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Big Mick Hughes, reconocido por su trabajo en más de 1,500 conciertos de Metallica

Big Mick Hughes, el renombrado ingeniero de audio de sala (FOH), reconocido por su trabajo en más de 1,500 shows de Metallica a lo largo de tres décadas, fue un orador invitado destacado en la serie de seminarios web Meyer Sound Mixing Workshop. Big Mick se une al presentador del programa y mezclador experimentado Buford Jones y comparte su experiencia y conocimientos con los participantes. “Big” Mick Hughes es un ingeniero de sonido británico, mejor conocido por su trabajo como ingeniero de sonido en vivo para la icónica banda de heavy metal Metallica. Su colaboración con Metallica comenzó en 1984 y ha sido fundamental en moldear el potente y característico sonido en vivo de la banda, que es reconocido por su claridad y potencia, incluso en grandes estadios. Aspectos clave de la carrera de Big Mick Hughes: Contribución al éxito de Metallica: La habilidad de Big Mick para hacer que Metallica suene de manera consistente, independientemente del tamaño del lugar o las condiciones acústicas, ha sido un factor clave para los legendarios conciertos de la banda. Su capacidad para mantener la intensidad y fidelidad de las grabaciones de estudio en entornos de alta demanda en vivo es una de las razones por las cuales Metallica es reconocida como una de las mejores bandas en directo. En resumen, Big Mick Hughes es un pilar en el éxito en vivo de Metallica y uno de los ingenieros de sonido en vivo más influyentes de la historia del rock y metal.

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Discos de Ambient Country, música que evoca vastos paisajes rurales

Ambient country es un subgénero musical que combina elementos de la música ambiental y country, creando paisajes sonoros atmosféricos, con influencias de guitarras de acero, tonos tranquilos y una sensación expansiva que evoca vastos paisajes rurales. Es un género más reciente y experimental, que toma lo minimalista y atmosférico del ambient y lo fusiona con las raíces del country tradicional, produciendo música introspectiva y etérea. Este estilo ha ganado popularidad en los últimos años entre aquellos que buscan una alternativa más experimental dentro del country, o una variación más orgánica dentro del ambient. Las guitarras con reverberación y los elementos acústicos del country se funden con las capas de sonido características del ambient, creando una mezcla que es relajante, melancólica y a menudo cinematográfica. Algunos discos esenciales del ambient country Características comunes del ambient country: El ambient country es una propuesta fascinante que mezcla lo nostálgico del country con lo etéreo del ambient, ofreciendo un espacio sonoro perfecto para la contemplación y la introspección.

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Sellos discográficos clave en la difusión del reggae a nivel mundial

Existen varios sellos discográficos que han sido clave en la difusión del reggae a nivel mundial. Aquí te menciono algunos de los más importantes. Island Records: Fundada por Chris Blackwell en Jamaica en 1959 y luego establecida en el Reino Unido, Island Records jugó un papel crucial en llevar el reggae al público internacional, especialmente a través de artistas como Bob Marley & The Wailers. Studio One: Considerado el “Motown del reggae”, fue fundado en 1954 por Clement “Coxsone” Dodd en Kingston, Jamaica. Studio One lanzó a muchos de los pioneros del género, incluyendo a The Skatalites, Toots and the Maytals, y The Heptones. Trojan Records: Este sello británico fue fundamental para popularizar el reggae en el Reino Unido durante las décadas de los 60 y 70. Fue responsable de introducir a artistas como Desmond Dekker, Jimmy Cliff, y The Upsetters al público europeo. VP Records: Fundado en los años 70 por la familia Chin, VP Records es uno de los sellos discográficos más importantes del reggae y dancehall. Ha trabajado con artistas como Sean Paul, Shaggy, Beres Hammond, y Buju Banton. Tuff Gong: Fundado por Bob Marley en 1970, Tuff Gong es uno de los sellos más emblemáticos de la música reggae. Además de los lanzamientos de Marley, también ha apoyado a otros artistas jamaicanos como Rita Marley y The Wailers. Greensleeves Records: Sello británico fundado en 1975, especializado en reggae y dancehall. Ha sido hogar de importantes figuras del género como Yellowman, Shabba Ranks, y Sizzla. Digital B Records: Fundado en los 80 por el productor Bobby “Digital” Dixon, Digital B fue crucial en la era del reggae digital y dancehall. El sello trabajó con artistas de renombre como Shabba Ranks, Garnett Silk, y Sizzla. Estos sellos han sido fundamentales para el desarrollo y expansión del reggae, desde sus raíces en Jamaica hasta su influencia global.

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Mira el documental “A Band Called Death”

“A Band Called Death” es un documental de 2012 que cuenta la historia de Death, una banda de punk rock formada en los años 70 en Detroit por los hermanos David, Bobby y Dannis Hackney. A pesar de ser pioneros del punk antes de que el género fuera reconocido, la banda enfrentó dificultades debido a su nombre y la falta de apoyo comercial, lo que llevó a su separación. Décadas más tarde, sus grabaciones fueron redescubiertas, y Death comenzó a recibir el reconocimiento que merecía como una de las primeras bandas de punk rock afroamericanas. Death, una banda proto-punk formada en Detroit en los años 70 por tres hermanos afroamericanos: David, Bobby, y Dannis Hackney. A pesar de su talento y visión innovadora, la banda no alcanzó el éxito comercial en su tiempo debido a su nombre y a la falta de interés de las discográficas. Décadas más tarde, su música fue redescubierta, ganando reconocimiento póstumo como pioneros del punk rock antes de bandas como The Ramones.

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Oxomaxología, el miasma sónico donde solo el silencio habla

Texto por: Daniel Lazarini Gran parte de las tradiciones oscuras de la música radical mexicana están fincadas en las investigaciones realizadas por la unidad espectral conocida como Oxomaxoma, una constante invitación a lo invisible, a la interzona, al más allá. El próximo 23 de agosto del 2024 se celebran 45 años de manifestaciones de esta agrupación invaluable para las tradiciones experimentales locales, el lugar será la Fonoteca Nacional, donde se llevará a cabo una conferencia con los miembros fundadores y con artistas que han pertenecido a esta experiencia a través de las distintas mutaciones, así como periodistas y otrxs expertxs en la fenomenología de Oxomaxoma, también ofrecerán una serie de improvisaciones para la ocasión con la participación de José Álvarez, Arturo Romo, Rolando Chía, Armando Velasco, Luis Bishop, Rabbit Doll y Sarmen Almond. En el siguiente texto voy intentar sumergirme en la formidable trayectoria de uno de los proyectos mexicanos más oscuros, invertebrados y mutantes de las últimas cinco décadas. Desde sus inicios la energía plutoniana desarticulada se desplazó entre atmósferas y rituales que liberaron mensajes ocultos en los objetos, decodificación aural que manifiesta secretos subsónicos.  El origen de la molécula atonal fue 1976 con Hilozoizmo, un proyecto donde Arturo Romo, Víctor Rodríguez y Miguel Becerra realizaban música aleatoria, se encontraban deslumbrados por la corriente filosófica “hilozoísmo”, la cual asegura la existencia del “anima” en la materia, la naturaleza y los objetos. El trío había realizado avances notables en la investigación de psicofonías, concepto que se refiere a la aparición de registros de origen desconocido en grabaciones de audio.  En 1978 Romo conoce a José Álvarez en el colegio de Bachilleres, donde el primero estudiaba y el segundo trabajaba, sus gustos musicales y expectativas sonoras eran muy compatibles, la conversación sensorial entre ambas entidades bioacústicas se implementó en un discurso metafísico que sostuvieron en 1979 durante su primera grabación que se conoce como la etapa Álvarez-Romo, material en cassette que llega a la revista Eurock con base en Portland y dirigida por el periodista Archie Patterson, gracias al contacto que ya había establecido Carlos Alvarado con su proyecto Vía Láctea, Alvarado envío y recomendó una variedad de proyectos; Hilozoizmo, Álvarez / Romo, Oxomaxoma, Decibel entre otras propuestas oscuroníricas que se estaban escuchando en el México subterráneo de la segunda mitad de los setenta. De este CST se reeditó un fragmento en 2016 en formato vinyl, para el box set “Mexican Cassette Culture Recordings 77 – 82” del sello alemán Vinyl on Demand, posteriormente en 2019 el material aparece completo en una edición en cassette extraída de la exquisita caja de madera “Fanfarrias y Bostezos” editada por el sello mexicano Ruido Horrible que contiene cinco producciones clave realizadas en tape entre 1979 y 1997. Después de que Romo mostró las grabaciones con José a los demás integrantes de Hilozoizmo, lo propuso como miembro, el ahora cuarteto continúa sus exploraciones donde la voz y la onomatopeya gutural de José Álvarez ofrecen nuevas narrativas.  Oxomatización; “Marcha a lo absurdo y grotesco” La presencia del formato de cinta magnética conocido como cassette permite registrar audio de forma casera a un costo medianamente razonable, fue revelador entenderlo como un formato “accesible” que ofrece inmediatez y portabilidad además de la experiencia de reproducir y reconocerse en el espejo sonoro, un proceso clave en el ritual para diseñar y moldear la amalgama de elementos que subsisten en una atmósfera de invocación. Estas cintas DIY ultra limitadas distribuidas principalmente en Estados Unidos, Europa, y algunas pocas (casi nada) en México se agotaron rápidamente, por suerte Patterson también tenía un programa de radio en KINK FM donde expandía el alcance de su revista, compartiendo extravagancias sonoras de todo el mundo.  Hay distintas teorías que la prensa ha desarrollado a través de los años sobre los orígenes del nombre, hay quienes afirman que proviene del disco “Aoxomoxoa” (1969) tercer álbum de estudio de la banda psicodélica Grateful Dead, se trata de un palíndromo utilizado como mantra para entrar a la sala de edición de la película de la realidad. Otrxs especialistas aseguran que está tomado de las tradiciones y creencias Mexicas, directamente de “Oxomoco” señora de la noche, personificación del tiempo. También existen algunas investigaciones que sugieren que proviene del recurso retórico del “oxímoron”, en el cual una frase contiene dos conceptos que se contradicen, generando un tercer significado. Los orígenes son misteriosos y confusos tal como lo es el sonido de Oxomaxoma, sin embargo la versión oficial nos dice que una noche de 1980 Álvarez se encontraba descansando, ingresando a la fase inicial de sueño que aún permite percibir la realidad, la transición va diluyendo el aquí y allá, un estado al que define como duermevela, cuando escuchó una voz que le decía al oído la palabra Oxomaxoma.  Para este momento Hilozoizmo coexistía con Oxomaxoma, los integrantes eran los mismos en ambas caras de la moneda, hasta que decidieron hacer la transición total del nombre que definían como la búsqueda de un significado perdido, con una fuerte carga de humor negro, abrazando la cultura bizarra se trataba de forajidos sónicos, invocadores espectrales fuera del canon del blues o el rock, tal como se demuestra en su primera grabación bajo el nombre de Oxomaxoma; “UAM Azcapotzalco” (1981) cinta que también fue distribuida y comisionada por Eurock Magazine y más tarde reeditad en 2020 dentro del box set “Designios” donde la grabación aparece completa en CD-R, lanzado por el sello mexicano “El Otro Rock” del periodista y escritor David Cortés, un dedicado rescate que reúne lo más significativo de los rituales perpetrados en vivo entre 1981 y 1995. Con una alineación fáustica que comparten los materiales en vivo del 81 “UAM Azcapotzalco” y “ENEP Acatlán” se traduce como la invitación a cazar una sombra, un destello, el impulso de la imaginación que estimula el movimiento inverso;  José Álvarez, voz y susurros Arturo Meza, piano y voz Arturo Romo, tetragramatón y yeloguerlizet Miguel Pérez, percusiones y voz Víctor Rodríguez, detrefram 1927 y voces  Desde Hilozoizmo habían cultivado el hábito de dar vida a

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Reseña de Flow Critical Lucidity, el próximo disco de Thurston Moore

Tres años después del instrumental Screen Time, se lanza Flow Critical Lucidity, el álbum solista número 9 de Thurston Moore. El trabajo sigue a Sonic Life, una memoria de 2023 en la que el ex Sonic Youth recorre su vida anterior, desde la infancia hasta los años con la banda que compartía con su expareja Kim Gordon. https://open.spotify.com/prerelease/2V8d3rtNsCS7g8usawc6i6?si=4a2ea46bcf404335 El álbum sale el 20 de septiembre a través de Daydream Library Series y tiene toda la apariencia de ser una rama de la epopeya de Sonic Youth. No falta la experimentación, pero siempre siguiendo el formato de la canción. Entre las canciones más conocidas, la más interesante es la que tiene como invitada Laetitia Sadier. Este es el elegíaco Sans Limites con una introducción instrumental minimalista, con piano y guitarra tejiendo grupos envolventes de notas. El desarrollo, a un ritmo andante y exquisitamente aterciopelado, parece querer reiterar las raíces nunca negadas de un sonido muy reconocible hecho de afinaciones particulares. Entre ellos encontramos Hypnogram, una balada de rock con una coda delicadamente psicodélica producida por Eva Prinz (también acreditada como letrista con el alias Radieux Radio) que es, en pocas palabras, el motivo de la disolución de la banda. Isadora, una canción que era el rock más directo y canónico de todos (hay incluso un solo de blues), no fue incluida en el álbum. Más cerca de los sonidos del álbum, más ampliado y experimental, New In Town, compartido con motivo del cumpleaños del músico el 25 de julio, es una versión respetuosa y circunspecta del sonido SY que reconecta con los espacios e intersticios del post-hardcore. Según él, una canción que habla de la “nueva llegada al colegio y en un ambiente ya bastante animado”. Es probable que Moore tenga en mente a un compañero animado como él por la pasión por bandas de los 80 como Minor Threat, Fugazi, Bad Brains y Red C, influencias que, sin embargo, no son directamente reconocibles en la canción. Con información de: sentireascoltare

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SoundCloud lanza una tienda de merchandising donde los artistas se quedan con todas las ganancias

Actualmente, SoundCloud Store solo está abierta para artistas de Next Pro. SoundCloud ha lanzado un nuevo mercado de productos, SoundCloud Store, que permitirá a los artistas publicar sus propios diseños y productos para venderlos a sus fans.Según los términos actuales de la tienda, los artistas pueden enviar un diseño para un artículo de mercancía y luego dejar que SoundCloud cree maquetas del producto para ellos. Luego, la empresa creará los productos y se encargará del envío, así como del marketing en las redes sociales. Tal como están las cosas, SoundCloud no obtendrá ningún beneficio de las ventas de productos y el 100% del dinero recaudado se destinará a los propios artistas. Actualmente, SoundCloud Store solo está disponible para artistas de Next Pro, que es el nivel de suscripción paga de SoundCloud que brinda a los usuarios más funciones y funciones. Actualmente también está abierto solo a personas que residen en América del Norte y Europa. El rapero Denzel Curry es uno de los primeros usuarios de la plataforma que lanzó productos para vender a través de la tienda.

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Talking Heads – Live in Rome 1980

Talking Heads – Live in Rome 1980 es uno de los conciertos más icónicos de la banda, capturando su energía y creatividad en un momento crucial de su carrera. Realizado durante la gira de su álbum “Remain in Light”, el show incluye versiones enérgicas de clásicos como “Psycho Killer”, “Once in a Lifetime”, y “Born Under Punches (The Heat Goes On)”. Este concierto es recordado por su innovador uso de ritmos afrobeats, influencias electrónicas, y la intensidad de la actuación de David Byrne y compañía. El concierto de la banda en Roma en diciembre de 1980, inicialmente lanzado como In Concerto en la televisión italiana dos meses después del lanzamiento de su legendario Remain In Light, también comienza con “Psycho Killer”. Pero la experiencia es completamente diferente; Esto no es tanto una producción en escena enmarcada para la pantalla grande sino un documento adecuado de una banda en su apogeo. Byrne no entra solo: está respaldado por la alineación completa de Talking Heads que, en esta etapa de su historia, es un grupo de músicos aún más extenso que incluye al guitarrista Adrian Belew (quien al año siguiente encabezaría King Crimson). , el teclista Bernie Worrell, el bajista Busta Jones y el percusionista Steve Scales junto con dos coristas, Lynn Mabry y Ednah Holt. Lo que quizás le falta en la narración cinematográfica de su homólogo documental más famoso, esta interpretación de “Psycho Killer” lo compensa con creces con su química dinámica entre todos los integrantes de la banda y la intensidad ardiente con la que aumenta en su final. un par de minutos. La frenética interacción entre los ritmos del bajo de Weymouth, el furioso trabajo de batería de Frantz y los chillones solos de Belew es nada menos que asombrosa. Durante décadas, Live In Rome vivió a la sombra de Stop Making Sense por razones perfectamente lógicas: es una producción mucho más cruda, más lo-fi, escenificada no tanto teatralmente sino como un gran espectáculo en vivo, del tipo que desearías haber visto. de primera mano, al menos seguro que lo habría hecho. Byrne es menos el punto focal aquí que una parte clave de una máquina dinámica e intrincadamente diseñada, cada una de sus partes trabajando al unísono para crear algo poderoso en conjunto. No hay coreografías sueltas, ni trajes gigantes, ni cortar una alfombra con una lámpara. (Desafortunadamente, tampoco hay un álbum en vivo equivalente). El nombre de esta banda es Talking Heads, y eso es exactamente lo que ves: una fuerza musical imparable, creando algo mágico e imparable juntos.

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