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Blue Monday | El club de la tristeza vuelve después de siete años de silencio

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El club de la tristeza vuelve después de siete años de silencio. En el lugar de propuestas alternativas con más resistencia del centro histórico el Pasagüero que en este año festeja su 21 aniversario. Blue Monday ciclo de sesiones de música mensual Creado en 2013 después de una devastadora ruptura amorosa por Erick Diego el poeta de la depresión postparty.  Este espacio reúne lo mejor del punk, arte sonoro , ruido e improvisación. Irónicamente ecléctico presenta actos por lo general inclasificables acciones que pueden deambular en los sonámbulos participantes de un performance o las tenues  líneas exagonales delineadas en el aire por un vaporizador multicolor.En un mismo metro cuadrado. Los protagonistas en esta ocasión de una noche dedicada a David Lynch son : Ulalume. Cantante, productora, DJ y fotógrafa, ella formó parte de los inicios del Punk en México, al igual que de la música electrónica, y fue fundadora y lider de Casino Shanghai.Monserrat Coltello (1995) Poeta, artista y docente interesada en el material de archivo, collage sonoro, spoken word y performance. Forma parte del colectivo nuube. Ha publicado en la revista Grafografxs, en Niño Down editorial y Granuja Editorial. Actualmente reside en la CDMX. Thelema El flamante  proyecto de dos productores mexicanos: David Kontra y Master Rich Be junto con una cantante de República Checa: Mila Mala Klara, y hacen de la oscuridad  93 espacios para encontramos un dinamismo y atemporalidad en la forma que la música se va materializando, muy contadas veces se obtiene tanta oscuridad de beats tan luminosos y potentes. El trabajo de Enrique Ježik  se basa en prácticas multidisciplinarias centradas en el ataque directo a la censura, la vigilancia y las diferentes formas de control, siendo radicalmente crítico con los sistemas represivos normalizados, legales o falsamente democráticos y con las dinámicas de comunicación y politización de los medios de comunicación. Manuel Rocha Iturbide Además de ser un creador interdisciplinario, ha desarrollado múltiples investigaciones estéticas acerca del arte sonoro y la música Electroacústica y ha difundido el que hacer en México en estos dos rubros en diversas publicaciones tanto escritas como fonográficas. Explorador sonoro con raíces en lo místico y lo onírico, Esoetheric teje paisajes musicales que conectan cuerpo y mente. Su estilo combina Balearic House, Nu-Disco y texturas etéreas que transportan a lugares inesperados, siempre guiado por su pasión por los ritmos envolventes y el groove atemporal. Thelma AscencioLa voz como oficio. Cantante, educadora, locutora, dj, experimentadora del sonido, investigadora del lenguaje poético, ruidoso, musical y performático. Forma parte de la colectiva Nuube. IPSH Explora desde la narrativa audiovisual para crear  universos oníricos mezclando diferentes técnicas para realizar sus visuales. Su proceso creativo se centra en indagar la conexión qué hay entre el caos, el universo y el subconsciente navegando entre imágenes que llevan al receptor hasta lo más profundo del abismo. NAYELI SANTOS Ha desarrollado un cuerpo de obra interdisciplinario al combinar las artes vivas, la poesía, la instalación y la experimentación sonora y visual, para cuestionar los límites de la narrativa tradicional purista en las artes. Su obra se señalaría incluso como transdisciplinaria debido a las yuxtaposiciones que hace entre cuestionamientos-resistencias y el diálogo. Ricardo Pandal En 2004 funda Pasagüero en el Centro Histórico, lugar clave para que la escena alternativa, cultural y nocturna de la ciudad de México se encuentre, reconozca y asiente.Desde 2007 se ha involucrado en llevar muestras de la cultura contemporánea y alternativa de la ciudad de México a ciudades como Tokio, Shangai, Paris, Nueva York, Monterrey, Tijuana y Oaxaca entre otras. Mexican Rarities Es un sello discográfico y archivo que se dedica a la preservación y difusión del patrimonio sonoro de México. Fue establecido formalmente el 13 de enero de 2021.Fundada por Arturo Castillo y Alfredo Martínez, posteriormente con la incorporación de Víctor Garay y Juan Pablo Villegas, este proyecto surge con la misión de reconocer y resaltar la riqueza musical de México a través de una variedad de formatos, incluyendo discos de vinilo, cassette y plataformas digitales. La cita es en el corazón del centro histórico en la calle de motolinia número 33 hoy lunes 20 de enero el día más triste del año a las ocho de la noche.

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Blue Monday: El Significado Cultural y Musical del Día Más Triste del Año

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Blue Monday es un concepto que resuena tanto en el ámbito cultural como en el musical, encapsulando emociones de melancolía, introspección y renacimiento. Este término se asocia con dos aspectos destacados: Ambos contextos convergen para explorar cómo la tristeza puede transformarse en arte y conexión humana. El Blue Monday en la Cultura Popular El concepto del Blue Monday como “el día más triste del año” fue introducido en 2005 por el psicólogo Cliff Arnall. Según su fórmula pseudocientífica, el tercer lunes de enero es el momento en que las personas sienten el peso combinado de varios factores negativos: Aunque muchos critican la validez científica del concepto, el Blue Monday ha calado profundamente en la cultura popular, convirtiéndose en una metáfora de la tristeza colectiva y una invitación a reflexionar sobre cómo lidiar con las emociones negativas. “Blue Monday” de New Order: El Himno Electrónico de la Melancolía El término Blue Monday también está intrínsecamente ligado a New Order, quienes lanzaron el sencillo “Blue Monday” en 1983. Este tema se convirtió en un emblema de la música electrónica y una de las canciones más influyentes de la historia moderna. El Significado Musical y Cultural de la Canción La Relación Entre Blue Monday y la Emoción Humana Ambos significados del Blue Monday, ya sea como concepto cultural o como canción, giran en torno a la melancolía y su expresión. En la música, la tristeza a menudo se convierte en una fuerza creativa, permitiendo a los artistas y oyentes procesar emociones complejas. “Blue Monday” representa cómo la música puede capturar un estado emocional colectivo y trascenderlo, mientras que el día como concepto cultural subraya la necesidad de abrir diálogos sobre salud mental y bienestar emocional. Cómo el Arte Transforma la Tristeza El Blue Monday nos recuerda que la tristeza es una emoción universal, pero no está exenta de belleza y significado. Tanto en la música como en la vida, estos momentos pueden ser oportunidades para reflexionar, conectar y crear. Ya sea en una pista de baile al ritmo de New Order o enfrentando los desafíos emocionales de la vida diaria, el Blue Monday simboliza la capacidad humana para encontrar luz incluso en los días más oscuros. ¿Y tú? ¿Qué significa el Blue Monday en tu vida y tu experiencia musical?

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Marshall Allen: Un Nuevo Amanecer para una Leyenda del Jazz Experimental

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Marshall Allen, el icónico saxofonista y líder del mítico Sun Ra Arkestra, ha anunciado su esperado debut como solista con el álbum titulado “New Dawn”. Este lanzamiento marca un hito en la prolífica carrera de uno de los músicos más vanguardistas e influyentes del jazz experimental. A sus casi 101 años, Allen sigue demostrando que la creatividad no tiene límites de tiempo ni espacio. Marshall Allen: Pionero y Visionario del Jazz Cósmico Desde que se unió al Sun Ra Arkestra en 1958, Marshall Allen ha sido una pieza fundamental en la expansión del jazz hacia territorios desconocidos. Con su distintivo estilo en el saxofón alto y el EWI (Electronic Wind Instrument), Allen ha contribuido a redefinir el género, mezclando free jazz, improvisación y una cosmovisión cósmica única. Como líder del Arkestra desde el fallecimiento de Sun Ra en 1993, Allen ha mantenido viva la esencia del colectivo mientras empuja constantemente los límites del sonido y la improvisación. Sin embargo, “New Dawn” marca un nuevo capítulo en su trayectoria, al presentarlo en un contexto más personal y directo. “New Dawn”: Exploración Personal y Libertad Creativa El álbum, cuyo lanzamiento está programado para principios de 2025, promete ser una obra íntima que encapsula décadas de experiencia, innovación y exploración. Según declaraciones de Allen, “New Dawn” es un tributo a las ideas de renovación y continuidad, una celebración de la creatividad como un ciclo interminable. Lo que se sabe del álbum hasta ahora: El Legado de Marshall Allen y el Significado de “New Dawn” A lo largo de su carrera, Marshall Allen ha sido un testigo y protagonista de la evolución del jazz. Desde las revolucionarias composiciones de Sun Ra hasta las modernas interpretaciones del Arkestra, su aporte ha dejado una huella imborrable en el género. “New Dawn” no solo es su primer álbum solista, sino también un testamento de su relevancia continua en el panorama musical. En un momento en que muchos artistas se retiran, Allen se reafirma como un faro de creatividad y resistencia. Reacciones y Expectativas El anuncio de “New Dawn” ha generado entusiasmo entre críticos y fanáticos del jazz por igual. Muchos ven este trabajo como una ventana a la mente de uno de los músicos más enigmáticos de todos los tiempos. Si bien Allen ha sido parte de innumerables grabaciones, este álbum ofrece una oportunidad única para escuchar su visión sin intermediarios. Además, el lanzamiento coincide con un renovado interés por el legado de Sun Ra y su Arkestra, lo que sitúa a Marshall Allen en el centro de un resurgimiento cultural y artístico. Un Futuro Brillante para una Estrella Cósmica Marshall Allen sigue recordándonos que el arte no tiene fecha de caducidad. A través de “New Dawn”, no solo celebra su vasta trayectoria, sino que también inspira a nuevas generaciones a explorar, innovar y mirar hacia las estrellas. Mientras esperamos el lanzamiento de este esperado álbum, Allen nos invita a acompañarlo en un viaje hacia un nuevo amanecer musical, una experiencia que promete ser tan única como el propio Marshall Allen. ¿Estás listo para embarcarte en esta odisea cósmica? “New Dawn” será más que un álbum; será un recordatorio de que la música tiene el poder de trascender el tiempo y el espacio.

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Avishai Cohen Trio: Jazz Contemporáneo con Raíces Profundas

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El Avishai Cohen Trio es un proyecto liderado por el contrabajista, compositor y vocalista Avishai Cohen, uno de los músicos de jazz más influyentes y versátiles de su generación. El trío combina el virtuosismo técnico con una profunda conexión emocional, explorando una fusión de jazz contemporáneo, música clásica y raíces del folclore israelí y del Medio Oriente. Orígenes y Formación Avishai Cohen nació en Kibbutz Kabri, Israel, en 1970. Después de mudarse a Nueva York en los años 90, comenzó a tocar con grandes figuras del jazz, como Chick Corea, quien fue una influencia clave en su desarrollo artístico. Aunque ha liderado diversos formatos musicales a lo largo de su carrera, el formato de trío (contrabajo, piano y batería) se ha convertido en una de sus expresiones más icónicas. A lo largo de los años, el trío ha tenido varias formaciones, colaborando con talentosos músicos como: Estilo Musical El Avishai Cohen Trio se caracteriza por: Canciones como “Seven Seas”, “Chutzpan”, y “Emotional Storm” son ejemplos de su capacidad para equilibrar la complejidad técnica con una sensibilidad emocional. Discografía Destacada Algunos de los álbumes más representativos del Avishai Cohen Trio incluyen: Presencia en Vivo El Avishai Cohen Trio es reconocido por sus impresionantes presentaciones en vivo. Los conciertos son experiencias intensas, donde la química entre los músicos y su habilidad para improvisar generan momentos únicos. Cohen también se involucra vocalmente en algunas piezas, agregando otra capa emocional a sus actuaciones. Legado y Relevancia El Avishai Cohen Trio ha redefinido el formato clásico del trío de jazz, integrando influencias multiculturales y expandiendo los límites del género. Su música trasciende las barreras idiomáticas, logrando una conexión profunda con audiencias de todo el mundo. Cohen y su trío siguen siendo una fuerza creativa en constante evolución, demostrando que el jazz es un lenguaje universal capaz de reinventarse continuamente.

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Bass Workship: The History & Influence of Dub & Soundsystem Culture (2020), Mini Docu sobre el Dub y su influencia en la música

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Un viaje al corazón del bajo y su impacto global El documental BASS WORSHIP: The HISTORY & INFLUENCE of DUB & SOUNDSYSTEM CULTURE (2020) es una obra esencial para los amantes de la música y la cultura global del bajo. Dirigido por el cineasta británico Mark Irwin, este documental examina la evolución del dub y su impacto en los sistemas de sonido (soundsystems), explorando cómo estas expresiones musicales y culturales originadas en Jamaica han influido en géneros como el reggae, el hip-hop, el drum and bass, y la música electrónica contemporánea. Un Origen en Jamaica: El Nacimiento del Dub El documental inicia en la década de 1960 en Kingston, Jamaica, donde el dub surgió como una extensión del reggae. A través de entrevistas con pioneros como King Tubby, Lee “Scratch” Perry y Errol Thompson, el documental resalta cómo el dub nació de la manipulación creativa de pistas de reggae en estudios de grabación. Al despojar las canciones de sus voces y enfatizar el bajo y la percusión, estos productores revolucionaron la música, utilizando efectos como el eco, el delay y el reverb para crear paisajes sonoros que parecían trascender lo físico. El dub no era solo un género, sino una experiencia inmersiva que llevó la producción musical al primer plano, cambiando el rol del productor en la industria. Soundsystems: Altavoces del Bajo BASS WORSHIP dedica una gran parte de su narrativa a los sistemas de sonido, que se convirtieron en una plataforma fundamental para el dub. En Kingston, los soundsystems no eran solo altavoces masivos; eran comunidades culturales. A través de sonidos poderosos y vibraciones de baja frecuencia, estos sistemas dieron vida a fiestas en la calle, eventos comunitarios y competencias musicales que definieron la vida social en Jamaica. El documental destaca a figuras icónicas como Coxsone Dodd (Studio One) y Duke Reid, quienes establecieron las bases para los soundsystems modernos. También explora la conexión espiritual que el dub tiene con el rastafarismo, representando el bajo como un elemento que une a las personas en un estado de meditación colectiva. La Expansión Global del Dub Con imágenes de archivo y entrevistas a artistas internacionales, el documental traza el viaje del dub fuera de Jamaica. En los años 70 y 80, el dub se fusionó con otros géneros y encontró nuevos públicos en Reino Unido y Estados Unidos, dando lugar a movimientos culturales como: Un Legado Cultural y Sonoro BASS WORSHIP también aborda la influencia cultural del dub en movimientos sociales. Los soundsystems no solo fueron un medio para disfrutar música; también se convirtieron en una herramienta de resistencia, unidad y expresión comunitaria, especialmente en las diásporas caribeñas en Reino Unido. Desde festivales como el Notting Hill Carnival hasta eventos underground en Europa y Japón, el documental muestra cómo la esencia del dub y los soundsystems sigue viva y resonando en todo el mundo. Estilo Visual y Sonoro del Documental El trabajo de Mark Irwin combina imágenes de archivo, recreaciones visuales y un diseño sonoro inmersivo que da vida al impacto físico del bajo. Con una banda sonora que incluye a artistas clásicos y contemporáneos, el documental permite a los espectadores sentir literalmente las vibraciones que han definido generaciones. Conclusión BASS WORSHIP: The HISTORY & INFLUENCE of DUB & SOUNDSYSTEM CULTURE es más que un documental musical; es un tributo a una forma de arte que ha trascendido fronteras geográficas y culturales. Al explorar cómo el dub y los soundsystems se convirtieron en fuerzas de cambio e inspiración, el documental recuerda que el poder del bajo no solo reside en su sonido, sino en su capacidad para conectar a las personas. Para quienes buscan comprender las raíces y la trascendencia de la música moderna, BASS WORSHIP es una obra imprescindible que no solo se escucha, sino que se siente en cada fibra del cuerpo.

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Blue Note Records: La Casa del Jazz Revolucionario

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Desde su fundación en 1939, Blue Note Records ha sido más que un sello discográfico; ha representado un legado imborrable en la historia del jazz, promoviendo la creatividad, la experimentación y la autenticidad artística. Fundado por Alfred Lion y Max Margulis en Nueva York, el sello se estableció con un compromiso inquebrantable con la calidad del jazz en su forma más pura, convirtiéndose en una plataforma para artistas visionarios que redefinieron el género. Los Inicios y la Filosofía Alfred Lion, un inmigrante alemán apasionado por la música negra americana, tuvo la visión de capturar el jazz auténtico en sus grabaciones. En su primer lanzamiento, el pianista Meade Lux Lewis presentó una obra que marcó el tono para la misión del sello: priorizar la expresión artística por encima de las restricciones comerciales. La frase “It must schwing!” de Lion encapsuló el ethos de Blue Note, enfatizando el ritmo, el alma y la autenticidad. La Era Dorada del Hard Bop Durante las décadas de 1950 y 1960, Blue Note se convirtió en un centro neurálgico para el hard bop, un estilo que fusionaba el bebop con el blues, el gospel y el R&B. Este período dorado contó con lanzamientos de artistas icónicos como: Diseño Visual y Estética El impacto de Blue Note no se limitó a lo auditivo; también definió una estética visual distintiva. Reid Miles, diseñador gráfico del sello, creó portadas icónicas que combinaban fotografías en blanco y negro de Francis Wolff con diseños tipográficos audaces y gráficos minimalistas. Estas portadas no solo capturaron la atención de los oyentes, sino que también simbolizaron el modernismo del jazz. Renacimiento en la Era Contemporánea Aunque Blue Note enfrentó desafíos durante los años 70 y 80, la adquisición por parte de EMI en 1985 marcó el inicio de un renacimiento. Bajo la dirección de Bruce Lundvall y posteriormente de Don Was, el sello revivió su legado, atrayendo tanto a nuevas generaciones de músicos como a audiencias modernas. Artistas contemporáneos como Norah Jones, Robert Glasper y Kamasi Washington han llevado el espíritu innovador de Blue Note hacia nuevos horizontes, incorporando elementos de R&B, hip-hop y electrónica. Legado y Relevancia Actual Hoy en día, Blue Note Records sigue siendo un símbolo de excelencia musical. Su catálogo, que abarca desde el swing hasta el post-bop y el jazz experimental, sirve como testimonio de su compromiso con la evolución del género. El sello también organiza festivales y eventos que celebran su historia, conectando a los pioneros del jazz con las estrellas emergentes. Conclusión Blue Note Records es más que un sello discográfico; es un faro cultural que ha elevado el jazz a alturas inimaginables. Su influencia trasciende la música, dejando una marca indeleble en el arte, el diseño y la sociedad. En cada nota, cada portada y cada grabación, Blue Note encapsula la esencia de un género que sigue evolucionando, pero que nunca pierde su raíz: la libertad creativa. Checa todas las playlist que tiene Blue Note Records: https://open.spotify.com/user/bluenoterecords

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Perverts, el nuevo disco de Ethel Cain, entre glaciares, reverberaciones profundas y atmósferas inquietantes

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Ethel Cain, el alter ego artístico de Hayden Anhedönia, ha lanzado su nuevo proyecto titulado “Perverts” el 8 de enero de 2025. Este trabajo sigue a su aclamado álbum conceptual de 2022, “Preacher’s Daughter”, pero se desvía notablemente en términos de estilo y estructura. “Perverts” se presenta como una colección de nueve pistas que suman aproximadamente 90 minutos de duración. A diferencia de un álbum tradicional, este proyecto explora paisajes sonoros experimentales que fusionan elementos de drone, ambient y slowcore. Las composiciones se caracterizan por tempos glaciares, reverberaciones profundas y una atmósfera inquietante que sumerge al oyente en una experiencia auditiva cinematográfica y perturbadora. El proyecto se abre con una versión distorsionada del himno “Nearer, My God, To Thee”, estableciendo un tono sombrío que se mantiene a lo largo de la obra. Temas como “Punish” y “Vacillator” destacan por sus exploraciones de placer y dolor, utilizando riffs de guitarra ominosos y voces etéreas que reflejan las luchas internas y traumas personales de Cain. Las influencias de Cain, incluyendo su crianza en la Primera Iglesia Bautista y su experiencia como mujer trans en un entorno conservador, impregnan profundamente las temáticas del proyecto. “Perverts” aborda temas de trauma sexual y religioso, utilizando repeticiones inquietantes y espacios sonoros negativos que invitan al oyente a una interpretación personal sin proporcionar explicaciones claras. Aunque este proyecto puede desconcertar a algunos oyentes debido a su naturaleza experimental y su alejamiento de las estructuras convencionales, representa el compromiso de Cain con una expresión artística auténtica y sin concesiones. “Perverts” desafía las expectativas y amplía las percepciones de los límites musicales, consolidando a Ethel Cain como una artista dispuesta a explorar las profundidades de la emoción humana y la experiencia sonora.

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Geordie Greep y su revolución sonora en The New Sound

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El álbum The New Sound marca un hito en la carrera del enigmático y talentoso Geordie Greep, mejor conocido como el vocalista y guitarrista de la aclamada banda británica black midi. En este proyecto solista, Greep se aventura más allá de las complejas estructuras experimentales y los arreglos alucinantes que lo han definido, ofreciendo una propuesta musical que desdibuja géneros y desafía convenciones. Un paso fuera de black midi Desde su irrupción con black midi, Greep se ha distinguido por su capacidad para transformar sonidos caóticos en piezas que equilibran virtuosismo técnico con sensibilidad artística. Sin embargo, The New Sound representa un giro: aquí se muestra como un creador independiente, despojándose parcialmente del frenesí colectivo de su banda para abrazar un enfoque más íntimo y personal. El disco no abandona la experimentación, pero sí adopta un tono más introspectivo. Mientras que black midi puede ser un caos calculado, este álbum es un reflejo de las inquietudes individuales de Greep, explorando temáticas como el aislamiento, la creatividad y la percepción en un mundo saturado de información. Explorando el sonido de The New Sound El álbum se estructura como una especie de collage sonoro que atraviesa diversas influencias. Desde momentos de minimalismo puro hasta explosiones de energía frenética, The New Sound es una obra impredecible que exige atención cuidadosa. Producción y colaboradores Para The New Sound, Greep trabajó con una serie de colaboradores inesperados, incluyendo músicos de jazz contemporáneo y productores especializados en música electrónica experimental. La producción, rica en detalles y capas, resalta cada matiz de las composiciones de Greep. El álbum también se beneficia de un enfoque menos convencional en la grabación. Utilizando técnicas analógicas y digitales, Greep crea un espacio sonoro que es tanto futurista como nostálgico. Recepción crítica y legado Desde su lanzamiento, The New Sound ha recibido elogios por su audacia y originalidad. Críticos han destacado la habilidad de Greep para desafiar las expectativas mientras mantiene una conexión emocional con su audiencia. Si bien algunos seguidores de black midi podrían encontrar el álbum más accesible, otros lo han señalado como un ejemplo de cómo la experimentación puede equilibrarse con la claridad artística. Este álbum reafirma a Geordie Greep como una de las mentes más creativas de su generación. Su capacidad para empujar los límites del sonido y la composición no solo lo consolida como un artista visionario, sino que también asegura que su influencia seguirá creciendo en la música contemporánea. Conclusión: Un nuevo horizonte musical The New Sound no es solo un álbum; es una declaración de independencia artística y un recordatorio del potencial ilimitado de Geordie Greep como compositor e intérprete. En un mundo musical donde la innovación a menudo es sacrificada por la comodidad, Greep demuestra que es posible seguir explorando nuevos horizontes sin perder la esencia. Para los fanáticos de la experimentación y la música que desafía expectativas, The New Sound es una experiencia obligatoria que deja una marca indeleble en el panorama sonoro de 2024.

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