Depósitio Sonoro

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Canciones excepcionales del grindcore

Hace 35 años una banda de crust punks de Birmingham cambió el curso de la historia del metal. Formado en mayo de 1981 Napalm Death hizo sus primeros ruidos como una banda anarcopunk que había llegado a publicar una serie de demos en casete y primeros EPs a lo largo de principios y mediados de los años 80. Sabían tocar rápido y fuerte, lo cual es un buen comienzo para cuando se quiere llevar el metal y el hardcore a sonidos más extremos. Para 1987 ése sonido había cristalizado en el álbum debut de la banda, Scum. Y con su lanzamiento nació el grindcore. Grindcore es metal extremo. Es la definición misma de esto, más rápido, más agresivo y simplemente más intenso que cualquier otra forma de metal anterior, y salvo algunas excepciones. Y estamos hablando de extremos musicales: seguramente el death metal tiene imágenes más violentas y el black metal es culturalmente más infame, pero el grindcore en el estéreo suena como si fuera a taladrar agujeros en tu frente o lóbulo. Es rápido, corto, intransigente y destructivo. El hecho de que las canciones grindcore puedan ser por lo general cortas (de 30 a 90 segundos en promedio) significa que también es el subgénero en el que probablemente sea más difícil entrar (no tenemos estadísticas reales, pero todo esto intuitivamente). Grindcore se desvanece en un huracán maníaco que golpea y golpea y termina antes de que sepas lo que pasó. Eso no significa que no haya mucho para profundizar y disfrutar, o incluso saborear. De hecho, algunos de los álbumes de metal favoritos de todos los tiempos tienen algunas de las canciones más cortas. A medida que el grindcore se adentra en la edad adulta, ofrecemos una guía de algunas canciones exepcionales de grindcore, una medida muy subjetiva, sin duda, pero que ha sido probada en carretera y con auriculares. Las jerarquías pueden ser complicadas con sonidos tan extremos. Prepárate y sube el volumen. Con información de Treble ZINE.

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12 discos de jazz en 12 meses, nuestros favoritos de 2021

El jazz es un género que ha avanzado y madurado en casi una década, lo que es más: parece que se ha dicho todo sobre él y sus artistas clásicos; sin embargo, en su naturaleza de libertad y de un ritmo que viene de cuerpo, mente y alma, se encuentra la libertad para seguirse transformando día con día, al punto de poderse contemplar como un género infinito. Este 2021 tuvo sus bemoles, sus discos encantadores y sobresalientes. Te presentamos nuestros 12 favoritos sin orden alguno, ni rankeados. La Playlist aquí abajo y el detalle de cada disco a continuación. Nik Bartsch – Entendre El pianista y compositor suizo Nik Bartsch combina en la mayoría de las pistas se titulan “Modul” con un número en secuencia adjunto. Este tipo de naming de vanguardia implica la idea de que estas composiciones son improvisaciones trabajadas y reelaboradas y trabajadas de nuevo. Entendre es una meditación, una canción, un estado de ánimo regalado al oyente. Andrew Cyrille Quartet – The News Andrew Cyrille se basa en su legado de jazz con The News, que lo encuentra acompañado por el legendario guitarrista Bill Frisell, el bajista Ben Street y David Virelles al piano. El álbum ofrece nuevas tomas de algunas composiciones antiguas, haciéndolas nuevas como resultado. Con un sonido de ensueño y un espacio para que cada músico improvise, The News es simple pero refinado. Floating Points, Pharoah Sanders & The London Symphony Orchestra – Promises On Promises, la pieza de colaboración de Sanders con Floating Points, es uno de los discos que verás en casi todas las listas de mejores discos de jazz de este 2021; es hermoso y encantador con una propia interpretación del jazz y de la creación musical misma. Promises se parece a algunas de las cosas más masivas de la carrera de Sanders, pero no hay pulso rítmico, ni densas capas de psicodelia, solo un conjunto reflexivo y de movimiento lento de electrónica minimalista. Linda Fredriksson – Juniper La creatividad que proviene de la red de jazz nórdico desprende a la la saxofonista Linda Fredriksson, quien sola lanzó su álbum debut con su propio nombre. La artista finlandés se entreteje entre actuaciones emocionalmente expresivas y una moderación inquietante, a menudo acompañada de un acompañamiento electrónico tenue e hipnótico. Liminal Space – “III Considered” Liminal Space es un salto con la improvisación con base para nuevos arreglos y músicos. La producción del baterista Emre Ramazanoglu hierve a fuego lento en arreglos densamente estratificados hasta que invitados estrella como Theon Cross y Sarathy Korwar se convierten en meros ingredientes en un fermento multitudinario. Vijay Iyer – UnEasy UnEasy de Vijay Iyer encuentra al aclamado pianista acompañado por la bajista Linda May Han Oh y el baterista Tyshawn Sorey como parte de su nuevo trío. Con muchas de las composiciones de Iyer, el álbum es una especie de “curaduría” de piezas pasadas a las que se les ha dado nueva vida. Marc Johnson – Overpass Johnson toca las notas con consideración. Cada vibración dura tanto o tan brevemente como debería; le encanta hacer una pausa y permitir que el silencio impregne una pieza. Temas como “Life of Pai” perduran. Nunca asumen, pero son difíciles de ignorar. La ternura del tacto es el verdadero regalo a disposición de Johnson. Sons of Kemet – Black to the Future Shabaka Hutchings permanece a la vanguardia de la emocionante escena del jazz londinense, y entre sus grupos Sons of Kemet, Shabaka and the Ancestors y The Comet Is Coming, rara vez pasa un año sin un nuevo álbum de primer nivel de él. Este año trajo Black to the Future, el último álbum de los maximalistas Sons of Kemet, teñidos de Afrobeat, y elementos de hip hop, R&B y más. La instrumentación está viva y en constante movimiento. Nala Sinephro – Space 1.8 Si te gusta el álbum Floating Points / Pharoah Sanders y quieres algo más de ambiente similar al jazz, el álbum debut de la compositora británica Nala Sinephro es un compañero maravilloso. Space 1.8 se presenta como una gran pieza dividida en varios movimientos e incluso sus momentos más mínimos son fascinantes. Incorpora elementos del jazz clásico de mediados del siglo XX, sintetizadores futuristas y texturas ambientales al estilo Brian Eno. Makaya McCraven – Deciphering The Message Makaya McCraven ha tomado 13 clásicos de la Blue Note los cataloga y los actualiza y remezcla, haciéndolos encajar perfectamente con el hip hop, la música electrónica y los estilos de jazz con visión de futuro de hoy, sin perder el poder perdurable de los originales. Jason Moran, ‘The Sound Will Tell You’ Jason Moran, pianista, artista visual, curador, escritor y guía del jazz, grabó “The Sound Will Tell You” solo en enero, justo cuando estaba montando una exposición de obras en papel. Se trata de un disco de piano íntimo y tierno, armónicamente exuberante, fuertemente inspirado en los escritos de Toni Morrison, difuminado ocasionalmente por efectos electrónicos pero siempre claro en su intención melódica. Julian Lage, Squint Este disco parece haber absorbido toda la historia de la guitarra de jazz —Charlie Christian, Grant Green, Jim Hall, Pat Metheny, Marc Ribot— y la incorporó a su propio sonido distintivo. Sus compañeros de trío son Jorge Roeder (el bajista del grupo de Zorn) y Dave King (baterista de The Bad Plus). Un disco para sentirte en un íntimo café escuchando jazz clásicos, sin parecer meloso.

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Playlist con nuestros discos preferidos del 2021

Escribir una lista con los mejores discos del año es una gran responsabilidad y es una opinión editorial ciertamente subjetiva; ya que para una persona es lo mejor para otro quizá no lo sea, lo mismo para un medio musical u otro. Sin embargo, esta Playlist ha sido creada por parte del equipo de colaboradores de Depósito Sonoro, quienes consideran sus discos más destacados del año, para que todos ustedes puedan disfrutarlos y escucharlos de manera corrida o en aleatorio. Si bien decidimos únicamente crear una Playlist sin detalles de los discos que la contienen los invitamos a leer nuestra sección de Estrenos en donde aparecen varios de éstos discos de manera detallada. Además, dando clic sobre el nombre de cada colaborador que ha contribuido en crear esta Playlist con lo mejor del 2021 podrás encontrar textos de su autoría. Erika de la Rosa Irving Alfaro Meraki Diahe Pavel Rosado Omar Ayala Toro Degollado Abraham García (Columna Estoy Escuchado) Gigio Zimmerman Nayely Bernache (Creepy in Wonderland) Ivan Luna Luna

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Los 20 discos esenciales del Shoegaze

Tras el surgimiento del Psycho Candy de The Jesus and Mary Chain, los pedales de distorsión y efectos trémolo de sonido como el wah wah, fuzz y reverb se convirtieron en el santo grial de algunas bandas del Reino Unido, que desde inicios de los años 80 comenzaron a experimentar con miles de efectos sonoros que pudieran transmitir una nueva gama de sentimientos y sensaciones hipnóticas, etéreas, distantes, tan contemplativas como estridentes. La prensa musical nombró a esta diminuta escena shoegaze a manera de broma, sin saber que detrás de ese nombre nacería un género que prevalecería al paso del tiempo, a pesar de que nunca generó millones en términos de ventas comerciales y de contar con un número muy reducido de fans, logró influenciar a una enorme cantidad de músicos que no existirían en la actualidad sin dicho género. En Depósito Sonoro, decidimos que ya era tiempo de darle su lugar al Shoegaze y hacer una lista con los mejores 20 discos de este género aún hace poco tiempo incomprendido y que ha tenido un gran resurgimiento en los últimos 10 años. La lista, como todas, es subjetiva y responde a la apreciación de nuestro Staff. ¡Aunque sí le echamos muchas ganas y tratamos de ser objetivos! Están acomodados por fecha de lanzamiento. 1. The Jesus and Mary Chain – Psychocandy 1985 Reprise Records Bajo la influencia de bandas como Velvet Underground y Joy Division, The Jesus and Mary Chain lanza Psychocandy en 1985, un material que sorprendió por generar sonidos nunca antes explorados: efectos de pedal, vibraciones de guitarra distorsionadas y delays en la voz. Este disco marcó un hito en la historia de la música convirtiéndose en una pieza fundamental que sentó las bases del shoegaze y el noise pop. 2. My Bloody Valentine – Isn’t Anything 1988 Creation En 1988 MBV ya contaba con un séquito de seguidores de la escena underground gracias a sus primeros EP’s y a la hipnótica y difusa voz de Bilinda Butcher desde la salida de ‘You Made Me Realice’, pero ninguno de sus trabajos se compara con la experimentación sonora de su disco debut. Nadie estaba preparado para tal portento de música disonante, saturada de reverb y estridente como el disco debut de estos 4 chicos irlandeses. Para muchos, este disco creado por Kevin Shields y cia. fue el adn primigenio del shoegaze. 3. Ride – Nowhere 1990 Creation Records Sin duda el sonido que predominó en los noventas transitó entre la fórmula Britpop-Grunge, a pesar de ello, Creation Records tuvo la fortuna de reconocer las  propuestas que emergieron de la escena independiente para darle lugar a bandas que más tarde definirían el género. Fue el caso del grupo británico Ride, quien en 1990 firma con aquella compañía de grabación y lanza Nowhere, un material en el cual Mark Gardener y Andy Bell (luego bajista de Oasis) destilan una serie de secuencias sonoras atmosféricas y melódicas que contienen una integridad artística poco vista en álbumes de obertura. 4. My Bloody Valentine – Loveless 1991 Creation Después de más de 2 años en proceso creativo, 19 estudios de grabación, 45 productores, miles de sampleos y casi medio millón de dólares en gastos de operación y producción debido a las excentricidades de Kevin Shields (como pagar un ingeniero de sonido exclusivamente para afinar un pandero), Loveless fue lanzado por Creation Records en 1991, 6 semanas después del Nevermind de Nirvana, lo cual sepultó de forma instantánea cualquier tipo de éxito comercial y dejó prácticamente en bancarrota al sello Creation, que de inmediato corrió a la banda por obvias razones, a pesar de ser alabado por los críticos de la época. No obstante, el álbum logró cautivar a millones de personas en todo el mundo gracias a las recomendaciones de boca en boca en una era previa a internet, y a una labor de verdadero amor y fe traducida en incontables horas de trabajo: miles de capas de guitarras distorsionadas, sampleos de batería, loops, efectos de sonido, tomas alternas, ensayos, mezclas, producción y demás, que dejaron exhausta a la banda después de años de grabaciones, pero que le daría al mundo una revelación musical que sentaría las bases del género para la eternidad y lo convertiría en EL ÁLBUM de shoegaze por excelencia. Con el paso del tiempo, Loveless tomó su lugar como uno de los mejores discos en la historia del rock alternativo: una tormenta perfecta de guitarras distorsionadas, entretejida con voces inaudibles y ritmos cautivantes, sin el que bandas como M83, Beach House, Daughter, The War on Drugs, Silversun Pickups, Blonde Redhead, A place to bury strangers, The Radio Dept. y un largo etcétera, no podrían explicarse hoy en día. ¡De ese tamaño es la influencia de esta maravilla! 5. Catherine Wheel – Ferment 1992 Fontana Records Ferment es un álbum que fue producido por Tim Friese-Greene miembro de la icónica banda Talk Talk. En este trabajo Catherine Wheel logró presionar los botones correctos para generar un sonido atemporal y excepcional, en él se identifican ritmos metálicos y letras que figuran en lo melancólico. La voz de Rob Dickinson sobresale ante el caos sónico, dando como resultado ambientaciones etéreas que repentinamente muestran algunas verosimilitudes con los Smashing Pumpkins.  6. Drop Nineteens – Delaware 1992 Caroline Records Quienes se han sumergido en el género, difícilmente olvidan la épica portada de disco de Drop Nineteens: la chica rubia desaliñada con pistola en mano frente a Sierra’s Barber Shop. Drop Nineteens fue una de las primeras bandas que expandieron el concepto del shoegaze en Norteamérica, junto a proyectos como Galaxie 500 y Lilys. Este disco formó parte de las famosas sesiones de radio de John Peel, sin embargo, tuvo poca difusión a pesar de los interesantes efectos de guitarra y la buena dosis de fuzz que se distingue en tracks como Winona, Kick the Tragedy y Mandy.    7. Spiritualized – Lazer Guided Melodies 1992 Dedicated Records Spacemen 3  fue un proyecto que se destacó por los imparables destellos de rock espacial y neo psicodelia  que, de manera indirecta, favorecieron

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La difícil lista de los 20 discos esenciales del techno

Hasta hace unos pocos años el techno perecía estar creado para resguardarnos del sucio ruido de una “música alternativa” moribunda y de un rock cada vez menos formulado y decadente, pero la falta de creatividad en muchos “nuevos” géneros musicales y la creatividad y pasión con la que los productores de techno empezaron a trabajar, lo han colocado como un genero trascendental e incluso pasional para millones de personas que no se cansan en buscar sonidos que van más allá de una pista de baile. Rápidamente Detroit y Chicago se convirtieron en adjetivos y referente del techno, y Prodigy y los Chemical Brothers estaban llenando las listas musicales de la radio con sus éxitos y las revistas especializadas en música publicaban con más frecuencia nombres de Dj´s que se convertían rápidamente en personajes familiares. Sin embargo, la gran esperanza del techno se empezó a esfumar cuando el pop adolescente y el nu-metal aparecieron, los grandes clubes de Nueva York fueron desmantelados gradualmente y en lugar tomar el mundo por asalto, la música techno se filtró gradual y lentamente (pero de forma segura) en la línea principal de artistas como Madonna, Radiohead y Moby alcanzando a través del tiempo un lugar prestigiado en los escuchas más refinados, de tal manera que actualmente es un género que ocupa no solo los pistas de baile de los clubes nocturnos, sino que también forma parte de un prestigiado circuito cultural al rededor del mundo. Si bien es cierto que intentar construir una lista ordenada numéricamente y que abarque a todos los “mejores” discos de un género tan diverso parece ser un ejercicio sin sentido, Depósito Sonoro en la celebración de este golpe que no logró derrocar a la industria de la música techno, lanza la lista de los 20 álbumes esenciales de techno que abarca cualquier subgénero del mismo. Dado que se pensaron en cerca de 100 álbumes y ninguna lista podría ser completamente inclusiva, hemos reducido en bruto a los 20 lanzamientos clave en los últimos 25 años de forma aleatoria y sin importar el orden.    Isolée – We Are Monster  Playhouse / 2005  Rest y de forma no menos importante sus sencillos, colocaron a Rajko Müller en un lugar privilegiado al comienzo de la década como uno de los principales exponentes en el movimiento microhouse, un subgénero de la música techno en su mayoría europeo. Durante el verano del 2005 Isolée lanzó We Are Monster, un álbum ridículamente refinado que demostraba un eclecticismo exuberante sin abandonar sus raíces de música techno. We Are Monster se basa en una serie de sintetizadores, cuerdas y un amplio arsenal de ritmos compulsivos que dan origen a música  minimalista de gran sutileza que se puede escuchar una y otra vez sin tener que preocuparse mucho por la música nueva que está en puerta.    The Field – From Here We Go Sublime  Kompakt / 2014 Un disco clásico del sello Kompakt, el primer lanzamiento de larga duración de The Field, un álbum profundamente estético debido a su elegancia y fluidez considerado uno de los mejores discos de la historia del sello alemán. Música techno eufórica que parece tener la principal influencia de Wolfgang Voigt y su techno ambiental contemporáneo, colocándolo como uno de los discos de música electrónica más elegantes e impresionantes lanzados en los últimos tiempos.    Pantha du Prince – Black Noise  Rough Trade / 2010 El 2009 fue testigo del surgimiento y éxito de algunas bandas techno-pop como The XX y Fever Ray, con Black Noise, Pantha du Prince interpretó exactamente este tipo de música inteligente y reflexiva, y en muchos aspectos, edificante, lo que hace que el titulo del disco sea extraño y casi inadecuado. Black Noise es el tercer disco de Pantha du Prince, álbum que toma el nombre del concepto de ruido negro, o ruido silencioso, como también se le conoce. Un álbum hipnóticamente accesible, sutilmente silencioso, reflexivo y sencillo. Música que no es oscura aunque a veces puede ser bastante inquietante, generando un paisaje sonoro de belleza fría como una tundra ártica congelada.  Kiasmos – Kiasmos Erased Tapes Records / 2014 El álbum debut del dúo es un viaje a través de paisajes sonoros bien estructurados, atmosféricos y de vanguardia, con un toque de música que se consume de forma lenta, música parecida a la música de las 5 am después de la ansiedad de haber estado en un club nocturno bailando toda la noche. Un viaje seguro con dos aclamados músicos al volante. Un disco complejo pero emblemático que recorre toda la gama de conceptos emocionales existentes. Robag Wruhme – Thora Vukk Pampa Records / 2011 En el 2004 Robag Wruhme lanzó un disco llamado Wuzzelbud KK que lo colocó como uno de los lideres de un creciente movimiento de música electrónica alemana. Siete años después con Thora Vukk, Robag Wruhme reafirmó sus credenciales mostrando una destreza arquitectónica sonora avanzada que manifestaba los caprichos de Robag y su  extravagancia para crear música. Un disco menos musculoso, más liviano y más ventilado que su antecesor Wuzzelbud KK, que contiene pistas de baile puras sin dejar a un lado un sonido ideal para meditar o escuchar mientras se mira el techo.   Luke Abbott – Holkham Drones Border Community / 2010 La naturaleza y la tecnología trabajan en armonía para Luke Abbott, un hombre cuyo corazón parece enviar pulsos de música electrónica a través de sus venas. Al igual que Kraftwerk grabó música en las autopistas de su Alemania natal, el trabajo de Abbott florece y fluye con toda la energía en los largos pasajes de los ríos Broads en Inglaterra. Una colección de música brillante y ritmos bailables que genera un techno trascendente de dignidad intacta y esperanza en el horizonte.  Acid Pauli – Mst  Clown and Sunset / 2012 Mst es un álbum completamente suelto y discreto, el tipo de álbum que acecha a plena luz del día con sus composiciones casi sin forma pero de efecto intoxicante.  Martin Gretschmann construye capas sonoras y luego las destruye sin precaución,

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20 discos esenciales del Post Punk

La vanguardia post punk fue una época en la que una nueva generación de bandas informadas por sonidos más pulidos, trabajados y futuristas estuvo a la altura del potencial de creatividad e intimidad artística que el punk no alcanzó. El contexto histórico social y político de finales de los 70 también influyó muchísimo,  es exacto decir que prácticamente fue una revolución que con el paso de los años fue convirtiendose en esencial. A continuación una lista con lo más relevante actual e histórico del género sin que poseamos la verdad absoluta sobre los mismos. Disfruten. 20.- The Chameleons – What Does Anything Mean? Basically // 1985 // Statik The Chameleons es una banda de culto que se formó en 1981, con siete discos en su haber  What Does Anything Mean? Basically es una referencia obligada del post punk. Su trascendencia radica en su sonido y lírica, los cuales influyeron en gran medida en bandas como Clan of Xymox y Kitchens and Distinction. 19.- Tones on Tail – Everything! // 1998 // 4AD Tones on Tail  es un proyecto alterno al grupo de gothic rock Bauhaus que Daniel Ash creó en 1982. En este proyecto se unió Glenn Campling y  Kevin Haskins excepto Peter Murphy. Everything! es una recopilación de sus mejores tracks, en los que se verifican diferentes sonidos que logran una versión única del post punk y new wave, que incluso ellos  mismos llegaron a bautizar como doom-and-dance-pop. 18.- Au Paris – Playing With a Different Sex // 1981 // Human Playing With a Different Sex es el álbum debut de la banda inglesa Au Paris, los temas de este disco hacen una denuncia acerca de cómo se objetivaba, violentaba y abusaba de las mujeres de los ochenta. En sí, esta compilación refleja la falsa democracia y la opresión de una sociedad conservadora a través de un mensaje contestatario que vela por  la libertad sexual y el libre pensamiento de la juventud de aquel tiempo. 17- Sad Lovers and Giants – Epic Garden Music // 1982 // Midnight Music Sad Lovers and Giants es de esas bandas que se encuentran extraviadas entre la marea de sonidos, se dice extraviadas porque son prácticamente desconocidos. Sin embargo, se mencionan en este post  para hacerles una especie de justicia y mostrar la belleza de esta pequeña esfera tornasolada. La naturaleza descomunal del Epic Garden Music se debe al uso intrincado de guitarra, sintetizador y saxofón, instrumento que no es común escucharlo dentro de la espectro del gothic rock y el post punk. Este álbum debut y de larga duración de los amantes tristes y gigantes, logran sintetizar tonalidades frescas, pues a pesar de que lleva 35 años de haberse lanzado al público, trasciende el tiempo gracias a su vigencia y perfección sonora. 16.- Gang of Four –  Entertainment! // 1979 // EMI Entertainment! de Gang of Four es uno de los discos que se adelantaron a muchas cosas, bandas como Fugazi, Bloc Party o The Rapture y Franz Ferdinand no hubieran tenido ese tipo de sonidos en años posteriores. La clave estuvo en fusionar la rabia en espíritu mezclado con funk y letras provocadoras. Incomodante, ruidoso y genial. 15.- New Order – Power, Corruption and Lies // 1983 // Factory Después de cerrar el ciclo post Joy Division con Movement, la banda ahora liderada por Bernard Summer revolucionó de nuevo su sonido hacia un lado más electrónico y cagado con sintetizadores que servirían como base para la new wave en los 80’s, sin perder del todo el sonido tan característico del post-punk que, prácticamente, crearon ellos mismos 7 años atrás.  Es innegable e incalculable la influencia que bandas como Joy Division y New Order han tenido en la cultura pop, pero estos últimos en Power, Corruption and Lies lograron una evolución musical enorme, que para muchos es la convergencia perfecta entre el post punk y la bases del synthpop/new wave que muchas bandas indie contemporáneas tienen marcado en su ADN. 14.- The Slits – Cut // 1979 // Island Records Cut condesó muchos géneros con The Slits, desde punk rock y reggae, en general, es un disco cumbre en un período de transición para ellas y para la música, y es quizá el disco más conocido de la banda. Siempre nos encantará su rebeldía y originalidad. 13.- Devo – Are We Not Men? // 1978 // Warner Bros. Lanzado en 1978, fue el primer álbum completo de la banda. Se nota principalmente por la falta de sonidos electrónico que los venía caracterizando. Es un álbum extraño pero pegadizo, con el, Devo logró hacer de lo divertido e inusual un arte magnífico, suena divertido pero intenso a la ves para escuchar. Muchas de las armonías disonantes te harán sentir incómodo y con gran efecto. La excelente producción de Brian Eno lo mantiene limpio, áspero y descomunal como todo lo que toca. Es un pot punk más americanizado y abriendo sus brazos a la new wave, de alguna forma. 12.-  Talking Heads – Remain in Light // 1980 //Sire Talking Heads cambió todo y nada a la vez con éste disco. Producido por Brian Eno, quien había dirigido los dos LP anteriores del grupo, era algo realmente raro: una salida radical que, sin embargo, parecía una continuación y mejora en todo lo que había sucedido antes. Remain In Light nació de muchos atascos poli rítmicos ligeros al pop tradicional, estructuras o ganchos. Eno construyó las pistas enlazando secciones rítmicas e instrumentación de capas que le dieron un sonido que no era para todos, arriesgaron y ganaron. De igual forma era un post punk más diversificado pero que no hubiera existido sin sus raíces. 11.- Joy Division – Closer // 1980 // Factory Closer es su trabajo más obsesivo y cuidadosamente enfocado a la expansión/explosión de todo a lo que podía conducirte el post punk en ese entonces. Es un disco fríamente producido, pero hermosamente oscuro, en él se funcionan perfecto las mezclas diferentes de atmósferas, nuevos giros y las canciones que sonaban de una esencia atroz. Depresivo pero vital, una joya que no podemos quitar de la

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20 discos esenciales del trip hop

El trip hop es una rama más de la música electrónica que se originó a principios de la década de 1990 en Reino Unido, especialmente en Bristol. Derivando del “post”-acid house con variantes más experimentales de breakbeat e influencias de soul, hip hop, pop, ambient, dub, experimental funk y jazz. Dada su naturaleza es un género que puede derivar a sensaciones de placer y fascinación en cuerpo y mente. Presentamos 20 discos que parte de nuestro Staff considera como esenciales. 1. The Herbalaiser “Remedies” 1995 Ninja Tune Matt Black y Jonathan More son los fundadores de Ninja Tune Records, esta disquera se inspiró en un viaje a Japón y la exploración de sonidos de la escena independiente. De ahí su exploración los llevó a conocer a Jake Wherry y Ollie Teeba creadores de The Herbaliser un proyecto que fusiona el Jazz , el Hip Hop en su máxima expresión. Su álbum debut no dejaba de sonar en todo Londres, la crítica lo describe perfecto, el disco ideal para charlar y beber ,los beats te invitan a una fiesta desenfrenada, la excesiva cantidad de matices, loops e instrumentación ácida harán que sigas conociendo toda la discografía de esta banda. 2. Sneaker Pimps – “Becoming X” 1996 Virgin No podemos negar la importancia de los ingleses en la aportación del género, quizás sean las constantes panorámicas grises y frías que alientan a estas bandas a hacer soundtracks con tonos siniestros llenos de una energía misteriosa. Sneaker Pimps es una banda Hartlepool Inglaterra cuyo álbum debut dio mucho de qué hablar. De entrada su sonido era totalmente orgánico, la afinación de la tarola y sus constantes coqueteos al Pop hacen de este disco interesante en la escena. En este álbum encontraremos “6 Underground” una canción maravillosa con alma posmoderna, perfecto himno para una generación sin rumbo fijo. 3. Bowery Electric – “Beat” (1996). Kranky “Beat” es una gema musical que mezcla elementos del shoegaze, drone y trip hop, se trata de composiciones sincopadas con bajos, teclados y loops programados. Con una duración de 63 minutos, las excelentes cualidades del álbum muestran que la cautivadora y pensativa fórmula del dúo de Nueva York, han estado eclipsadas y criminalmente subestimadas por los escuchas del género. 4. Attica Blues – test. don’t test 1997 Mo’ Wax label 1997 fue año retador para las bandas que buscan definir el género género, a pesar de lo complicado y el poco apoyo de las disqueras hubo proyectos que desde sus trincheras ofrecieron grandes LPs. Uno de ellos fue Attica Blues un prometedor proyecto que tomó su nombre en homenaje al gran álbum del saxofonista de avant-garde jazz Archie Sheep. La disquera británica Mo´Wax los apoyo en la distribución local de este su primer álbum. La voz de Roba El-Essawy de origen egipcio le da un toque delicioso a los beats oscuros. Un disco hermoso que invitaba a la escena a escuchar proyectos con voces femeninas y así definir que el Hip Hop y la mujer es un must del género que con el tiempo se volvió tendencia. “It´s Not Enough” muestra lo envolvente que puede ser el sonido de la banda, después de ese track el disco se torna estremecedor demostrando hasta dónde pueden llegar. 5. Portishead – “Roseland NY Live” 1998 Go! Discs Todo buen fan del Trip Hop considera este disco el Santo Grial del género, su crudeza hace sentir sensaciones indescriptibles , es un disco para escucharse fuerte, no hay más. La banda venía de dos grandes discos y busca confirmar su posicionamiento en el mercado Estadounidense; es ahí donde deciden grabar un disco en vivo dentro del emblemático teatro en Manhattan llamado Roseland Ballroom. En ese lugar pisaron las más grandes estrellas de Jazz tales como Louis Armstrong y Ella Fitzgerlad. Portishead sabía que esto conectaría casi de manera natural con las generaciones que buscaban sonidos más dramáticos y a la vez bellos. Para fortuna de muchos no solo se hizo un registro en audio sino también en vídeo, y de verdad cualquier formato conecta y llena de emoción. La dramatización de sus piezas son responsabilidad de una orquesta de 35 piezas que le dan un matiz mucho más dramático y por supuesto distinto a las discografía de la banda. 6. Tricky – “Angels With Dirty Faces” 1998 Island Records Escuchar “Angels With Dirty Faces” es como beber brebajes tóxicos, dada la densidad temática del disco, la crudeza de las letras y la rugosa voz del cantante. En este trabajo colabora Martina Topley Bird, mejor conocida como la “Dietrich negra del Soul” y PJ Harvey. Es resumen, es un disco críptico, a veces inaccesible para quienes no se han aproximado al hervidero sonoro de uno de los pioneros del sonido de Bristol. 7. Unkle – “Psyence Fiction” 1998 Mo’Wax label La creación del álbum fue dirigida por el dúo británico-estadounidense James Lavelle y DJ Shadow. Este es un sorprendente concepto en el que se mezclan elevados scratches y samples que superan los esquemas del trip hop más convencional. Es un trabajo único, rebosante de originalidad que hoy en día forma parte de los legados más importantes de escena del género. El éxito del álbum se debe en gran medida a la participación de diversos músicos como Thom Yorke, Ian Brown, Richard Ashcroft y Jason Newsted. Sin duda éste es un disco que abrió la mente de una generación completa y que nos permitió descubrir otros caminos sonoros. 8. Handsome Boy Modeling School – “So… How’s your girl?” 1999 Tommy Boy Aun año de la supuesta caída cibernética algunos querían hacer bromas adelantadas, era absurdo creer de un supuesto colapso a vísperas del 2000. Con este contexto Dan the Automator Nakamura, Prince Paul buscaban relajar el ambiente creando uno de los proyectos colaborativos más ambiciosos de la música. Handsome Boy Modeling School un nombre para algunos divertido y para otros egocéntrico. Pero en realidad el proyecto era una crítica al consumo, a la clase alta y al enorme vacío que había en el mundo del modelaje masculino.

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20 discos esenciales de ambient

El ambient tiene una historia rica y sorprendente. Ya sea que se desee retomar su historia con las bellas composiciones de Música de Mobiliario de Erik Satie o comenzar con las intervenciones prolongadas de Brian Eno, no hay duda que la música ambient se ha extendido a casi todas las grietas de la música moderna, ya sea música electrónica, rock o clásica moderna. El ambient se encuentra y es relacionada frecuentemente a entornos privados o espacios relacionados con el arte: museos, galerías o salas de conciertos. Pero en los años 90, las salas de descanso con música ambient en raves y festivales de música electrónica se volvieron comunes. A finales de ésta década, esa escena había retrocedido a un segundo plano, pero el siglo XXI ha visto el nacimiento de muchas voces nuevas en la música ambient. Si bien es esencial tener cierta educación auditiva y emocional para entender la gran variedad de sonidos que el ambient nos ofrece, a veces puede ser intimidante empezar a escucharla sin previo aviso. Esto es lo que hace que esta revisión  de discos esenciales del ambient sea tan importante. Se trata de un trabajo de amor del más alto nivel que contiene 20 discos esenciales, que va desde las líneas más estáticas y minimalistas de sonido, hasta las composiciones de ambient techno más melódicas a veces acompañadas de beats profundos que hacen rugir los audífonos.  La siguiente lista en orden aleatorio contiene una alta concentración de álbumes conceptuales, que es un formato popular para los productores de ambient. Es decir, fijarse en algo específico y de este mundo, permitiendo la libertad de explorar formas abstractas y su arquitectura cósmica sublime.  Huerco S. – For Those Of You Who Have Never (And Also Those Who Have) Pribito / 2016 Lo único que se puede decir fácilmente de este álbum es que su música es completamente subjetiva. Subjetiva en el sentido de que no hay 2 seres que experimenten la misma emoción o sensación de escuchar alguno de sus temas permitiéndose experimentar todo lo que la pista abarca de manera diferente. Lo que el prodcutor de Kansas, Huerco S. nos ha dado en For Those Of You Who Never (And Also Those Who Have) es al simplemente hipnótico.  Microstoria – snd Millie Plateaux  / 1996 Jan St. Werner y Markus Popp se unieron una vez más en 1996 para crear una de las obras maestras del ambient del año 1996 y quizá de la historia. Un proyecto sumamente interesante debido al conocimiento y las habilidades de ambos músicos, con Werner como la mitad de Mouse on Mars y Markus Popp como núcleo de Oval. Ambos músicos realizaron una magnifica mezcla de sintetizadores análogos para crear una de las versiones más calmantes e introvertidas del ambient. Machinefabriek – Dauw Dekoder / 2008  Machinefabriek es el alias de Rutger Zuydervelt, originario y residente de Rotterdam en los Países Bajos. Dauw es una de las obras más sutiles y silenciosas pero refinadas de Zuydervelt. Principalmente construida alrededor de pequeñas pero hermosas melodías de piano y guitarra acompañadas de sonidos crepitantes y muestras de sonidos de vinilo polvorientas. Temas que se convierten lentamente en intensos coros de ángeles en forma de himnos. Álbum masterizado por el productor italiano de música experimental Giuseppe Ielasi con elegantes ilustraciones del mismo Zuydervelt que se ha convertido en un referente de la música ambient del siglo XXI.  Pauline Oliveros – Accordion & Voice Lovely Music / 1982 Pauline Oliveros ha sido una figura de la vanguardia musical clásica y electrónica durante décadas. Su carrera como escritora, compositora, interprete e investigadora ha quedado plasmada en la música a través de sus múltiples contribuciones en la experimentación sonora. A pesar del uso liberal que se le puede dar al acordeón, Oliveros lo adoptó como instrumento principal de trabajo considerándolo un instrumento de gran escala con una gran dignidad expansiva. Accordion & Voice es una pieza que logra llegar a ser una obra de arte por el sonido persistente y ondulante que obtiene de su acordeón acompañado de voces. Poner atención cuidadosa a las palpitaciones de ese sonido persistente revela una pieza de música robusta, versátil y cambiante que a la vez es inescrutable y absorbente.  Oneohtrix Point Never – Replica  Software / 2011 Han pasado ya algunos años desde que apareció el cuarto álbum del introvertido productor Daniel Lopatin. Un álbum considerado dentro de la lista de los mejores del 2001 con música llena de paisajes sintéticos helados parecidos a los que se encuentran en las bandas sonoras de películas rusas de los setentas. El trabajo pop hiperrealista de Oneohtrix Point Never y los hipnóticos videos que acompañan a su música asemejan a las transmisiones de  media noche de la distopía del videódromo de David Cronenberg creando un mundo de ciencia ficción y siniestras visiones del futuro que se entrecruzan dando resultados emocionalmente fascinantes.  Leandro Fresco – Amor Internacional  Kompakt / 2002 Elegido como uno de los mejores lanzamientos de Kompakt de todos los tiempos, Amor Internacional de Leandro Fresco encontró el equilibrio perfecto entre la melancolía y la cordialidad, una gran hazaña en el trabajo del productor de Buenos Aires, miembro de Soda Stereo, que se remonta a sus primeras presentaciones de los años 90 en el icónico Traum Schallplatten de Colonia, de corta duración, pero legendarios. Habiendo refinado constantemente la producción de estos primeros síntomas sonoros, Leandro Fresco ahora puede ser considerado un maestro de su propio oficio: el arte de esculpir un sonido fluido, una tarea casi tan imposible como apilar agua. Un disco sofisticado envuelto de magníficos pasajes de sintetizadores que evolucionan lentamente y que sin duda tienen afinidad por el pop pero que también funcionan como una colección de momentos profundamente personales. Música emocional hecha en un momento emocional de la vida, un viaje a través de recuerdos y también a través de una era de la vida.  Brian Eno – Ambient 1: Music for Airports ArsNova / 1978 Con su álbum de 1978 el músico, productor y conceptualista inglés, Brian Eno acuño

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