Andi Toma y Jan St. Werner hacen música con beats densos mezclados con ambient, algo de música industrial y tecno. Aunque muchos músicos electrónicos actuales confían únicamente en los instrumentos digitales y ritmos programados, Mouse on Mars tiene un lado claramente analógico que incluye instrumentos en vivo durante sus actuaciones y canciones grabadas y ejecutadas en programas creados por ellos mismos.  The notwist  Una banda de indie rock alemana que canta y actúa en inglés, formada a finales de los años ochentas saltó a la fama en la escena musical de los noventas y sigue activa actualmente. Se especializan en canciones realmente fantásticas para días lluviosos, especialmente si estás en un estado de hibernación profunda.  Can Una banda de rock experimental originarios de Colonia que es sin duda, una de las mejores de Alemania y muchos expertos están de acuerdo que son los responsables de crear el Krautrock, el género alemán musical por excelencia. Su música abarca desde finales de los sesentas hasta finales de los noventas, pero su influencia se ha extendido a bandas que conocemos y respetamos hoy.  Neu!  Nacidos en Düsseldorf en 1971 tras la reorganización de Kraftwerk, Neu! es una banda mundialmente reconocida como pioneros del Krautrock que han influido en muchos músicos  y productores de música electrónica actual. Un verdadero ícono de la historia musical alemana y mundial.  Tangerine Dream  Simplemente uno no se puede considerar fan de la música electrónica sin haber escuchado a Tangerine Dream. Comenzaron a finales de los años sesenta, reflejo de lo increíble que es su música y su trayectoria. Su sonido ha cambiado mucho a lo largo de los años, desde el rock de la nueva era hasta la psicodelia. Música absolutamente imprescindible para generar un ambiente de vibraciones extrañas y cósmicas. Apparat  Ritmos hilarantes, emociones fuertes y atmósferas épicas. Apparat es uno de los músicos techno más peripatéticos y aventureros de Alemania en la actualidad. Su carrera comenzó a finales de los años 90 con música para clubs vigorosa, antes de recurrir a ritmos emocionales, complicados y a experimentos de sonido electroacústicos. Cuanto más vanguardista se hicieron sus sonidos, más fuerte fue su talento para crear melodías pegadizas y de grandes gestos, abrazando e integrando sonidos imperfectos dentro de su grandiosa música. Faust A finales de los años sesenta y principios de los setenta en la Alemania occidental se formó una banda extraordinaria, ícono de la música experimental de la época junto con Can, Kraftwerk, Neu! y Cluster; con los mismos que hoy son considerados gran influencia de generaciones y géneros posteriores como el tecno, postpunk, electrodo, ambient y postrock. Con su álbum Faust IV, Faust alzó la mano en una creciente escena musical alemana y se volvió cabeza visible en un mundo exigente de sonidos nuevos e innovadores. Einstürzende Neubauten Comenzó en Berlín en 1980 y de inmediato aportaron una intensidad aterradora a su música y actuaciones en vivo que hizo que los actos industriales británicos parecieran casi corteses en comparación. Blixa y sus colaboradores usaron herramientas eléctricas y cualquier objeto como percusiones haciendo que las presentaciones de Einstürzende Neubauten parecieran más a un sitio en construcción que a un concierto: los miembros de Einstürzende Neubauten perforaban agujeros en el escenario, prendían fuego, ponían enormes tambores de petróleo suspendidos con cadenas sobre la audiencia y tocaban guitarras distorsionadas creando un caos rítmico que junto con la voz vibrante y cadavérica de Blixa grabaron varios de los álbumes más experimentales de la historial, casi imposibles de escuchar.  Cluster Al igual que muchos de sus pares del Krautrock, desde Tangerine Dream hasta Kraftwerk y Faust, la influencia de Cluster dentro de la música ambient, electrónica y rock de vanguardia desde principios de los años setenta ha sido significativa y amplia, quizá incluso más amplia que la mayoría, dado que el dúo nunca eligió una dirección o estilo para refinar y perfeccionar su música.  Kraftwerk  Por último, pero no menos importante, está Kraftwerk. Tal vez guardamos lo mejor para el final, o tal vez lo agregamos como un bono musical adicional para llegar al final de la lista, pero sabemos que valió la pena la espera. Kraftwerk, la mejor banda de música electrónica de todos los tiempos, si no fuera por Kraftwerk tal vez nunca habría llegado a las mentes y los oídos la música electrónica. 

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33 canciones que documentan la historia del punk femenino (1975-2015)

Las mujeres siempre han sido fundamentales para el punk rock. Como la veterana periodista punk y músico Vivien Goldman escribe en Pitchfork: “la resistencia a nuestra existencia fue un hecho reconocido de la vida”. Y, sin embargo, “el punk liberó a las músicas”, argumenta. Vivien Goldman sabe de lo que habla, después de haber observado de primera mano el rock antes de que el punk rompiera las barreras para las mujeres, y haber sido parte de eso. Goldstein presenta una lista de reproducción (verla más arriba) compilada por el personal de Pitchfork llamada “La historia del punk feminista en 33 canciones”, que en cierto modo actúa como un complemento crítico de una tendencia editorial reciente.   En los últimos años, hemos aprendido mucho sobre cómo se veían los momentos centrales del punk en las memorias de grandes nombres como Kim Gordon de Sonic Youth, Viv Albertine de Slits y Carrie Brownstein de Sleater-Kinney. En “Girl in a Band: A Memoir”, nos muestra el “asombroso nivel de violencia” que las Slits enfrentaron en las calles de Londres; y la autobiografía de Brownstein nos sumerge en la escena del noroeste del Pacífico de mediados de los años 90 y el intento de su banda de expandir la noción de lo que significa ser mujer.   El punk siempre ha tenido sus estrellas, pero su principal atractivo ha sido que cualquiera, sin importar quién, puede hacerlo, y todas las mujeres de arriba comenzaron con ese espíritu. Incluso si muchas de las mujeres que dejaron su sello en el punk temprano y después no se hicieron famosas, sus admiradores las recuerdan, al igual que los muchos miles de personas que las escucharon y luego comenzaron sus propias bandas. La compilación de Pitchfork no es simplemente “mujeres en punk”. Su lista de reproducción de 33 canciones sigue el hilo específico de lo que ellos llaman “punk feminista”, que significa “canciones que aclaran mensajes feministas”. La rúbrica significa que, además de las artistas mencionados anteriormente y bandas oscuras como The Bags y The Brat, los Fugazi aparecen en esta lista, a pesar de ser todos hombres, reciben una mención por su canción “Suggestion”, en la que Ian MacKaye canta a partir de una perspectiva sobre “la agresiva objetivación de los cuerpos de las mujeres”. La canción podemos considerarla como un momento importante para otras bandas de punk masculino que siguieron su ejemplo al denunciar el patriarcado. 

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