Depósitio Sonoro

2024

Vicente Jáuregui Explora Nuevas Dimensiones Musicales con “Lava”

Vicente Jáuregui, un nombre consolidado en la escena musical mexicana, ha lanzado su nuevo sencillo “Lava”, una obra que marca un hito significativo en su carrera. Este tema no solo representa una evolución en su estilo musical, sino que también ofrece una exploración profunda de la pasión humana a través de una composición meticulosa y una producción impecable. Una Narrativa Intensa “Lava” se distingue por su narrativa intensa y emocional. La canción describe la pasión entre dos individuos con una intensidad comparable a un volcán en erupción, un símil que Vicente utiliza para ilustrar la química desbordante de la pareja protagonista. La letra, escrita en un momento de inspiración onírica, añade una capa de misticismo y profundidad a la experiencia auditiva. La creación de “Lava” fue un proceso rápido pero profundamente colaborativo. Vicente escribió la canción dos días antes de dirigirse a Cuernavaca para grabar su EP con el reconocido productor Pepe Pecas. En una semana, lograron grabar todas las canciones, un testimonio de la química y la eficiencia en el estudio. La producción de Pepe Pecas, combinada con la mezcla de Omar Durán, ha dado lugar a un sonido que, aunque retro, se siente contemporáneo gracias a los elementos digitales incorporados. Influencias y Sonoridad Musicalmente, “Lava” refleja las influencias de bandas icónicas de los 90 como Portishead, con la integración de baterías y sintetizadores que evocan a Air, y armonías que recuerdan a Radiohead. La voz de Vicente, con claras influencias de Cerati, añade una dimensión emocional que eleva la canción. Esta combinación de elementos crea una experiencia auditiva rica y multifacética, atractiva tanto para los nuevos oyentes como para los seguidores de siempre. Con “Lava”, Vicente Jáuregui no solo reafirma su talento y versatilidad como músico, sino que también marca un nuevo capítulo en su trayectoria artística. Este sencillo es un anticipo del EP que verá la luz en octubre, y promete ser una pieza clave en su discografía. Para aquellos interesados en la evolución de la música contemporánea, “Lava” es una obra que merece ser escuchada y apreciada en toda su complejidad.

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Nuestras Manos Son Incendios: Adiós Cometa presenta su primer álbum oficial

Reverb, chorus, delay. Shoegaze, post-rock, dream pop y ambient. Desde San José de Costa Rica surge Adiós Cometa, banda que comenzó en 2019, justo antes de la pandemia, con la idea de hacer música juntos y grabar. El tiempo libre durante la pandemia les permitió enfocarse en producir y lanzar su EP debut La Isla Que Somos. Las experiencias en vivo post-pandemia moldearon un sonido más libre y natural, que se refleja en cada tema de su nuevo y primer álbum oficial, Nuestras Manos Son Incendios, placa que marca la cúspide de cuatro años de trabajo.  El disco abarca un amplio rango de influencias de todos los miembros de la banda, y cada canción es un testimonio del sonido distintivo de la banda, con diez canciones que capturan la vibrante diversidad sonora y estética que el grupo ha estado explorando incansablemente. Esta es una nueva era para Adiós Cometa, con el álbum ya disponible en todas las plataformas digitales. Además, la disquera estadounidense Daydream Records lanzará una edición en vinilo, Velvet Blue Music de California una edición en CD y el sello costarricense Furia una edición en cassette.  Checa el video para “Diente de León”, track en colaboración con los mexicanos No Somos Marineros. En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Emanuel Mora, guitarrista y uno de los tres vocalistas de la banda, y el batería Pablo Matamoros, quienes nos compartieron sobre la música costarricense, sus dinámicas creativas, lo duro que es construir una escena y la mezcla de gustos y talentos de 5 músicos que buscan expandir su sonido y hacerlo llegar a diversas partes del mundo.    ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info: 

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Discos black metal de 2024 que mantienen el género y sus variaciones

La escena escandinava de principios de los 90, más conocida como black metal puede atestiguar las múltiples variedades del subgéneros, ya sea el black metal atmosférico, el black metal melódico, el black metal depresivo y el blackgaze. Es difícil saber a dónde ir o qué es el black metal cuando las bandas más importantes del género no se consideran completamente black metal o simplemente son demasiado duras para oídos flexibles y delicados. El black metal es un espectro, un ingrediente y un género. En 2024, su influencia ha traspasado sus raíces y se ha extendido a una música que ciertamente no es black metal. Sabiendo que el black metal en sus formas más puras (si uno considerara Nattens Madrigal de Ulver como su forma más pura) puede ser duro, vale la pena ver cuánto black metal hay en algunos de los álbumes de black metal más destacados de este año.1. Alcest – Les Chants de L’AuroreAlcest no es una banda de black metal y Neige, el hombre principal del grupo, ha admitido durante mucho tiempo que no toca black metal con Alcest. A pesar de esas advertencias, las raíces del género alguna vez fueron el tronco y la corteza de Alcesto. Cedieron cuando Neige creció como compositor y exploró sus otras fascinaciones, a saber, el shoegaze y la música clásica, ya que se adaptaban mejor a su misión específica pero difícil de manejar: transportar a los oyentes a un lugar fantástico en el que sólo él ha estado. 2. Darkthrone – It Beckons Us All It Beckons Us All es el metal más negro que Darkthrone ha tenido en mucho tiempo, aunque no de la forma con la que se les asocia más comúnmente. Han pasado décadas desde que abandonaron la pintura de cadáveres y desde entonces han mutado a través de varias épocas diferentes, la última de las cuales es hija de Mercyful Fate y Celtic Frost. Actualmente, son el grupo de más alto perfil que mantiene viva la primera ola de black metal de la década de 1980. 3. Narzissus – Akt III: Erl​ö​sung  Akt III: Erl​ö​sung es el siguiente paso hacia el famoso sonido black metal de la segunda ola de black metal. Pero Narziso no encaja en ese molde. Publica fotos de sí mismo con autos Mercedes-Benz antiguos mientras usa gafas de sol de carreras y camisetas blancas de gran tamaño. Sus proyectos fuera de Narzissus, Bergfried y Ancient Mastery, son tan heavy metal y épicos como Devil’s Horns y Conan. Llegan a Narziso de la forma más agradable; en otras palabras, solistas de guitarra grandes y sexys. El hombre principal, Erech Leleth, desliza la postura del heavy metal a través de las grietas, inflando su pecho y plantando su bandera en el suelo. En la práctica, crea un timbre de black metal más cálido que conserva su filo a través de la voz infernal de Leleth. 4. Hekseblad – Kaer MohrenEl álbum debut de Hekseblad, Kaer Mohren, es la elección puritana de la lista porque cumple con muchos de los requisitos que requiere el black metal tradicional; voces guturales, producción de cajas de zapatos, ritmo vertiginoso y temática de fantasía demasiado entusiasta. No es necesario mencionar la técnica de punteo del trémolo porque sabes que están ahí. Demonios, incluso tiene una cubierta azul y morada. Para todos los efectos, es el álbum de black metal más arquetípico de la lista. Si te gusta, te esperan Dissection y Sacramentum y otros actos de black metal melódico. No te faltarán álbumes que puedas poner y con los que relacionarte. 5. Udåd – Udåd El metal negro en bruto no es necesariamente la forma más pesada de metal negro, pero suele ser la más abrasiva. Los valores de producción caen en picado y las canciones veneran la repetición. La falta de variedad en la música, hasta el punto de que los riffs pueden perdurar sin cesar, es una decisión artística. Gran parte de esto es una barrera de entrada que muchos simplemente no desean traspasar, sin embargo, una vez que se supera, del otro lado está la negatividad y el expresionismo que no están limitados por los buenos gustos. Es el salvaje oeste del black metal. Para saber más lanzamientos de este 2024 sobre Black Metal te recomendados este video: Con información de Treble Zine.

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Touché Amoré – la banda de post hardcore regresa a México

Touché Amoré es una banda californiana del género post-hardcore, formada en el año 2007. Está formada por el vocalista Jeremy Nolm, los guitarristas Clayton Steven y Nick Steinhardt, el bajista Tiler Kirby y el baterista Elliot Babin. Touché Amoré es uno de los grupos más populares dentro de este género en todo el mundo, gracias a sus cuatro álbumes de estudio, EP’s o Splits con: Epitaph, Deathwish, 6131, No Sleep. Visito por primera vez en Ciudad de México en el Festival Marvin de la Ciudad de México, 2017 y el Foro Independencia de Guadalajara, Jalisco del mismo año. Este 19 de julio estarán de vuelta en nuestro país, en el Bajo Circuito de la Capital y el 20 de julio en el Festival Día Libre en Monterrey. Boletos disponibles. Además los acompaña Joliette y Camiches en su presentación del Bajo Circuito. Adquiere tu boletos en https://www.passline.com/eventos/touche-amorePuertas : 8:00 pm.$700

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Magia y mística narrada a través de la música de raíz: Rodrigo Gallardo presenta “Mundos” y “Viaje Astral”

A los 7 años comenzó a tocar. A los 16, ya componía sus propias canciones. Rodrigo Gallardo es un creador sensible, músico y productor chileno cuyo origen y sello de su sonido se basa en la música andina y de raíz latinoamericana, fusionada con samples, beats electrónicos y bajos profundos. Cantos, kenas y zampoñas, charangos, y guitarras, junto a líricas que buscan la conciencia colectiva y la conexión ancestral: el resultado es un folclor único que siempre ha sido parte de su vinculación con la música. Sus influencias musicales surgen del movimiento musical llamado “La nueva Canción Chilena”,  Violeta Parra,  Victor Jara, los Inti illimani, Quilapayun e Illapu. Por otro lado, está la parte electrónica a la que se vinculó y aprendió a profundidad durante los 10 años que dedicó a su banda Matanza, trío icónico con quienes publicó cinco producciones discográficas que de inmediato formaron parte del  movimiento de la electrónica orgánica global. “Creo que la misma relación con el arte musical, que ha sido parte de toda mi vida, me ha hecho vivir esta existencia creyendo más en la magia y en la mística que tenemos como seres espirituales que somos” “Mundos” es la primera canción que se desprende del que será el tercer álbum del precursor de la llamada folktronica, un track que nos invita a un viaje musical mágico, amplio y restaurador que mira hacia dentro y se expande hacia afuera, un tema que nos acompaña a desprendernos, visitar el universo y sumergirnos en nuestro propio cosmos. Tal y como Rodrigo acostumbra en sus procesos creativos, la rola surgió y se grabó en el estudio que tiene en casa, en su natal Chile, una pieza que engloba el sentido y concepto de todo el álbum que llevará el mismo nombre y que se dará a conocer en la segunda mitad del año. Ahora, también presenta “Viaje Astral”, segundo sencillo que habla directamente de su experiencia en estos otros mundos en donde se puede sentir y palpar la realidad, tan potente y conscientemente como lo es en este plano físico. En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Rodrigo sobre su gira europea, el acto en vivo, su cosmovisión del mundo y la importancia de la política y de la metafísica en su vida.   ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info: 

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Berlioz, sonidos que resuenan a fans del jazz y a entusiastas del house

Berlioz, también conocido como Tom Berlioz, es un músico, productor y DJ emergente inglés en la escena del jazz-house. Su trabajo ha empezado a ganar reconocimiento por su enfoque innovador y su habilidad para fusionar elementos del jazz con las estructuras y ritmos del house. Información Relevante Datos Curiosos Importancia en la Escena Musical En resumen, Berlioz es un artista prometedor en el mundo del jazz-house cuya importancia radica en su capacidad para innovar y fusionar géneros, creando un sonido único y atractivo que resuena tanto con los fans del jazz como con los entusiastas de la música electrónica.

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Historia del free jazz y algunos de sus artistas más importantes

El free jazz es un subgénero del jazz que surgió en la década de 1960 y se caracteriza por la improvisación libre, la ausencia de estructuras armónicas y rítmicas predeterminadas, y un enfoque experimental que rompe con las convenciones tradicionales del jazz. A continuación, se presenta un resumen de la historia del free jazz y algunos de sus artistas más importantes. Historia del Free Jazz Orígenes y Desarrollo Artistas Principales del Free Jazz Ornette Coleman John Coltrane Cecil Taylor Albert Ayler Sun Ra Pharoah Sanders Archie Shepp Legado del Free Jazz El free jazz ha dejado una huella duradera en la música contemporánea. Su enfoque en la improvisación y la libertad artística ha influido en numerosos géneros y ha abierto nuevas posibilidades para la experimentación musical. Aunque inicialmente fue recibido con escepticismo y controversia, el free jazz ha sido reconocido como una forma vital de expresión artística que continúa inspirando a músicos de todo el mundo.

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Ay Gregorio!: Cantos Gregorianos Renacidos en la Escena Musical Contemporánea

Nacido en la primavera de 2021, Ay Gregorio! es el alter ego de Iván Gutiérrez, un escritor y periodista bajacaliforniano que encontró en la música una forma de expresar las historias y emociones que lo atravesaban durante la pandemia de COVID-19. Inspirado por íconos como Johnny Cash, Chavela Vargas, Juan Cirerol, Leonard Cohen y Nacho Vegas, Gutiérrez ha creado una propuesta única que fusiona géneros como el rock alternativo, la balada romántica, la canción de autor, la música ranchera, el indie y el bolero. Los “Cantos Gregorianos Renacidos” de Ay Gregorio! consisten en siete canciones que transitan desde la introspección suave del folk y la balada romántica hasta la intensidad de la música ranchera alterada, con influencias del indie rock, el bolero y la tradición rupestre. Estas composiciones, cargadas de nostalgia, locura, euforia y amor, conectan al oyente con la distintiva “vibra depresivo-desmadrosa gregoriana” que caracteriza este proyecto. Cada canción es una narrativa que refleja las experiencias y emociones de Gutiérrez, ofreciendo un mosaico sonoro que invita al oyente a explorar una amplia gama de sentimientos. La influencia de artistas de renombre se entrelaza con la visión personal de Gutiérrez, resultando en un sonido fresco y auténtico que resuena profundamente con quienes buscan música que hable al alma. Las canciones de Ay Gregorio! no solo celebran la resiliencia frente a la pandemia, sino que también ofrecen un escape momentáneo de la existencia abrumadora y evocan la melancolía de un amor perdido. Su fusión contemporánea de country-folk alternativo cautiva al público con su honestidad y versatilidad musical. Así, Ay Gregorio! se presenta como una propuesta musical innovadora y emocionante que promete seguir evolucionando y sorprendiendo a sus seguidores. Con su combinación de géneros y su enfoque sincero, Ay Gregorio! está destinado a dejar una marca perdurable en la escena musical contemporánea.

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