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En una era donde la música suele fabricarse en soledad frente a una pantalla, donde los beats se programan y las voces se autoajustan hasta perder cualquier imperfección humana, el gesto del Karen Zárate Quartet al grabar “Impulso” en tomas únicas, sin red, sin posibilidad de corrección, adquiere una dimensión casi política. Es una declaración de principios: esto sucedió, y sucedió así, y no volverá a suceder igual. Hay algo profundamente conmovedor en escuchar un disco donde se percibe a los músicos escuchándose mutuamente. Parece obvio, pero no lo es. En gran parte de la producción musical contemporánea, la escucha ha sido reemplazada por el click, por la pista separada, por la posibilidad infinita de editar hasta que todo encaje en una perfección estéril. El cuarteto de Karen Zárate, en cambio, nos recuerda que el jazz, en su esencia más pura, no es un género: es una ética. La ética de estar presente, de responder, de asumir el riesgo de que el otro haga algo inesperado y tener que seguirle el paso. La decisión de trabajar a partir de fragmentos, “frases, dibujos o escenarios a completar” en lugar de partituras cerradas es reveladora. Zárate no impone; propone. No dicta; sugiere. Y al hacerlo, confía en sus músicos no como ejecutantes, sino como coautores. Enrique Jiménez (saxofón), Katzer Suárez (piano) e Ian Gurman (batería) no están ahí para “interpretar” las ideas de la contrabajista; están para completarlas, para darles carne y aliento, para llevarlas a lugares que quizás ella no había imaginado. Esa confianza, esa generosidad creativa, es quizás el gesto más radical en un medio artístico a menudo dominado por el ego y el control. “Lluvia”, la pieza más celebrada del EP, funciona como manifiesto de esta filosofía. No describe la lluvia desde afuera; la construye desde dentro. Cada instrumento aporta una textura, una capa, un matiz. Y el contrabajo, gracias también al trabajo excepcional de grabación de Jan Boker, puede permitirse el lujo de ser melódico sin dejar de ser rítmico, de flotar sobre la textura colectiva sin perder su función de ancla. Es una lección de equilibrio: cómo ser protagonista sin dejar de ser parte. Pero lo que hace verdaderamente especial a “Impulso” es que esta filosofía colectiva no resulta en un producto frío o intelectual. Por el contrario, hay una calidez, una humanidad, que atraviesa cada nota. Se siente la incertidumbre real en los compases iniciales de “Carnaval”, cuando piano y batería aún no saben bien qué hacer. Se siente el riesgo asumido en “Armolodía”, esa pieza que su propia autora describe como “la más fea” y que sin embargo contiene una honestidad desarmante. Se siente, sobre todo, el placer de cuatro personas haciendo música juntas, en el mismo lugar, al mismo tiempo. En un mundo que nos empuja cada vez más hacia el aislamiento digital, hacia la comunicación mediada por pantallas, hacia la producción musical en compartimentos estancos, escuchar “Impulso” es un recordatorio de lo que estamos perdiendo. La música, en su forma más vital, no es un producto: es un encuentro. Y el Karen Zárate Quartet nos invita a ser testigos de ese encuentro, a asomarnos a esa habitación donde cuatro almas deciden, durante el tiempo que dura una toma, confiar la una en la otra. Que haya sido grabado en un estudio que lleva la palabra “free” en su nombre —Pesticide Free Music— no es casualidad. La libertad, aquí, no es ausencia de reglas, sino **presencia de escucha**. Libertad para proponer y para responder, para guiar y para dejarse llevar, para equivocarse y para acertar colectivamente. “Impulso” es un disco breve —apenas un EP— pero su resonancia promete ser larga. No solo por la calidad de sus composiciones o la destreza de sus intérpretes, sino por lo que representa: la supervivencia de una forma de hacer música que confía en lo humano por encima de lo tecnológico, en el riesgo por encima de la seguridad, en el encuentro por encima del aislamiento. En tiempos de inteligencia artificial y producción algorítmica, el jazz sigue siendo, afortunadamente, un territorio donde lo único que no se puede simular es la escucha genuina. Karen Zárate y su cuarteto lo saben. Y nos lo recuerdan con cada nota.

El productor, músico y compositor José Biggs lanza “Deseos Hipnóticos”, una pieza que fusiona de manera sutil y envolvente sonidos del R&B, el Neo Soul y el Indie Pop, explorando una de las fuerzas más antiguas e inherentes al ser humano: el deseo. El placer, el contacto y la conexión con el otro se convierten en el eje central de esta propuesta profundamente íntima. Compuesta, producida, arreglada y mezclada por Biggs en su estudio LaZotea, en Ciudad de México, la canción cuenta con las interpretaciones vocales de Elvis De Yongol y Connie Isla. Elvis aporta un rap urbano potente y contagioso, sumándose también como compositor, mientras que Connie impregna el tema de sensualidad y calidez a través de una interpretación delicada, marcada por susurros y matices envolventes. La colaboración con Elvis surgió tras coincidir en una gira de Kim Loaiza y JD Pantoja, donde Biggs reconoció su talento y afinidad artística. Aunque el cantante ha destacado principalmente en el urbano y el reggaetón, esta invitación lo llevó a explorar una faceta más cercana al R&B y a una estética indie, logrando una interpretación más desnuda y emocional. Para completar la triada vocal, Biggs encontró en Connie Isla la voz ideal tras descubrir su álbum “Isla Mater”. Su experiencia en el Neo Soul y la sensualidad natural de su timbre aportaron la pieza faltante para construir una interacción vocal cargada de intimidad y complicidad. La grabación se realizó en LaZotea (CDMX), en un proceso orgánico que refleja el espíritu de la canción: suave, lenta y profundamente emocional. “Deseos Hipnóticos” cuenta además con un videoclip oficial dirigido por Faride Schroeder, una propuesta visual que traduce la carga sensorial del tema en una narrativa sutil entre la cercanía emocional y la distancia, reforzando la idea del deseo como una experiencia tanto física como imaginada.

El multiinstrumentista y productor Marco Benevento anuncia su llegada al aclamado sello Big Crown Records con el lanzamiento de su vibrante nuevo sencillo, “Frizzante”. Este movimiento marca un nuevo y emocionante capítulo para un artista cuya carrera se ha definido por una curiosidad sin límites y una maestría en el estudio que lo ha convertido en un colaborador codiciado. Benevento, un nombre respetado tanto en circuitos de jazz como de indie, ha forjado su reputación siendo un “alquimista de géneros”. Desde los escenarios de Coachella y el Newport Jazz Festival hasta las credenciales de producción para artistas como Clairo y Leon Bridges, su enfoque siempre ha priorizado la textura, la atmósfera y la colisión fértil entre el groove y la experimentación. Como señaló NPR, su música equilibra “el empuje del rock, la exploración del jazz y el éxtasis experimental del jam”. “Frizzante”, su debut en el catálogo de Big Crown, es una declaración de principios sonora. La pista es un banger soul-jazz efervescente, diseñado para la pista de baile. Desde un riff de piano contagioso e inmediato, la canción construye un edificio sonoro en ascenso constante, con capas de metales exuberantes, piano eléctrico y sintetizadores que orbitan alrededor de un groove implacable. Es una celebración pura, sin respiros, que encapsula el espíritu lúdico y la energía palpable que caracterizan su sonido. El lanzamiento se complementa con el lado B “Turandot”, una colaboración con la vocalista italiana Marianne Mirage. Esta pieza ofrece un contraste atmosférico y onírico, evocando un cruce entre Stereolab y Portishead, y demuestra la versatilidad y profundidad del proyecto de Benevento. Con este nuevo hogar en Big Crown, conocido por su cuidado catálogo de soul y funk contemporáneo de alta calidad, Marco Benevento se prepara para llevar su singular visión musical a un público aún más amplio.

Una misteriosa transmisión de radio en Lituania ha puesto en circulación el rumor de un álbum escurridizo titulado “Paradiso – L’Ange Exterminateur“. El disco, descrito como “el Evangelio según Paradiso” por un locutor anónimo, se emitió durante un programa sobre interferencias de onda corta en una madrugada de abril, sin que se conozcan ni su origen exacto ni la fecha de su grabación. Desde entonces, circulan múltiples relatos contradictorios sobre su creación. Las historias sobre la producción del álbum son numerosas y fantásticas. Una versión sostiene que fue grabado con equipo analógico dañado durante un eclipse parcial en lugares que “ya no existen”, como una embajada soviética abandonada en Ciudad de México o una iglesia en ruinas en Galicia. Otra teoría sugiere que el disco, en realidad, no existe como una pieza unificada, sino que es una colección de fragmentos soñados y grabados por más de 30 músicos repartidos en tres continentes. Incluso se menciona el uso de una calculadora Casio modificada por un brujo zapoteco como instrumento clave. Musicalmente, se dice que el trabajo es un collage translingüístico y “multipalindrómico”. Los testimonios indican que contiene mensajes en hasta 15 lenguas, incluyendo idiomas muertos, esperanto quebrado y mezclas de portugués con alemán suabo. Su estructura permitiría escucharlo de principio a fin o en orden inverso, revelando cada vez una historia distinta pero complementaria, similar a “evangelios gnósticos perdidos”. Un tema mezclaría *samples* con percusión africana y voz en náhuatl con autotune. El grupo detrás del proyecto, Paradiso, se describe como “una banda europea con alma mexicana”, comandada por un enigmático vocalista mexicano. Se rumorea que está compuesto por mujeres europeas que nunca han tocado en vivo pero “lo saben todo”. Con su leyenda creciendo en la oscuridad de las ondas de radio y los relatos orales, L’Ange Exterminateur se consolida menos como un disco y más como un mito moderno, un presagio sonoro cuyo mensaje final sigue siendo un misterio guiado, según dicen, por un ángel exterminador desde las sombras.

El proyecto musical Cluster Trees ha lanzado su nuevo sencillo titulado “Y tal vez”, una canción que explora con sutileza el terreno emocional de las dudas, la esperanza y las posibilidades no dichas. La pieza, disponible ya en todas las plataformas digitales, construye una atmósfera íntima donde la vulnerabilidad y la expectativa se entrelazan. Con una narrativa sugerente, “Y tal vez” se sumerge en el vaivén interno de preguntarse “qué pasaría si…”, sin ofrecer respuestas definitivas. La composición apuesta por la contención: cada elemento musical está diseñado para acompañar la tensión de la espera y la posibilidad, creando un espacio sonoro que crece de forma pausada y permanece resonando después de la escucha. Con este lanzamiento, Cluster Trees reafirma su sello característico: la capacidad de contar historias emocionales complejas desde la introspección lírica y los paisajes sonoros cuidadosamente construidos. El proyecto, conocido por privilegiar la honestidad y una conexión directa con la audiencia, no busca resolver la incertidumbre en esta canción, sino abrazarla y convertirla en el motor creativo que sirve de punto de encuentro con el público.

Definitivamente la nostalgia del Nu Metal estará muy presente este 2026 en CDMX, con bandas como Korn, SOAD, Deftones y ahora Ill Niño, llegando a nuestra ciudad. Para celebrar los 25 años de un disco que marcó a toda una generación: Revolution Revolución, la banda Ill Niño anuncia dos fechas en la Ciudad de México: 14 y 15 de abril en el FvckOffRoom, por lo que es un buen momento para irte preparando para revivir la potencia de los ritmos latinos mezclados con el metal más agresivo en un show íntimo y explosivo. Recordemos que la banda esta conformada por integrantes de Venezuela, Perú, Brasil, Guatemala, México, República Dominicana, razón por la cual ha sido conocida por integrar letras en español y versiones completas en este idioma. Es por eso que aquí te dejamos algunos de sus temas más destacados en este idioma: Versiones en Español: • How Can I Live (Spanish Version) • What Comes Around (Spanish Version) Canciones con títulos / letras en español: • De Sangre Hermosa • Me Gusta La Soledad • Estoy Perdido • I Am Loco (Mezcla de inglés y español) • Si una Vez (El Rockero) (Cover de Selena) • Te Amo… I Hate You • Revolution Revolución Muchos de sus temas del álbum Enigma (2008) profundizan en sus raíces latinas, mismas que le han dado una identidad dentro del Nü Metal.

Del 13 al 15 de febrero de 2026, el santuario natural de Las Estacas, Morelos, volverá a convertirse en uno de los espacios más inspiradores para la escucha en vivo en México. La edición 2026 del Festival Bahidorá presenta un mapa sonoro que atraviesa géneros, geografías y generaciones, reafirmando su estatus como un encuentro donde la música contemporánea se vive desde la diversidad, la naturaleza y la comunidad misma. En el escenario principal, Sonorama, nombres que han marcado la música electrónica y más allá encabezan una programación que combina introspección y euforia: Four Tet, cuyo enfoque experimental y orgánico sigue redefiniendo la electrónica moderna; Daphni (alias de Caribou), un maestro de la pista que mezcla cultural club con sensibilidad melódica; y VTSS, energía techno pura que renueva el pulso de la música de baile. Otros actos en vivo como Kings of Convenience, celebrados por su folk íntimo y sereno, BB Trickz con su híbrido de rap y atmósferas etéreas, Kid Francescoli y Paloma Morphy redondean un lineup que se siente a la vez emocional y expansivo. La electrónica global encuentra su epicentro en El Cubo, con figuras legendarias como Ricardo Villalobos (marca histórica con su primera presentación en México), The Blessed Madonna, Helena Hauff, Roza Terenzi, Cinthie y DJ Seinfeld. A su lado, el talento local como Bluecommand aporta brillo propio a una escena club vibrante y en constante evolución. Bahidorá también reconoce el presente y futuro de la música latina en La Estación, donde ecos urbanos, alternativos y tropicales se entrelazan. Artistas como Crudo Means Raw, Ela Minus, Ruzzi, PabloPablo, Macario Martínez, Rosas, Los Pirañas, Los Thuthanaka y Chico Sonido constituyen una muestra potente de creatividad emergente, mostrando que la música latina contemporánea no se limita a un solo sonido, sino que abraza múltiples identidades y ritmos. Además, la edición 2026 celebra conexiones culturales únicas con presentaciones de colectivos internacionales como Rainbow Disco Club (Japón) y Giegling (Alemania), así como colaboraciones con colectivos nacionales como Boyanza, Diáspora, Fünk Club y Noche Negra, reforzando el espíritu colaborativo del festival. El cierre del domingo promete ser inolvidable con Mad Professor & Ariwa All Stars, Sonido La Changa, Rio Kosta, Desiree, un DJ Set de Ry X y un esperado B2B sorpresa para coronar el fin de semana. Más que un simple cartel, Bahidorá 2026 es una invitación a reconectar con la música como experiencia orgánica y colectiva, donde cada escenario se convierte en una oportunidad para descubrir sonidos que desafían categorías, para escuchar con atención y para sentir el arte como parte integral del entorno natural que lo abraza. Adquiere tus accesos en este link: https://www.bahidora.com/boletos