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Tarantula Heart, el nuevo disco de Melvins

Buzz Osborne de Melvins ha declarado que dado que la banda ha logrado cada objetivo que se ha fijado, cualquier cosa que se haga en el futuro es una ventaja. Es interesante saber que la banda no está atada a las expectativas de los fanáticos. Quizás, paradójicamente, esto podría ser lo principal que ha mantenido a la gente interesada en los Melvins y les ha garantizado longevidad y un grado de curiosidad y avance en cada uno de sus discos. Todo el álbum se construyó en torno a una especie de experimento. Osborne tuvo al baterista de mucho tiempo Dale Crover y como invitado Roy Mayorga (de Nausea y Amebix!, mientras que Osborne y el bajista de Melvins, Steve Mcdonald improvisaron riffs. Este es el tipo de álbum que los fanáticos de Melvins adoran. Tiene un estruendo bajo, lo cambia y se torna un poco pop aquí y allá, se vuelve bastante extraño en algunos lugares, y todo parece surgir de algún agujero vicioso. Es probable que Melvins siempre son mejores cuando una especie de mezquindad cósmica flota de fondo y ese espectro se filtra en este álbum. El álbum tiene múltiples partes que giran y giran hasta el final, que se convierte en una carga sucia en línea recta. La banda claramente se divierte mientras experimenta, pero, ¿cómo es que todo es tan escuchable? Por lo general, los álbumes creados a partir de una herramienta experimental son “desafiantes”; es en sí mismo una “experiencia desafiante, pero gratificante”.

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Los 10 conciertos gratuitos con mayor asistencia de todos los tiempos

Desde The Rolling Stones hasta Rod Stewart, los 10 conciertos gratuitos más concurridos de todos los tiempos cuentan, como era de esperar, con una colección de los nombres más venerados de la música contemporánea. En 1997, Jean Michel-Jarre, el pionero de la electrónica realizó un concierto en Moscú para celebrar el 850 aniversario de la ciudad. Fue la primera actuación de Jarre en Rusia, celebrada en la Universidad Estatal de Moscú, e incluso incluyó un enlace con la estación espacial rusa como parte del espectáculo. Los asistentes rusos al concierto acudieron en masa a la actuación, y el compositor francés acumuló una audiencia de más de 3,5 millones, convirtiéndose en el concierto gratuito más concurrido de todos los tiempos. Aunque las cifras suelen estar sujetas a estimaciones (o exageraciones) debido a la naturaleza de los eventos gratuitos, muchos conciertos afirman haber obtenido una audiencia de más de un millón. Jean-Michel Jarre ocupa casi un tercio de los diez primeros, con su espectáculo de celebración del Día Nacional de Francia en 1990 en París y un espectáculo de 1986 para el 150 aniversario de Houston, lo que le valió dos lugares más en la lista. La lista de los conciertos gratuitos más importantes de la historia de la música: 1. Jean-Michel Jarre, Moscow, 1997 – >3,500,000 2. Rod Stewart, Rio de Janeiro, 1994 – >3,500,000 3. Jorge Ben Jor, Rio de Janeiro, 1993 – 3,000,000 4. Jean-Michel Jarre, Paris, 1990 – 2,500,000 5. Monsters of Rock (with AC/DC, Metallica, The Black Crowes, Pantera, and E.S.T.), Moscow, 1991 – 1,600,000 6. Live 8, Philadelphia, 2005 – 1,500,000 7. The Rolling Stones, Rio de Janeiro, 2006 – 1,500,000 8. Jean-Michel Jarre, Houston, 1986 – 1,300,000 9. Various artists, Havana, 2009 – 1,100,000 10. The Beach Boys, Philadelphia, 1985 – 1,000,000 Fuente: faroutmagazine

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La interesante charla entre Rick Rubin y Brian Eno

Un placer este episodio. Rick Rubin y Brian Eno hablaron hace hace 3 años, justo antes del debut de la estación de radio Sonos de Eno, The Lighthouse, donde Eno programó durante días temas inéditos de varias épocas de su carrera. La conversación que tuvieron fue fascinante. Rick y Eno discuten las obras que han cambiado la concepción del arte de Eno incorporando la aleatoriedad en su música. Como lo menciona la descripción del video en Youtube: No muchos músicos citan el diseño o la arquitectura como inspiración. Pero sentado en un aeropuerto alemán bellamente diseñado en 1978, Brian Eno se inspiró para crear música atmosférica que complementara el espacio. Siguió su álbum histórico, “Ambient 1: Music for Airports”, y con él, Eno creó la música ambiental, un género completamente nuevo que aún prospera en la actualidad. La carrera de 50 años de Brian Eno está repleta de innovación. Comenzó a tocar sintetizadores a principios de los años 70 como miembro de la banda de glam-rock del Reino Unido, Roxy Music, y luego grabó una serie de álbumes en solitario, y finalmente produjo álbumes que definieron su carrera para una serie de bandas como U2, Devo, y Coldplay. En este episodio @RickRubin habla con Brian sobre su amor por el espacio musical que existe entre humanos y máquinas. Eno también recuerda haber predicho el nacimiento del hip-hop en la parte trasera de un taxi con @davidbyrneofficial y explica por qué escuchar a @Beyonce a través de una pared es extrañamente satisfactorio. Muchas sorpresas más en este video y su charla. ——- Rick Rubin (1961) personaje clave para la fusión del rap y metal. Nombrado el productor más importante de los últimos 20 años, también fue el DJ original de Beastie Boys. Este productor discográfico estadounidense, numerosas veces ganador del Grammy,​ es más conocido por su trabajo con el rap y el heavy metal, así también por la serie de discos de American Recording con Johnny Cash. En 2007, MTV lo nombró «el productor más importante de los últimos 20 años»​ y ese mismo año la revista Time lo incluyó en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo. Brian Eno (1948), artísticamente Brian Eno o Eno, es un compositor, activista, cantante, artista conceptual, artista visual, ingeniero de audio, inventor, escritor, fotógrafo y productor musical inglés.​ A lo largo de su trayectoria ha desarrollado trabajos en géneros musicales como el ambient -del que se le considera un pionero-, el glam-rock -con Roxy Music-,​ la música electrónica​ y experimental.

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Sons Of Kemet y su disco Your Queen Is A Reptile, para entender el futuro del jazz

Para entender dónde está el futuro del jazz, es mejor seguir hacia dónde se dirige Shabaka Hutchings. Pocas figuras del jazz contemporáneo han cubierto tanto terreno en tan poco tiempo como el saxofonista y clarinetista nacido en el Caribe y afincado en Londres, que ha actuado con artistas como Jonny Greenwood de Radiohead y el pionero del jazz etíope Mulatu Astatke, y ha grabado y aparecido en unas seis docenas de créditos discográficos en los últimos 9 años. Por muy impresionante que pueda ser el volumen de su trabajo (incluidos algunos de los mejores discos de jazz de los últimos 2 años), es la vitalidad y la versatilidad lo que hace que valga la pena seguir esos créditos, desde el extenso jazz espiritual de Shabaka and the Ancestors hasta el jazz espacial escatológico de The Comet is Coming, además de haber contribuido al efímero y trascendente proyecto de Yussef Kamaal. Su mundo musical está en constante expansión. El camino que toma Hutchings en Your Queen Is A Reptile, el tercer álbum de su conjunto de jazz afrocaribeño Sons of Kemet, implica realizar un largo viaje a través de la historia negra. Es el primer lanzamiento del grupo para Impulse! Records, un sello que cambió la forma de la música a través de lanzamientos innovadores de artistas como John Coltrane, Charles Mingus y Pharoah Sanders, y hay una sensación similar de creatividad ilimitada en las nueve pistas aquí. También hay un espíritu activista que recorre estas pistas. Así, Sons of Kemet ofrece una afrenta a la figura británica al invocar los nombres de mujeres negras que cambiaron la historia, desde Harriet Tubman y Angela Davis hasta la propia bisabuela de Hutchings, Ada Eastman. Your Queen Is A Reptile, es un álbum político similar a lo que era el material profundamente espiritual de Pharoah Sanders a principios de los años 70, no tanto en los detalles de los temas que destaca sino en el mensaje más amplio y amplio que transmite. Éste es un álbum tanto sobre la alegría y la celebración de los negros como sobre la denuncia del patriarcado blanco (que toma forma como matriarcado). Esta es música que conmueve, como James Brown o Fela Kuti, de cuyo linaje la música de Sons of Kemet sin duda forma parte. Los furiosos ritmos brindan un telón de fondo para algunas de las músicas más intensas y poderosas aquí, las explosiones de saxofón de Hutchings son un contrapunto más abrasivo a la audaz línea de bajo de tuba. My Queen Is Yaa Asantewaa, que lleva el nombre de una reina madre anticolonialista de Ghana, toma un camino más sinuoso para alcanzar su clímax, con una inquietante sensibilidad psicodélica, mientras que “My Queen Is Anna Julia Cooper” adopta un enfoque más espacioso. El saxofón de Hutchings desempeña un doble papel: instrumento de respaldo discordante y líder serenamente seductor. No hay mucho en Sons of Kemet que sea tradicional, fuera de la tradición activista negra que honran y sobre la que construyen. Your Queen Is a Reptile tiene un sonido único construido sobre contrastes y contrapunto, cuyas influencias son transparentes pero de ninguna manera cliché u obvias. Es enojado e inspirador, funky y furioso, un álbum de jazz que no sólo suena a su época sino que refleja y contrarresta el tumulto del mundo que lo rodea. La banda estuvo activa del año 2011 al 2022, año en que se disovieron. Con información de: Treble

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Something in the Room She Moves, el nuevo disco de Julia Holter

Podemos observar los adornos, secretos y sorpresas que ofrece Julia Holter. Something in the Room She Moves es sin duda una escucha íntima. Tiene una holgura que evoca matices cálidos. Los sonidos dispares de este disco están esparcidos y la voz actúa como un imán reuniendo tesoros, acercándolos hasta que forman adornos centelleantes sobre la voz de cuerpo fuerte, sintetizador, batería y bajo. Una voz de ensueño flota a la altura de la cabeza como capas de humo de una hoguera en la playa al anochecer. Luego volvemos al interludio de glissando de bajo deslizante con flauta vocalizada de avant-jazz. En Something in the Room She Moves, Holter explora sonidos internos del cuerpo, acercándose cada vez más a una presencia física. Por encima de los ritmos descentrados y el bajo hay voces separadas e instrumentos que ​​se dispersan como burbujas de pensamientos, apareciendo y desenfocándose. En 10 tracks se crea una continuidad de magia delicada y alegre. Una de las intenciones del álbum era dejar de recordar el pasado o vivir en el futuro imaginado, pero resultó ser es un ejercicio de estar presente, dice: “ser apasionada en un estado de hacer algo, estar en ese momento, ¿Y cuál es ese momento?”. Pero, por supuesto, este álbum es más que un ejercicio, se trata de vivir y crear el momento junto con su sonido. También se trata de seguir tu instinto. En el caso de Holter, eso significa desbloquear el sonido de quién es ahora en comparación con quién era cuando escribió el último álbum que lanzó (Aviary en 2018). Se trata de inclinarse y extraer los sentimientos que nunca supo que quería o necesitaba comunicar. Julia Holter presenta un álbum completamente formado, lleno de apertura y verdad. Julia Holter (California, Estados Unidos, 18 de diciembre de 1984) es una artista, cantante y compositora estadounidense. Graduada en el Instituto de las Artes de California, publicó su primer álbum de estudio, Tragedy, en 2011, al cual siguió el año siguiente Ekstasis, su segundo trabajo. Holter también colabora con otros músicos, entre los que se encuentran Nite Jewel, Linda Perhacs y Michael Pisaro. Después de firmar para Domino Records en 2013, lanzó a la venta su tercer álbum, Loud City Song, un disco que recibió la aclamación de la crítica y cuyo éxito continuaría con su cuarto álbum, Have You in My Wilderness, el cual fue publicado en 2015. En 2018 lanzó Aviary, un álbum doble. Este 2024 Something in the Room She Moves.

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Shellac lanzará su primer álbum en 10 años, ‘To All Trains’

Shellac ha compartido detalles de su primer álbum de estudio en una década, titulado To All Trains. Shellac (‘goma laca’, en inglés) es un grupo musical estadounidense formado por Steve Albini en la guitarra y voz, Todd Trainer en la batería y Bob Weston en el bajo. Aunque han sido calificados como noise rock y math rock, el grupo se autodefine como «un trío de rock minimalista». El disco, que consta de 10 pistas, se produjo durante varios fines de semana en el estudio Electrical Audio de Chicago entre 2017 y 2022. Es la continuación del LP Dude Incredible de 2014, así como de The End Of Radio de 2019, que compiló dos sesiones de radio de la BBC del banda. El nuevo álbum tiene una duración de 28 minutos y no hay planes de compartir ningún sencillo antes de su lanzamiento completo. Discografía At Action Park (1994)Terraform (1998)1000 Hurts (2000)Excellent Italian Greyhound (2007)Dude Incredible (2014)To All Trains (2024) Shellac se formó en Chicago, Illinois, en 1992 como una colaboración informal entre el guitarrista Steve Albini y el baterista Todd Trainer. El ex bajista de Naked Raygun, Camilo González, participó en los primeros ensayos y tocó una canción del primer sencillo de Shellac antes de que se uniera el bajista permanente Bob Weston. Shellac tiene un sonido distintivo y minimalista basado en compases asimétricos, ritmos repetitivos, un sonido de guitarra angular y las letras surrealistas y mordazmente sarcásticas de Albini y Weston. Las canciones normalmente no tienen una estructura tradicional de verso/estribillo/verso y los arreglos son escasos, hasta el punto de que algunos los describen como “amelódicos”. El sonido característico de Shellac se asocia a menudo con su entusiasmo por las guitarras antiguas Travis Bean, una marca poco común de instrumentos con mástil de aluminio y el pedal de distorsión Interfax “Harmonic Percolator”. Se sabe que Albini usa púas de cobre y normalmente se enrolla la correa de la guitarra alrededor de la cintura en lugar de sobre el hombro. La banda prefiere la intimidad de clubes más pequeños y las apariciones en vivo son esporádicas.

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Poolside, de música relajante para las veladas de Verano del Vive Latino 2024

En un ambiente suave y de armonía envolvente, la banda de chillwave proveniente de Los Ángeles, California, Poolside hizo vibrar en el escenario Little Caesars al público que asistió al segundo día del Vive Latino. Pasadas las 10 de la noche del domingo, entre luces de colores que alternaban blanco, violeta y azul, cantando emocionados, los espectadores bailaron hipnotizados por el sonido electrónico suave y alegre que emitían los instrumentos de esta agrupación que fue formada por Jeffrey Paradise y Filip Nikolic en 2011. Entre las canciones con las que emocionaron al público esa noche estuvieron “Kiss you forever”, “Leila”, “Harvest moon”, “Around the sun” y “Can’t stop your lovin’”. El conjunto angelino, que desprende un sonido líquido y relajante, ha tenido como integrantes temporales para los espectáculos en vivo a músicos como Vito Roccoforte y Mattie Safer de The Rapture y Brijean Murphy de Toro y Moi. Ha lanzado 4 álbumes: Pacific Standard Time (2012), Heat (2017), Low Season (2020) y Blame It All On Love (2023). Además, ha remezclado temas de Billy Idol, Jack Johnson & Milky Chance, Neil Young, Miami Horror, L’impératrice, Purple, Zoe, entre otros.Recientemente ha colaborado con Todd Edwards, Neil Frances, Brijean, Foster The People y Buscabulla. Sin duda, un gran momento del festival. NOTA POR : María Ortiz (@maria_ort114)

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Kamasi Washington anuncia su próximo álbum y comparte un adelanto

El multiinstrumentista Kamasi Washington ha anunciado su nuevo álbum Fearless Movement. El también compositor y director de banda de jazz de Los Ángeles, lanzará su continuación de Heaven and Earth de 2018 el 3 de mayo de este 2024. Nos ha dado ya el adelanto con 2 canciones, una de las cuales titulada Prologo, se estrenó hace unas horas. Washington ha explicado que Fearless Movement es un “álbum de baile”, aunque «No es literal«, según dio a conocdr en un comunicado de prensa: “La danza es movimiento y expresión, y en cierto modo es lo mismo que la música: expresar tu espíritu a través de tu cuerpo. Eso es lo que impulsa este álbum”. El adelanto del nuevo álbum incluye también “The Garden Path”, que Washington interpretó en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon en 2022. El disco Fearless Movement también cuenta con contribuciones de Thundercat, Terrace Martin, Patrice Quinn, André 3000, los vocalistas George Clinton, BJ the Chicago Kid, y D Smoke, y otros. Kamasi Washington (Los Ángeles, EU, 1981) es un saxofonista de jazz, compositor, productor y líder de banda estadounidense. Conocido principalmente como intérprete de saxofón tenor.

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