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Los invitamos al Taller de Composición Creativa en Ableton Live

En junio y julio los invitamos a la segunda edición de los talleres de Composición Creativa en Ableton, en horario sabatino modalidad online. La idea es tener un espacio dedicado a adquirir habilidades técnicas en Ableton, recursos de composición para el desarrollo de la creatividad musical y una guía para desarrollar una voz individual artística. Estos talleres están diseñados con un enfoque centrado en la creatividad y en obtener habilidades técnicas y artísticas para la composición en Ableton Live. Las sesiones van a estar divididas en secciones pensadas para adquirir recursos técnicos, desarrollar habilidades de composición y perfeccionar un estilo personal y discurso artístico. Durante el proceso, se realizarán ejercicios creativos aplicando técnicas de composición para desarrollar ideas musicales. El proceso culminará en la creación un track que refleje la voz individual de les participantes. Impartido por NnuxHabrá 2 niveles / grupos: Fundamentos (principiante), Desarrollo Creativo (intermedio). Grupo 1: FundamentosEste grupo es para ti si:-Tienes cero o poca experiencia en Ableton Live-Quieres adquirir los fundamentos técnicos para iniciar a producir y componer música-Quieres comenzar a explorar tu creatividad musical Grupo 2: Desarrollo CreativoEste grupo es para ti si:-Tienes experiencia en Ableton Live pero quieres profundizar más en tus herramientascreativas de compoisición-Tienes ideas creativas que quieres aterrizar-Te interesa profundizar en la búsqueda de tu voz creativa individual Costos:$2400 MXN o $120 USD en total por todo el cursoPago anticipado:$2000 MXN o $100 USD en total por todo el curso Informes por DM o en [email protected] Nnux (Ana E. López) es una artista multidisciplinaria, compositora y productora de música originaria de la Ciudad de México. Su práctica mezcla música electrónica y acústica, performance, instalación y arte digital. Ha sido comisionada por Alarm Will Sound (NYC), Metropolis Ensemble (NYC) y Unheard-of Ensemble (NYC). Fue una de las integrantes del proyecto MUXX, que recibió la Beca de Arte y Tecnología otorgada por el Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Ana ha se ha presentado y/o ha exhibido en Roulette Intermedium (NYC), Public Records (NYC), el Dimenna Center (NYC), LA Dance Project (LA), el Festival Berdache (Barcelona), el Laboratorio Arte Alameda (CDMX), Festival Ceremonia (CDMX) y el Teatro de la Ciudad (CDMX). Ana estudió interpretación y composición musical en el New England Conservatory en Boston y en la Escuela Superior de Música en México.

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“Pretty Little Baby” revive la carrera de Connie Francis, ícono viral

A sus 85 años, Connie Francis, una de las voces más influyentes de la música pop de los años 50 y 60, está experimentando un renacimiento inesperado gracias al éxito viral de “Pretty Little Baby” en TikTok. La canción, grabada en 1962 y que en su momento pasó desapercibida en las listas, hoy ha catapultado a la artista a una nueva era de relevancia, demostrando que su legado musical sigue más vivo que nunca. Un resurgimiento generacional Mientras muchas leyendas de su época han quedado en el archivo musical, Francis ha logrado lo que pocas artistas clásicas consiguen: conectar con una audiencia joven. La canción, con su melodía nostálgica y letra tierna, se ha convertido en un soundtrack masivo para videos de bebés, mascotas y moda retro en TikTok, acumulando más de 15 millones de creaciones y 10 billones de vistas en la plataforma. “Estoy emocionada y abrumada. Grabé esta canción hace 63 años, y ahora una nueva generación la está descubriendo. ¡Es increíble!”, expresó Francis, quien en décadas recientes había mantenido un perfil bajo. Impacto en streaming y reconocimiento renovado El fenómeno TikTok ha tenido un efecto dominó en su carrera: Además, las versiones internacionales de “Pretty Little Baby” (antes disponibles solo en vinilo) han sido lanzadas en streaming por primera vez, atrayendo a fans antiguos y nuevos en español, francés, italiano y más. Reconexión con el público y legado reforzado Antes de este boom, Francis era recordada por clásicos como “Who’s Sorry Now” y “Where the Boys Are”, pero su nombre no resonaba con fuerza en la cultura pop actual. Hoy, su resurgimiento la ha colocado de nuevo en conversaciones globales, con medios y jóvenes fans explorando su discografía. “Esto no solo es un hit viral, es la reivindicación de una artista que rompió barreras en su época grabando en múltiples idiomas y siendo una de las primeras mujeres en dominar la industria”, comentó un crítico musical. ¿Qué sigue para Connie Francis? Aunque la cantante no ha anunciado nuevos proyectos, el éxito de “Pretty Little Baby” ha generado especulaciones sobre posibles reediciones, documentales o incluso sincronizaciones en películas y series que aprovechen su nostalgia. Mientras tanto, Francis disfruta este segundo aire: “La música es atemporal, y este momento me lo ha confirmado. ¡Gracias a todos los que están haciendo que mi historia siga viva!”. Con este resurgimiento, Connie Francis no solo recupera un lugar en las listas, sino que reafirma su estatus como una leyenda eterna de la música.

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Stereolab – Instant Holograms on Metal Film: Radiografías del futuro a través del pop retrofuturista

Veintitantos años después de haber definido una estética que parecía pertenecer al futuro y al pasado al mismo tiempo, Stereolab regresa con Instant Holograms on Metal Film, un álbum que revalida su papel como alquimistas del pop conceptual. Lejos de ser un simple regreso nostálgico, el disco expande su paleta sonora con una claridad casi holográfica, como si los sonidos vinieran impresos sobre el mismo material reflectante del título: pulidos, brillantes, en capas, pero con un mensaje que atraviesa el tiempo. Filosofía retrofuturista en alta resolución Desde los primeros segundos del corte de apertura, “Anti-Gravitational Days”, queda claro que Stereolab no ha perdido la capacidad de componer desde una lógica propia, una que conecta el krautrock motorik con loops electrónicos al estilo Broadcast, sintetizadores analógicos burbujeantes, y la voz suave de Lætitia Sadier operando como guía filosófica más que como vocalista. En este disco, Stereolab suena menos vintage y más transdimensional. La textura analógica sigue ahí, pero ahora pareciera que han absorbido las lecciones de las generaciones que ellos mismos influenciaron: desde el post-rock glitch de Tortoise hasta el art-pop de Cate Le Bon, pasando por la psicodelia sintética de Melody’s Echo Chamber. Corte y montaje: estructura en collage Instant Holograms… no es un álbum que funcione en línea recta. Su estructura recuerda a un montaje cinemático. Temas como “Le Son Géométrique” y “Eternal Scanning Apparatus” se fragmentan, se recomponen, mutan sobre sí mismos, como si Stereolab hubiera tomado ideas del cubismo sonoro y del collage dadaísta, un recurso que ya venían trabajando desde Dots and Loops (1997), pero que aquí se siente más refinado. Los arreglos de cuerdas digitales conviven con percusiones sintéticas minimalistas, guitarras limpias con delays al estilo bossa nova de ciencia ficción y textos hablados en francés e inglés que alternan entre lo poético y lo político. Utopía crítica: pensamiento dentro del pop Como ha sido su marca durante décadas, Stereolab no se limita a hacer música “bonita”; su pop es una plataforma de reflexión. “All holograms are real in the eye of the system”, recita Sadier en “Ontology Loops”, una pieza que desentraña la idea de la imagen simulada como herramienta de poder. Hay aquí una crítica a la era digital sin caer en sermones, sino tejiendo conceptos filosóficos dentro de melodías dulces. En lugar de denunciar desde lo explícito, Stereolab sugiere, pregunta, insinúa. El título del álbum es revelador: Instant Holograms on Metal Film es una imagen ambigua, pero poderosa, que podría aludir a la forma en que nuestras realidades se proyectan y se registran—una crítica sutil a los dispositivos de la memoria contemporánea y al archivo como forma de control. Relevancia en 2025: más actuales que nunca Stereolab ha sido constantemente redescubierto por nuevas generaciones. Su reactivación a mediados de la década de 2010, impulsada por reediciones y festivales, se ha transformado en una nueva etapa creativa que evita el cliché del “revival”. Este nuevo álbum no solo revitaliza su legado: lo reactualiza. Mientras bandas nuevas copian su estilo superficialmente, Stereolab demuestra por qué su música sigue siendo radical: porque nunca fue sobre la estética, sino sobre el pensamiento. Conclusión: un manifiesto sónico Instant Holograms on Metal Film es, en el mejor de los sentidos, un disco difícil de etiquetar. Es pop intelectual, electrónica orgánica, krautrock meditativo, arte conceptual disfrazado de canción. Como toda obra importante, no busca complacer de inmediato: exige escucha, reflexión y tiempo. Y en ese proceso, Stereolab vuelve a hacer lo que siempre ha hecho: expandir los límites del pop como forma de pensamiento.

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Brian Eno: El arquitecto de paisajes sonoros cumple hoy 77 años

En la vastedad de la música contemporánea, hay figuras que trascienden el tiempo, que no solo interpretan melodías sino que esculpen el espacio mismo donde la música vive, respira y florece. Brian Eno es, indiscutiblemente, uno de esos arquitectos sonoros que desafían los límites del sonido, el pensamiento y la creación. Su legado es un tapiz en el que se entrelazan lo experimental, lo atmosférico y lo profundamente humano. De la tierra a los cielos sonoros: un viaje en constante expansión Desde su nacimiento en 1948 en Woodbridge, Inglaterra, Eno mostró un espíritu inquieto, curioso y audaz. Su paso por Roxy Music como tecladista y sintetista marcó el inicio de una carrera que no tardaría en desviarse hacia terrenos más inexplorados. Su partida de la banda fue el punto de inflexión hacia una identidad artística centrada en la expansión del concepto musical. En sus primeros discos en solitario, como Here Come the Warm Jets (1974) y Another Green World (1975), Eno ya esbozaba esa amalgama de pop experimental con trazos de arte sonoro. Sin embargo, fue en 1978 cuando definió el curso de un género completo con Ambient 1: Music for Airports, una obra que no busca llamar la atención, sino habitar el espacio, como un eco prolongado en la memoria. El sonido como experiencia: la música generativa Si el ambient es un refugio, la música generativa es una meditación en movimiento. Eno abrazó la idea de que la música podía evolucionar por sí misma, desarrollándose en bucles interminables que nunca se repiten exactamente igual. En álbumes como Reflection (2017), su música se convierte en un organismo vivo, donde cada reproducción ofrece una experiencia distinta. Este enfoque lo distingue como un visionario, un alquimista que convierte algoritmos en poesía sonora. Colaboraciones que cambian paradigmas El genio de Eno no se limita a su obra en solitario. Ha sido el cómplice perfecto para artistas que buscan trascender sus propios límites. Junto a David Bowie, forjó la trilogía de Berlín, donde el rock se volvió más introspectivo y conceptual. Con Talking Heads, abrió el art punk hacia la música africana en Remain in Light (1980). Y con U2, expandió la épica del rock hacia una sensibilidad más etérea en The Joshua Tree (1987). Otros artistas, desde Coldplay hasta James Blake, han recurrido a su capacidad para añadir profundidad y textura a sus obras, demostrando que Eno no solo crea mundos sonoros propios, sino que también amplifica las voces de aquellos que lo rodean. Datos curiosos y reflejos del genio El legado inmortal La música de Brian Eno no muere; se transforma, se adapta, se funde con el entorno. A sus 77 años, sigue demostrando que la música puede ser tanto un refugio íntimo como un manifiesto político. Su habilidad para fusionar el pensamiento crítico con la creación espontánea lo convierte no solo en un pionero, sino en un eterno explorador. Hoy, en su cumpleaños, celebramos no solo al artista, sino al filósofo del sonido, al poeta que dibuja universos auditivos y al maestro que nos enseña a escuchar lo que normalmente pasaría desapercibido. Gracias, Brian Eno, por hacernos escuchar el silencio con otros oídos. Discografía en solitario Here Come The Warm Jets (1974)Taking Tiger Mountain (By Strategy) (1974)Another Green World (1975)Discreet Music (1975)Before And After Science (1977)Ambient 1: Music For Airports (1978)Music For Films (1978)Ambient 4: On Land (1982)Apollo: Atmospheres And Soundtracks (1983)Music For Films Volume 2 (1983)Thursday Afternoon (1985)Nerve Net (1992)The Shutov Assembly (1992)Neroli (1993)Headcandy (1994)The Drop (1997)Another Day On Earth (2005)Lux (2012)The Ship (2016)Reflection (2017)Sisters (2017)Music For Installations (2018)Rams-Original Soundtrack Album (2020)

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“Eggy Gonzmar estrena ‘Fotos’, una balada rock que evoca la nostalgia de los recuerdos”

El músico y creador de contenido mexicano Eggy Gonzmar, también conocido como Eggy Gm, arranca el 2025 con el lanzamiento de “Fotos”, un sencillo que combina la esencia del rock melódico con toques contemporáneos. La canción, una balada emotiva, funciona como un homenaje a aquellos instantes capturados en imágenes, donde los recuerdos perduran más allá del tiempo. Con una producción que equilibra piano, guitarras y sintetizadores, “Fotos” logra un sonido cálido y nostálgico, pero sin perder frescura. Gonzmar describe la pieza como una carta de amor a las memorias que se resisten a desvanecerse: “Quise crear algo que resonara con esa sensación de mirar una foto antigua y revivir lo que sentías en ese instante”, explica el artista. Este lanzamiento no solo refuerza su estilo —una mezcla de rock, pop y elementos retro con un enfoque moderno—, sino que también anticipa una serie de proyectos musicales planeados para este año. Con una carrera que abarca composición, producción y ejecución del bajo en proyectos independientes, Eggy ha consolidado una identidad sonora que conecta con un público diverso. Además de su labor musical, su presencia en redes sociales y colaboraciones con festivales y marcas en la CDMX lo han posicionado como un artista versátil y en constante evolución. “Fotos” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a los oyentes a sumergirse en una experiencia auditiva cargada de emotividad.

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Nicolas Jaar: Space Is Only Noise – Un viaje a las profundidades del sonido

Desde el instante en que Space Is Only Noise comienza a deslizarse por los oídos, queda claro que Nicolas Jaar no se conforma con las convenciones. Su primer disco de larga duración, lanzado en 2011, no solo desafió las expectativas de la electrónica contemporánea, sino que también construyó un universo propio donde el sonido se convierte en un lenguaje tan expresivo como el silencio que lo rodea. Jaar no se apresura. Cada pista se despliega con la paciencia de quien entiende que el espacio entre las notas es tan vital como las notas mismas. “Etre” abre el disco con un murmullo espectral: voces distantes, grabaciones de campo y una paleta sonora que parece haberse destilado en la penumbra. Es un preludio que advierte al oyente: este viaje es interior, un recorrido por paisajes que oscilan entre la memoria y el ensueño. Lo que sigue es un desfile de texturas que se deslizan con elegancia entre el downtempo, el ambient y la experimentación minimalista. “Colomb” es un hechizo susurrado, donde la voz de Jaar se funde con una cadencia hipnótica, casi ritual. “Too Many Kids Finding Rain in the Dust” se desliza como un eco de jazz desarticulado, donde los instrumentos parecen respirar por sí mismos, mientras que “Keep Me There” juega con un bajo pulsante que evoca un latido primigenio. El corazón del álbum, sin embargo, yace en la pieza titular. “Space Is Only Noise If You Can See” no solo define el concepto del disco, sino que encapsula su filosofía: el sonido es maleable, un ente vivo que se pliega al antojo del artista. La voz de Jaar, susurrante y a ratos inasible, navega entre la claridad y la penumbra, mientras la instrumentación se disuelve en un mar de resonancias. Jaar no teme a la quietud. Canciones como “I Got a Woman” y “Balance Her In Between Your Eyes” se desenvuelven con la delicadeza de un hilo de humo, mientras que “Specters of the Future” se siente como la banda sonora de un sueño fragmentado, donde los ecos del pasado se entrelazan con vislumbres del porvenir. En Space Is Only Noise, el tiempo se desintegra. Las estructuras tradicionales se diluyen en favor de una narrativa sensorial donde lo importante no es la melodía, sino el espacio que la rodea. Jaar no busca respuestas, sino provocar preguntas. Cada sonido, cada pausa, es una invitación a sumergirse en la profundidad del silencio. Es un disco que respira. Un artefacto sonoro que no se conforma con ser escuchado, sino que demanda ser habitado. Nicolas Jaar no solo crea música: esculpe atmósferas, dibuja paisajes invisibles y, en el proceso, redefine los límites de lo que un álbum de electrónica puede ser. En un mar de producciones que buscan la inmediatez, Space Is Only Noise es un recordatorio de que la verdadera magia del sonido radica en su capacidad de evocar lo que no se puede nombrar. Un viaje a la deriva, donde el espacio no es ruido, sino la materia prima de la emoción.

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El dilema del fin de quincena: cómo comprar con Rappicard en Walmart

A todos nos ha pasado: abres la app del banco y la realidad golpea fuerte. Justo cuando necesitas hacer el súper, renovar algo en casa o caer en la tentación de un gadget, tu presupuesto parece decirte que no es el momento. Pero, ¿y si pudieras darte ese gusto sin sentir el golpe inmediato en tu cartera? Ahí es donde entra RappiCard, que ahora te deja pagar en Walmart a meses sin intereses (MSI). Sí, sin dramas financieros. Más libertad para comprar sin remordimientos Ya sea que necesites llenar el refri, cambiar ese electrodoméstico que ya pide descanso o simplemente darte un respiro con algo nuevo, ahora puedes diferir tus compras en Walmart con RappiCard. Sin anualidad, sin comisiones sorpresa, solo flexibilidad total. ¿Cómo funciona? Así de sencillo: Más razones para usar RappiCard Además de hacerte la vida más fácil en Walmart, RappiCard también te da: “Nuestro objetivo es que nuestros usuarios tengan más opciones para administrar su dinero de manera inteligente, sin dejar de lado sus necesidades y deseos. La alianza con Walmart refuerza nuestro compromiso de hacer las compras más accesibles y flexibles”, comentó RappiCard. Compra sin miedo al fin de mes Si ya tienes RappiCard, solo aprovéchala. Si aún no la tienes, quizá es momento de considerar una forma más inteligente de comprar. Walmart y RappiCard ahora te dan más opciones para administrar tu dinero sin que el fin de quincena te tome por sorpresa. Acerca de RappiCard Lanzada en 2021, RappiCard nació de la alianza entre Rappi y Grupo Financiero Banorte. Es una tarjeta de crédito Visa sin anualidad ni comisiones, aceptada en miles de comercios en México y el extranjero. Con beneficios como cashback en cada compra y la posibilidad de diferir pagos sin intereses, se ha convertido en una opción ideal para quienes buscan flexibilidad y control financiero. Conoce más en rappicard.mx.

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Nex explora el amor y la obsesión en su nuevo single: una historia de fantasía y realidad

Nex, uno de los nombres más respetados en la escena hip hop de México, acaba de lanzar un nuevo single que promete sacudir la escena musical. Con una carrera forjada en las calles de Nezahualcóyotl, el rapero y productor sigue demostrando por qué es uno de los artistas más auténticos y respetados del género. El nuevo tema, producido por Dabeat on the beat, fusiona el hip hop con un toque de reggaetón romántico, creando una atmósfera sonora que atrapa al oyente desde el primer compás. La canción narra una historia de amor y fantasía, explorando cómo el enamoramiento puede convertirse en obsesión. El videoclip, por su parte, profundiza en esta idea, mostrando al protagonista persiguiendo a una mujer que, poco a poco, se revela como una ilusión. Este lanzamiento no solo refuerza el lugar de Nex en la escena musical, sino que también abre una nueva etapa en su carrera, marcada por una madurez artística y una capacidad narrativa que pocos pueden igualar.

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