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La noche del viernes (6 de diciembre) fue bastante especial para los fans de Sonic Youth en ambas costas de Estados Unidos. En Nueva York, tres de los cuatro miembros de la banda —Thurston Moore, Lee Ranaldo y Steve Shelley— se reunieron en el escenario en The Stone durante la residencia de Thurston en el lugar, que concluye 7 de diciembre. Los asistentes relataron que interpretaron un set de improvisación de noise que duró aproximadamente una hora. Michael Azzerad, experto en Sonic Youth y autor de Our Band Could Be Your Life, describió el evento de esta manera: “Thurston, Lee y Steve de Sonic Youth tocaron en The Stone esta noche; fue mágico. Bob Dylan dijo una vez que lo grandioso del rock es que puedes escuchar un segundo de música desde un auto que pasa y saber quién es. Solo cuatro personas en el planeta pueden crear ese sonido característico de SY. Fue hermoso, incluso conmovedor.” Legado Musical Sonic Youth redefinió el uso de la guitarra en la música rock, empleando afinaciones poco convencionales y técnicas de preparación de cuerdas que producían sonidos únicos. Mezclaron elementos de noise, punk, rock experimental y vanguardia artística para crear un estilo característico que influyó en innumerables bandas y artistas de géneros como el grunge, el shoegaze y el indie rock. Su álbum “Daydream Nation” (1988) es considerado una obra maestra y fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de los Estados Unidos en 2005. Otros discos clave incluyen “Goo” (1990), “Dirty” (1992) y “EVOL” (1986). Impacto Cultural Sonic Youth no solo dejó su huella en la música, sino también en la cultura popular. Colaboraron con artistas visuales, cineastas y escritores, expandiendo el alcance de su influencia más allá de lo estrictamente musical. Kim Gordon, en particular, se ha convertido en un ícono feminista y una figura central en la intersección del arte y la música. La banda también fue conocida por su independencia artística. A pesar de firmar con grandes discográficas, siempre mantuvieron una estética DIY (hazlo tú mismo) y una actitud anti-comercial. Fin de la Banda En 2011, Sonic Youth anunció una pausa indefinida tras la separación de Kim Gordon y Thurston Moore, marcando el final de su trayectoria como grupo activo. Aunque sus miembros han seguido trabajando en proyectos individuales —como la carrera solista de Moore, los trabajos de Gordon en el arte y música, y las exploraciones sonoras de Ranaldo—, el impacto de Sonic Youth sigue siendo evidente en la música contemporánea.

Nota por: Paulina Santaella El autoproclamado circuito artístico del Centro Histórico: Infraleve no deja de sorprendernos. En poco menos de un año ha conseguido unir los museos de arte contemporáneo, las galerías y los foros exclusivos. En esta ocasión, una bodega transformada en espacio cultural llamada COA en la Col. Obrera albergará cuatro proyectos de avanzada con géneros muy distintos entre sí, quizá incluso opuestos. Pop Vs Experimentación Sonora es el estandarte que ondea en las tierras de la novedad, donde los géneros son sustancias que, al mezclarse, hacen esculturas sociales. El público de cada uno de estos distintos proyectos formará una escultura social ecléctica que será muy difícil de sorprender, ya que no tiene prejuicios musicales ni etiquetas una vez que se cancelan unos a otros sus géneros opuestos. Sin duda un temible line up, conformado por: Christian Dergarabedian: Fundador de Los Reynols en Argentina. Durante años formó parte de la escena de ‘avanzada’ musical en Barcelona, antes de que todo se hiciera caldo de cultivo para festivales turísticos. Su proyecto ‘Earzumba’ es considerado una de las expresiones pioneras de la sampledelia en hispanoamérica y ya luego con ‘Fred Lorca’ su trabajo se fue por el camino del ‘weirdo pop’, una especie de crítica y a la vez autocrítica suave a la canción de autor; rítmica repetitiva,con letrística reiterativa intencionadamente y una lógica propia a la hora de hacerse canción. Esta es su primera vez en México. Paola Galletta: Es una de las figuras más prominentes del performance actual, y tanto que lo experimenta desde dos facetas: la de artista y la de gestora.  Su obra artística ha ido incluso más allá del performance, integrando los medios visuales, la instalación, el cine expandido y el arte sonoro. Y es que solamente tal diversidad podría expresar la curiosidad humanística de Galletta, quien ha explorado temas epistemológicos, lógicos y psicológicos en sus proyectos.  Sus obra como gestora también trasciende medios, actuando no solo como promotora sino como artivista en acción por la cultura, el medioambiente, la sostenibilidad y la defensa de los derechos humanos. Ambas facetas de su obra han pisado México, Estados Unidos, Alemania, España, Francia, Brasil, Polonia y, más recientemente, China. En este último país ha dejado su huella a través del festival Transmuted que este año tuvo un intercambio de artistas con México y donde Galletta presentó su comentadísima pieza sobre el significado de caminar siendo mujer, analizando cuántos de estos pasos ya no regresan a casa. Gudinni Cortina: En lo intangible, tiene una búsqueda por alimentar el inconsciente, estimulando la animalidad para explorar la divinidad. En lo tangible, trabaja con sonido y medios visuales, usando muy variadas estrategias y tecnologías. Este camino le ha llevado a materializar procesos alquímicos plásticos audiovisuales, por ejemplo a través de sus exploraciones e investigaciones en el campo de la arqueología del formato. Su trabajo requiere permitirse el acto del asombro donde, má que la reutilización, es la ritualización de artefactos averiados u obsoletos, como micrófonos, tornamesas, fonocaptores, cámaras, osciladores, entre otros gadgets, a los caules además estimula o emulsiona con diversas técnicas y procesamientos de señal. Ha editado música para sellos tan diversos como Audition Records y Zoomin’ Night, además de presentarse en festivales alrededor del mundo: Festival Tsonami en Chile, Coded Cultures Fest en Austria, Festival Spektrum en Alemania, No Idea Festival en Estados Unidos. Si hay algo que impulsa el motor creativo del ámbito cultural contemporáneo es el trabajo de artistas como Gudinni que con su experimentación sonora y audiovisual no deja de explorar nuevos horizontes. Apache O’Raspi: Es creador de un pop fronterizo muy propicio para contemplar el atardecer en el desierto. Originario de Torreón, Coahuila y radicado en la CDMX desde el 2008, su música combina el folk mexicano y el estadounidense. Su lírica está influenciada por los dichos y dicharachos, la poesía latinoamericana, la jardinería punk y la hipersensibilidad al sonido. Durante su carrera ha colaborado con distintos productores y proyectos independientes: Suave as hell, Belafonte Sensacional, Volumina, Luisa Almaguer, Los Esquizitos, Lemat, Dorotheo, Los Amparito, Sr. Presidente, Adán Jodorowsky, entre otros. Como solista ha producido 5 álbumes y una variedad de sencillos. En Radio UNAM ha colaborado durante los últimos 10 años como productor y locutor del programa “Cultivo de Jercios“, el cual está enfocado en la promoción de la música emergente de la escena nacional. Arcangelo Constantini: Dedicado las últimas dos décadas a construir artefactos, describimos a Constantini como un inventor artístico y un especulador existencial. Parte importante de su investigación está orientada a la experimentación sonora donde, a través de sus artefactos, alimenta acciones y performance públicos. En la década del 2000 programó el primer foro para la música experimental y arte sonoro en Mexico, conocido como Foro Sonoro y que fue albergado en el Cyberlounge del museo Tamayo. También dirigió el espacio independiente 1/4 (un cuarto), realizando conciertos en inte(r)perie. Actualmente es codirector de Meditatio Sonus y director del Festival Facto. Natalia Montes: Su obra como DJ refleja su pasión como artista: el bajo eléctrico. NatWow creció rodeada de discos, lo que despertó su pasión por la música. Autodidacta en guitarra y bajo, estos instrumentos definieron su papel en las bandas que formaría. Estudió ingeniería en audio, explorando producción, sonido directo y diseño de audio. Como DJ, fusiona estilos eclécticos con líneas de bajo contundentes. Actualmente toca y canta en Viciedumbre, y programa y toca sintetizadores en LuNat. Cupo limitado la asistencia se confirma por registro en @infrafino las redes de Infraleve. La cita exclusiva será a las 9 pm del viernes 6 de dieciembre 2024. BOLETOS: https://www.passline.com/eventos/infralevitacion Nota por: Paulina Santaella

El prolífico cineasta Gary Hustwit, conocido por documentales como Helvetica (2007) y Objectified (2009), presenta su más reciente obra, Eno (2024), un íntimo retrato del legendario músico, productor y artista visual Brian Eno. Reconocido como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Eno ha dejado una marca imborrable como pionero del ambient, productor de álbumes icónicos y pensador interdisciplinario. Este documental promete adentrarse en las múltiples facetas de su carrera, explorando su impacto en la música, el arte y la cultura global. El Proyecto: Una Mirada Íntima y Experimental Eno se distingue de los documentales tradicionales por su enfoque colaborativo y experimental. Concebido en estrecha colaboración con Brian Eno, el filme ofrece un acceso sin precedentes a su proceso creativo, su pensamiento filosófico y su archivo personal, que incluye material nunca antes visto. Hustwit utiliza esta oportunidad para capturar el espíritu innovador de Eno, no solo como músico, sino también como artista visual y teórico. La película explora tanto sus logros más conocidos como sus proyectos menos convencionales, desde la creación del género ambient con álbumes como Ambient 1: Music for Airports (1978), hasta su influencia en el diseño de experiencias sonoras en espacios públicos. Además, Eno indaga en su filosofía de la creatividad, sus reflexiones sobre la tecnología y el medio ambiente, y su compromiso con el cambio social a través del arte. Brian Eno: Un Visionario Polifacético Brian Eno inició su carrera en los años 70 como miembro de Roxy Music, pero pronto se alejó del rock tradicional para forjar un camino propio como productor y artista. Su contribución como productor de álbumes para artistas como David Bowie (Heroes, Low), U2 (The Joshua Tree, Achtung Baby) y Talking Heads (Remain in Light) redefinió los estándares de la producción musical, combinando tecnología de vanguardia con una sensibilidad artística única. Sin embargo, su obra más revolucionaria probablemente se encuentra en la música ambient, un género que Eno definió como “música diseñada para inducir calma y espacio para pensar”. Desde entonces, sus innovaciones han trascendido la música, incursionando en instalaciones artísticas, proyectos tecnológicos y colaboraciones interdisciplinarias. El Enfoque de Gary Hustwit Hustwit, conocido por su habilidad para narrar historias visuales que conectan diseño, cultura y tecnología, utiliza en Eno una combinación de entrevistas, grabaciones de archivo y segmentos experimentales que reflejan la naturaleza ecléctica del artista. Una de las características más destacadas del documental es el uso de obras visuales creadas por Eno, muchas de las cuales forman parte de sus instalaciones artísticas. Estas piezas, que incluyen proyecciones y obras digitales, no solo ilustran su capacidad para fusionar sonido y visualidad, sino que también sirven como vehículo para transmitir su filosofía de la creatividad como un proceso abierto y evolutivo. Además, la película incluye comentarios de colaboradores y admiradores, como músicos, artistas visuales y pensadores culturales, quienes reflexionan sobre el impacto de Eno en sus propias disciplinas. Explorando los Grandes Temas de Brian Eno El documental se estructura en torno a los temas clave que han definido la carrera de Brian Eno: El Legado de Eno a Través de “Eno” Eno no solo celebra la carrera de Brian Eno, sino que también invita al espectador a reflexionar sobre la conexión entre creatividad, tecnología y humanidad. Más allá de ser un documental biográfico, la obra de Hustwit se posiciona como una exploración de cómo el arte puede transformar nuestra percepción del mundo y nuestro lugar en él. En un momento en el que la tecnología y el arte convergen de maneras nunca antes vistas, el enfoque interdisciplinario y visionario de Brian Eno es más relevante que nunca. Eno captura no solo su legado, sino también su capacidad de inspirar a futuras generaciones a pensar más allá de los límites establecidos. Conclusión El documental Eno promete ser una pieza esencial para entender la trascendencia de Brian Eno como una figura clave en la cultura contemporánea. Con el enfoque distintivo de Gary Hustwit, la película ofrece una ventana única al mundo de un artista cuya obra ha desafiado las categorías tradicionales y ha reimaginado la relación entre sonido, imagen y pensamiento. Para fanáticos de la música, el arte y la creatividad, Eno será una experiencia imperdible que celebra a uno de los grandes innovadores de nuestro tiempo.